Una bella canción de Rosana

SHAKIRA Hips don’t lie (VMAs 2006)

ARGENTINA SEMIFINALISTA DE LA DAVIS !!! GRACIAS EQUIPO

VIDEO

LA COMPETENCIA DE SAN SEBASTIAN

Familias disfuncionales

Se vieron el filme español «Vete de mí» y «Sleeping Dogs Lie», de los EE.UU. Hoy Sorín presenta su película.

LOS DIEGOS. Juan Diego Botto y Juan Diego, hijo y padre en la ficción de «Vete de mí».

La Sección Oficial de San Sebastián abandonó ayer la corrección política, una gala de apertura en la que Jeanne Moreau dijo: «El cine es un arma pacífica para resolver conflictos», y ofreció dos comedias muy ácidas, especialmente corrosivas con los vínculos familiares. La norteamericana Sleeping Dogs Lie, de Bobcat Goldthwait (actor de Locademia de policía), y la española Vete de mí, de Víctor García León, con Juan Diego Botto (Martín (Hache) y Roma), actor nacido en la Argentina.

Botto, recibido a lo Brad Pitt a falta de galanes de Hollywood, interpreta a muchacho de 30 años —lúmpen, inmaduro, mitómano— que irrumpe en la vida de su padre (Juan Diego) cuando su madre lo echa de la casa. Las vidas de ambos, que casi no han tenido relación y ahora deben convivir, comienzan a entretejerse. «Me parece un anti Martín (Hache) —admitió Botto—. No es esperanzadora ni apuesta a las nuevas generaciones: es impiadosa. Tuve la suerte de trabajar con Luppi (que llegó ayer); y éste fue otro gran desafío: compartir un protagónico con Juan Diego.»

El filme, cálidamente recibido, tiene altibajos: un humor poco innovador y personajes que por momentos funcionan sin mucha lógica. Sin embargo, las actuaciones y un final que no intenta redimir, están, tal vez, a la altura de las esperanzas locales. «De vez en cuando te encuentras un filme que te empuja a volver a casa, a rodearte de los tuyos, a estar en familia. Este no es el caso. Se trata de una película poco amable», explicó el joven director.

Sleeping Dogs Lie tampoco es amable pero sí asombrosa desde su comienzo, cuando el personaje de Melinda Page Hamilton, una chica modosita, angelical, orgullo de sus padres, decide practicarle sexo oral a su perro. Un episodio aislado que marca su vida; una excusa que encuentra esta película independiente norteamericana —de bajo presupuesto, alto riesgo y apenas dos semanas de rodaje— para hablar de verdades y ocultamientos en la pareja. Con registro de sitcom negra, y personajes disfuncionales, ambiguos, cargados de secretos, Sleeping… invita a amarla o rechazarla. Una chaparrón de aplausos la respaldó en su pase de prensa.

En la conferencia, Goldthwait apareció con sombrero de vaquero, bufanda colorida, anteojos negros y «la esperanza de no tener que hacer Locademia 9». Dijo: «¿Qué me inspiró en Sleeping…? Bueno, mi perro es muy guapo… No sé. Cuando hago comedia en vivo y tengo una idea transgresora la lanzo. Después veo cómo salgo del lío. Acá hice lo mismo. Por otra parte, todos tenemos algún acto secreto. Es importante mentir. Y es muy recomendable hacerlo en ciertos momentos».

Melinda coincidió: «Creo que en el amor tiene que haber mucha bondad. Pero bondad y honestidad no siempre van de la mano. Hay seres queridos que te piden que seas completamente sincero y salen lastimados. Se habla de ‘honestidad brutal’, ¿no? Bueno, si algo es brutal, yo creo que lo mejor es evitarlo».

Alguien le preguntó al director si los personajes de doble moral y decadentes procuraban aludir a la política norteamericana o si estaban basados en personas que conocía. «La verdad es que no quise dar ningún mensaje político. Ahora, si quieren saber lo que pienso, Bush es un idiota —contestó—. En cuanto a si me basé en la realidad… Todas las familias trabajan para mostrarse normales y casi nunca lo son. Supongo que mi hermano mayor se va a enfadar mucho cuando vea esta película. Si lo ven, por favor, no se la recomienden.»
La hora de la verdad para Sorín

Hoy llegará la hora de la verdad para Carlos Sorín: por la noche, El camino de San Diego será proyectada en el Kursaal, ante casi 2.000 espectadores. «Voy a ir, quiero ver las reacciones .l recibimiento que me dieron fue excelente; es la cuarta vez que participo, estuve incluso con Eterna sonrisa de New Jersey. Pero esa expectativa es proporcional a la responsabilidad. Ya querría estar en el día siguiente.»

Frente al Hotel María Cristina, pudo ver un gigantesco cartel de su película, junto a otros hollywoodenses. «Pero lo que más me sorprendió fue encontrarme con un afiche con una foto mía cercano al Kursaal.» En el Diario Vasco hicieron una síntesis de los directores en competencia: «Carlos Sorín: juega en casa. Sus Historias mínimas y El perro encandilaron en este festival. Por eso aguardamos esta nueva entrega de su cine».

Los medios locales lo mencionan cada vez que se habla de las «figuras» presentes y la televisión española estrenará en octubre El perro. Todo parece jugar a su favor. Sin embargo, en la Argentina, El camino… estuvo lejos de tener —aún— los espectadores que Sorín esperaba. «Se estrenó en una de las peores semanas a nivel público. Y creo que se la vinculó demasiado con Maradona, lo que hizo que muchas mujeres no acompañaran a sus maridos. La película no es sobre Maradona. Es sobre el camino casi místico que emprende un muchacho en busca de su ídolo. Hicimos testeos en las salas y todos salían muy contentos… En fin, es un fenómeno difícil de entender.»

 

El dato

José Saramago, miembro del jurado, llegará recién hoy. El escritor está en Milán, donde se estrenó la ópera «Il dissoluto assolto», inspirada en Molière y con argumento suyo.

Iggy Pop brindó un concierto a la altura de su mito.FOTOS DEL PEPSI MUSIC

Concierto para celulares

 TORONTO -s un concierto de música en el que su teléfono celular puede o debe sonar. El compositor de jazz estadounidense David Baker está animando a la gente a usar sus teléfonos móviles durante el concierto debut de Concertino para teléfonos móviles y orquesta, que abrirá el vigésimo aniversario del festival de música clásica de la Chicago Sinfonietta el próximo mes.

Durante la composición de 15 minutos, se pedirá a los miembros del público y de la orquesta que utilicen sus teléfonos móviles en varios puntos de la pieza, con luces rojas y verdes que les dirán cuándo apagar y encender sus teléfonos. Baker, que posee en su haber más de 2000 composiciones de jazz, sinfonía y cámara, dijo que también podría animar al público a que incremente o disminuya al azar el volumen de sus móviles e intente reconocer fragmentos de tonos familiares en los timbres de los teléfonos de los miembros de la orquesta.

Dice que espera que el contraste del caos y la organización en un esquema orquestal constantemente cambiante reproduzca el orden y el caos en nuestra sociedad.

«Es un equilibrio maravilloso […] porque esto es como son nuestras vidas», dijo Baker, de 74 años, profesor de música en la Universidad del Estado de Indiana. Baker dijo en un comunicado que era la primera vez en su carrera que tenía una pieza acabada, pero que no sabía cómo sería resultado. «No hay manera de reproducir 1000 teléfonos sonando a la vez», dijo.

REPORTAJE A MAGDALENA FLEITAS

Canción para los días de vida

Compositora, cantante y musicoterapeuta, viaja por Latinoamérica recopilando canciones. Y acaba de sacar un disco, «Risas del viento».

EN BARILOCHE. Magdalena, su guitarra y el lago Nahuel Huapi. Es una viajera incansable.

En vez de irse de vacaciones en plan descanso total, Magdalena Fleitas acostumbra a integrar en sus viajes por Latinoamérica al menos un par de visitas a algún colegio rural, para intercambiar música con los chicos de la zona. Así, fue recopilando voces y canciones infantiles que pueden escucharse en su nuevo disco (el segundo de su carrera) Risas del viento.

Un álbum que se nutre de las riquísimas tradiciones musicales de Argentina y Latinoamérica y pone a los chicos en contacto con el folclore. Con una concepción nada «infantilizada». Es decir con riqueza sonora y de colores tímbricos, apto para adultos.

Docente, música, cantante, compositora, sus viajes la llevaron desde el sur y el norte del país hasta el Lago Titicaca en Bolivia. «Es muy lindo cómo te abren las puertas —cuenta Magdalena—, cómo te muestran espontáneamente sus canciones, es algo muy placentero que se da en un clima de intercambio». Ella, a su vez les canta las suyas.

También le resulta interesante observar las variaciones culturales en repertorios comunes. Por ejemplo, en Bolivia, en la tradicional canción de El lobo feroz, el lobo come huevito sancochado. O los chicos conocen temas del antiguo cancionero español, que aquí no se cantan.

A veces la reciben con mucha ceremonia.»Bolivia es un pueblo muy cantor —explica— y los nenes cantan con la boca bien abierta y a grito pelado. Y el maestro les decía, pero niños, ‘no han cantado lo suficientemente fuerte'».

Magdalena tiene también experiencia en escuelas de la ciudad. ¿Encuentra diferencias de reacción? «Sí —afirma—, hay una manera de vincularse distinta, tiempos de escucha muy diferentes. Fuera de las ciudades son más amplios el deseo y la necesidad de conocer. A veces las ciudades están sobrecargadas de estímulo, los chicos se aburren más rápido. Igual, no me gustaría generalizar, todo depende de cada experiencia».

Además de docente, Fleitas es musicoterapeuta y tiene su propia escuela de música para chicos de 1 a 3 años: El Jardín de Magda.

Fleitas explica que la musicoterapia puede aplicarse en cualquier área de la salud, «la música está muy vinculada a la vida, todos tenemos una memoria musical, canciones, sonidos que forman parte de nuestra historia».

¿Y con los chicos?

Es ideal la musicoterapia para abordar cualquier tratamiento con chicos porque está muy vinculado a lo lúdico, que es el lenguaje del niño. Entonces rápidamente se hace un puente. Además la música está vinculada al placer, a expresarse.

De acuerdo a su experiencia, los chicos esperan ansiosos el día de su clase de música porque ahí inventan canciones, bailan, juegan y charlan con el maestro de las tristezas.

«Porque el lenguaje artístico permite que aparezcan las emociones más profundas, más complejas —asegura Magdalena—. En una buena clase de música se compone. Y eso le da lugar a que ellos cuenten cómo viven su mundo cotidiano la soledad, los celos, sus inseguridades. A los chicos les pasan muchas cosas complejas que a veces no nos damos cuenta, pensando que el mundo del niño es más rosa de lo que es».

EL EXITO DE LA NARRATIVA JAPONESA EN LA ARGENTINA

Fiebre amarilla: el sushi, el animé y el boom de la «novela suicida»

 

En los últimos dos años se vendieron casi 100 mil libros de escritores japoneses. Un fenómeno que sigue la influencia de la estética pop del manga y el nuevo cine nipón.

En las novelas japonesas siempre muere alguien. Pero la muerte no es un tema de fondo ni un ruido externo, es parte determinante de la trama. Y no es extraño porque la muerte está presente en la cultura japonesa y muchas veces los protagonistas de las novelas, y de la vida real, mueren y deciden morirse de diferentes formas.

Esas tramas, a veces oscuras, a veces indefinidas, están captando numerosos lectores en nuestro país donde vive la tercera comunidad japonesa en el mundo después de Brasil y Perú.

Por un lado se han multiplicado los autores y los títulos a los que se accede. Y por otro, la literatura japonesa es una novedad en su paseo distinto por cada historia que hace que lo imprevisto rompa calmas que parecían de piedra o que la trama psicológica, de suspenso, se mezcle con lo místico, con la muerte y con la vida más allá de la muerte.

Hoy son tres son los autores más populares en ventas entre nosotros. Uno es el Premio Nobel de Literatura de 1968, Yasunari Kawabata, suicidado en 1971. La mayoría de sus novelas han sido publicadas o reeditadas en los últimos dos años por Emecé. Seis de sus libros llevan vendidos aquí cincuenta mil ejemplares en los últimos años, treinta mil de ellos entre 2005 y 2006 y para este año está prevista la publicación, por primera vez en español de El sonido de la montaña, con una tirada de 10 mil ejemplares. Banana Yoshimoto y Haruki Murakami son un éxito en ventas especialmente entre los jóvenes. Es el segmento que accedió a una cultura extraña a través del manga y animé japonés: las temáticas seducen desde el exotismo o porque trasuntan angustias globales. Desde Japón, Yoshimoto habla sobre los argumentos de sus libros: «Mis sueños a veces son más importantes que mi vida despierta. Veo diversas cosas en ellos y mis novelas contienen mucho de lo que soñé». Yoshimoto, autora de Kitchen y Sueño profundo (Tusquets), lleva vendidos aquí alrededor de 22 mil ejemplares de sus cuatro libros traducidos (escribió más de quince) y Murakami, también con cuatro títulos, 20.100 ejemplares vendidos. La mitad de esta cifra corresponde a Tokio Blues, la última novela aquí publicada. Otro, Crónica del pájaro que da cuerda la mundo, está agotado. Tanto Yoshimoto como Murakami sienten la identidad japonesa como una carga, Yoshimoto ha dicho que le gustaría vivir fuera de Japón, pero ambos siempre vuelven a la isla. De hecho Murakami se fue en 1986 y volvió en 1995 tras el terremoto de Kobe y los ataques en el subte japonés con gas sarín, un hecho que lo inspiró a escribir un libro. En tanto, Tusquets tiene preparada la edición de Kafka en la orilla.

A ellos se suman otros títulos como el legendario El libro de la almohada (Editorial Adriana Hidalgo) de Sei Shonagon, un clásico del siglo X que narra la vida cotidiana en la corte durante el período Heian (794-1185); el maravilloso Gestualidad japonesa, de Michitaro Tada, o En construcción de Mori Ogai, de la misma editorial; El gran espejo del amor entre hombres (Interzona) de Ihara Saikaku. Otra muestra del fenómeno es la venta de 800 ejemplares del reciente Vibrador (Emecé) de Mari Akasaka en tan sólo tres semanas. En esta lista también se ubica el legendario Yukio Mishima de quien es imposible conseguir sus libros porque están agotados.

Mucha información circula en Buenos Aires a través de la revista de cultura japonesa Tokonoma. Editada desde 1994 por la traductora y escritora Amalia Sato, espera la salida del Nº 11.

Pero ésta es sólo la punta del iceberg oriental. Escritores jóvenes y populares como Katayama Kioichi y Kanehara Hitomi entre muchos otros se destacan y ya se reconocen como sucesores influidos por Yoshimoto, Haruki Murakami y Ryu Murakami. De este último se publicó recientemente el thriller Sopa de miso. También allí, como una marca que recorre la ficción y la realidad japonesa, la muerte tiene el papel principal.

«Pensé que no iba a poder terminar el primer tema»

El líder de la banda confesó que, por los nervios, creyó que no podría cantar. if (mmInfos && (mmFotos || mmVideos)) {document.write(»

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EL REGRESO. Callejeros, el jueves en Córdoba, frente a 20.000 personas

 El show acababa de terminar y Callejeros se refugió en el vestuario del estadio Chateau Carreras que utilizaron como camarín. «De los nervios ya en el primer tema tenía la garganta seca. Pensé que no iba a poder terminarlo», fue lo primero que le dijo Patricio Santos Fontanet, líder y vocalista de la banda, a sus compañeros.

Callejeros, sus familiares más cercanos y algunos de sus más íntimos amigos y colaboradores se quedaron allí hasta cerca de las 9 de la noche del jueves, casi dos horas después que terminó el show. Cuando se fueron, en los alrededores del estadio ya no quedaba ninguno de los 20.000 seguidores de la banda que fueron al recita

Para ADEPA, hay libertad de prensa, pero «se confunde crítica con oposición»

Si bien «en la Argentina hay libertad de prensa», la Asociación de Entidades Periodísticas Argentinas advirtió ayer que «la actividad periodística se desarrolla con dificultades, a raíz de factores políticos y económicos. En las cimas del discurso oficial, el ejercicio de la crítica, que es consustancial a la existencia del periodismo, ha sido reiteradamente confundido con una práctica opositora«, señaló el titular de ADEPA, Gustavo Vittori, quien lo consideró como «un error de concepto».

El doctor Vittori dio a conocer el informe de la Comisión de Libertad de Prensa e Información, en ocasión de la 44ª Asamblea General Ordinaria de ADEPA, realizada en San Nicolás.

«La prensa del país habilita cada día innumerables canales de comunicación entre las personas, las organizaciones y entidades, los representantes políticos y los que gobiernan —dijo Vittori—. Por ellos circula, jornada tras jornada, la savia de una democracia moderna y plural. Es cierto que en ese flujo continuo de comunicación pueden deslizarse errores, inexactitudes e incluso acciones mal inspiradas. Pero si se la juzga por el resultado general, la prensa sale airosa y exhibe con responsabilidad y orgullo su condición de pieza clave en la ingeniería de nuestro sistema constitucional». Vittori observó luego que los gobiernos nacional y provinciales parecen no distinguir entre la crítica periodística y la realizada por la oposición política, «cerrándose en actitudes que perturban el normal funcionamiento de la prensa, afectan la información que tiene al ciudadano como destinatario y perjudican, por tanto, la calidad del debate público. Al bloquear canales de comunicación con el periodismo, se priva a la ciudadanía de material informativo o argumentativo al que debería acceder para formar criterios, definir opciones y tomar decisiones». Agregó que «el modelo de comunicación bloqueada (…) comienza a ser reproducido» por algunos mandatarios provinciales e intendentes.

En su informe, ADEPA consignó «las serias dificultades que la política cambiaria del Gobierno (…) provoca a diarios, periódicos y revistas». Destacó además el agobio provocado por la presión fiscal derivada de la aplicación del IVA al precio de tapa, y a la publicidad. «La falta de respuesta a las medidas de atenuación planteadas al Estado conspira contra la salud de los medios y, por ende, contra los canales que efectivizan la libertad de prensa», concluyó la entidad.

EEUU… libertad…libertad…libertad??

Periodistas podrían ir a prisión por no revelar sus fuentes

 Una corte estadounidense amenazó con encarcelar durante un año y medio a los dos periodistas que destaparon el escándalo de doping en torno del laboratorio BALCO, si no revelan sus fuentes de información, según publicó ayer el diario San Francisco Chronicle.

Los periodistas Mark Fainaru-Wada y Lance Williams, por ahora, se niegan a revelar los nombres de quiénes les suministraron los testimonios judiciales de los jugadores de béisbol Barry Bonds y Jason Giambi, que sirvieron como base para la publicación de artículos por el diario Chronicle sobre el escándalo de dopaje BALCO. A partir de esas publicaciones, detonó en Estados Unidos un debate a nivel nacional para pedir controles más estrictos en el deporte profesional.

La publicación no autorizada de actas de un tribunal es un delito en ese país. Y la pena que podría pesar sobre los periodistas —sino revelan sus fuentes— es mayor que las que se vienen aplicando a los culpables en el caso.

Una periodista del diario The New York Times, Judith Miller, pasó el año pasado 85 días en la cárcel porque se negó a revelar sus fuentes en el caso de Valerie Plame, una agente de la CIA cuya identidad fue filtrada por un ex responsable del Departamento de Estado, Richard Armitage

El «caso BALCO» (nombre del laboratorio creador y proveedor de un método de dopaje indetectable en los EE.UU.), comenzó después que el entrenador de atletas olímpicos estadounidenses Trevor Graham enviara una jeringa que contenía la hasta entonces indetectable sustancia tetrahydriogestrinona (THG) —mejora el rendimiento deportivo e incrementa la masa muscular— a la Agencia Antidopaje de Estados Unidos en junio de 2003.

Once atletas han sido sancionados por dopaje y otros tres amonestados por el Tribunal de Arbitraje Deportivo (TAS), pero ninguno fue condenado por la corte.

El 18 de octubre de 2005, el fundador de los laboratorios BALCO, Victor Conte, fue condenado a cuatro meses de prisión y otros cuatro de libertad condicional. La fiscalía lo acusó de ser el distribuidor del esteroide. Y se descubrió que Patrick Arnold fue el creador de la sustancia.

REPORTAJE A PETE TOWNSHEND, LIDER DE THE WHO

«Quiero conocer a ese tal Charly García»

«Clarín» vio un show de la mítica banda en el Madison Square Garden y dialogó con el guitarrista. Townshend habló del paso del tiempo, de Bob Dylan y hasta de Charly. Vienen en marzo de 2007.

MARTES, 10.30 PM. Los viejos amigos, Roger Daltrey y Pete Townshend, saludan al final del show del Madison.

Un hombre y una visión. Pete Townshend, el guitarrista, compositor y líder de The Who, nunca aspiró a otra cosa que a pavimentar terrenos y echar claridad allí donde persistieran las sombras. Desde el temprano uso de efectos pirotécnicos en la guitarra que definieron la potencia de su banda y su conciencia del poder de la moda y la tribu, se erigió junto a The Who en líder del movimiento Mod. Desde el accidental momento en que su guitarra se quebró ante el techo cercano de un pub, dispuso del sacrificio habitual y ritual del instrumento en un síndrome tipo Ave Fénix, que en cada nueva noche renacía de las cenizas de su anterior destrucción. Desde su plus de estudiante de arte, sintió que el formato rockero le quedaba chico y diseñó, sino la primera (que podría ser S.F. Sorrow de The Pretty Things), la más famosa ópera rock de la historia: Tommy.

Los últimos años no fueron fáciles para él: perdió un amigo (el bajista John Entwsitle) y se vio envuelto en un caso donde se lo acusaba de ingresar a páginas de abusos de menores en internet. Los cargos le fueron levantados a los cuatro meses y, aunque ahora prefiera no hablar de ello, alegó que estaba chequeando material para su primera novela (The Boy Who Heard Music), donde el protagonista ha sido abusado de niño. Igual que el propio Townshend y que ese personaje sordo, ciego y mudo que lo elevara a la categoría de leyenda: Tommy.

Ahora, The Who está empezando su undécima gira desde que se despidiera por primera vez, allá por 1982. La novedad es que, por primera vez desde entonces, está trabajando junto al cantante Roger Daltrey en un disco en estudio de la banda que redefinió los 60 británicos junto a Beatles y Stones. «El disco se llama Endless Wire (Cable sin fin), como una de las canciones y saldrá el 30 de octubre. En enero de este año decidí intentar escribir una mini-ópera. Justamente 40 años después de la primera mini-ópera que escribí: A Quick One While He s Away, así que fue como transportarme al pasado, aun que ésta es sobre un grupo de jóvenes que usan internet para hacer música y dar shows. O sea, la clase de historia que siempre inspiró mi composición: siempre creí que la música puede hacer olvidar los problemas.

Los últimos discos de tus compañeros de generación (Paul McCartney, los Stones, Bob Dylan) fueron recibidos con mucho entusiasmo por el público y la crítica. ¿Esto te presiona?

No, más bien me llena de coraje. Siento que todos estamos encontrando una nueva forma de que nuestra música vuelva a tener peso. En mi caso, se trata de una cuestión de paciencia: aprender a encontrar el momento justo y las notas justas. En cambio, Paul, Bob y los Stones nunca pararon, como sí lo hicimos nosotros.

Pero nunca dejaste de componer para tus discos solistas. ¿Se encara diferente un proyecto solista que un disco de The Who?

No. Yo uso los mismos métodos para componer. Lo que cambia son los músicos. En el caso de este disco sólo tengo que hacer espacio para una sola persona, que es mi colega Roger Daltrey. Es el mejor intérprete de mis canciones. ¡Y sobre todo un terrible editor! Así que si queremos hacer un buen disco hay que tenerle preparadas un montón de buenas canciones.

¿Cuánto cambió tu vida con las muertes de tus compañeros de banda John Entwistle (2002) y Keith Moon (1978)?

Eramos una pandilla, como tantas bandas de rock. Y cada vez que perdemos un integrante, toda la estructura se resiente. Pero aprendimos grandes lecciones y nos pusimos fuertes. Cuando John murió, el desafío musical fue mayor: se puede decir que Keith Moon era un gran baterista, un excéntrico lunático, entonces convivir con él era divertido y duro a la vez. Pero John era un músico sorprendente, no es fácil que un bajista sea tan importante. Gracias a nuestro trabajo en conjunto convertimos el sonido de The Who en algo único y famoso.En una entrevista reciente dijiste que «Dylan haciendo rock es flojo, no puede tocarlo». ¿Siempre pensaste así de él?

Bob Dylan no es un músico de rock: toca con músicos de rock. De hecho, amo su versión del rock and roll y a los músicos que lo ayudaron a cambiar del folk al rock. Y también adoro cuando toca folk y country & western. Es único.

¿Cuál pensás que es la mejor canción de The Who?

Cambia a cada rato. Actualmente es Tea & Theatre, del nuevo disco. Es honesta y apropiada para gente de 60 como Roger y yo. De las viejas, adoro todas, pero me encanta tocar especialmente The Seeker.En «My Generation» cantaste que «esperabas morir antes de llegar a viejo». Con todo respeto… ¿puedo preguntar cómo te sentís vivo y viejo?

Todavía quiero morir antes de llegar a viejo. Cuando hablaba de viejo, hablaba desde los 19 años, mi edad cuando la compuse y tenía otra forma de pensar, de ver las cosas y de controlarlas. Pero los viejos suelen ser los maestros y los míos murieron y la única cosa que puedo enseñar es a tocar la guitarra. Me preocupa más llevarle a los jóvenes esperanza y claridad, liberación y libertad.

Sabías que Charly García, una de las estrellas del rock argentino puso una frase tuya en uno de sus discos solistas? Es aquella que dice: «Si grita pidiendo verdad en lugar de auxilio, si se compromete con un coraje que no está seguro de poseer, si se pone de pie para señalar algo que está mal pero no pide sangre para dirimirlo, entonces es

rock and roll».

Es un maravilloso tributo. Me encantaría conocer a ese tal Charly García. Sigo sintiendo vigentes esas palabras, aunque pueda poner mis sentimientos en otro orden de prioridades.

¿Vienen a la Argentina?

Estamos yendo. Fuimos amigos y enemigos de los argentinos por cientos de años y eso nos hace una familia. Nuestro manager, Bill Curbishley está casado con una argentina y eso hace a The Who contraer compromisos con tu país. Pero lo más importante es que Argentina es un país donde la música es parte de la forma que tiene el pueblo para expresar su alma. El rock, de la manera en que lo toca The Who, expresa ese sentimiento desde el corazón. Nunca visité Argentina y, lo advierto, tocaré de la mejor forma que me sea posible.

 

The Who en la Argentina

Aunque nunca tan influyentes como Beatles & Stones, The Who recién dejó su marca en el rock local a partir del fenómeno Tommy. Los primeros ecos podrían encontrarse en la fallida ópera de Almendra, que devino en el no menos histórico Almendra II (1971), que también incluye una Obertura. No menos importante fue para Vox Dei, tanto en su sonido constitutivo (chequear Caliente), como en la conformación de La Biblia (1971): no olvidemos que Tommy termina siendo una especie de Mesías.

Por esos años y viviendo en Londres, el bajista Vitico asegura haber jugado una partida de billar con la banda.

Charly García citaría a Townshend en dos oportunidades. Primero, con el verso del «recuerdas al tipo que rompía guitarras/ cuando nadie tenía un miserable amplificador/ Hay miles ahora» (Mientras miro las nuevas olas, Serú Girán). Después, citando una frase (ver nota) en el sobre interno de Yendo de la cama al living (1982). En un plano más cercano, Divididos no sólo los adoptó en el clásico Aladelta (1991), sino que en su etapa con Federico Gil Solá como baterista supo hacer del Summertime Blues (Eddie Cochran, en versión The Who) un tema estelar de sus conciertos. En los últimos años, la estela que más pegó fue la etapa mod y asi lo dejaron en claro bandas como Turf, Menos que cero y Los Grillos.

Ecos porteños


Tommy, álbum lanzado en 1969, está considerado la primera ópera rock. Cuenta la historia de Tommy Walker, un chico que queda ciego, sordo y mudo después de ver cómo su padre asesina a su madre al volver de la guerra y sorprenderla con otro hombre. Los inventores del rock argentino quedaron estremecidos por la idea, inédita hasta entonces, de desarrollar un concepto argumental en un long play. Almendra hizo punta y Spinetta escribió de un tirón una ópera rock en la que iban a  actuar muchos de los pioneros, de Nebbia a Miguel Abuelo. La ópera nunca se terminó: Almendra se separó. Pero el bicho de lo conceptual prendió definitivamente en el rock nacional: pronto Vox Dei iluminaría La Biblia (1971) y Arco Iris Sudamérica o el regreso de la Aurora (1972).

La obra

THE WHO SELL OUT (1967)

UNO DE LOS DISCOS DEFINITIVOS DEL POP-ART. ES

UNA OBRA CONCEPTUAL TRUNCA, DONDE SE REFLEXIONA

SOBRE RADIOS PIRATAS Y EL PODER DE LOS

JINGLES EN UN ROCK QUE TODAVIA LE HUIA A LOS

SPONSORS. INCLUYE CLASICOS
COMO «I CAN SEE

FOR MILES» Y «ARMENIA CITY IN THE SKY».

El suceso
EL VIVO

LIVE AT LEEDS (1970)

EN EL PODIO DE LOS «MEJORES DISCOS EN VIVO DE

LA HISTORIA«. LOS DEVOLVIO AL LUGAR QUE EL

FUROR DE «TOMMY» ESTABA DESVIANDO: EL ESCENARIO.

UNA VERSION KILOMETRICA DE «MY

GENERATION» Y COVERS («SHAKING ALL OVER»,

«YOUNG MAN BLUES») SON PARTE DEL BANQUETE.

El vivo

TOMMY (1969)

TOWNSHEND ASPIRA A SER EL MOZART DE SU

GENERACION CONTANDO
LA HISTORIA DE UN

MUCHACHO CIEGO, SORDO Y MUDO CON CARACTERISTICAS

MESIANICAS. EL PROYECTO ADQUIERE

FORMA DE DISCO DOBLE Y SU EXITO EN LOS

ESTADOS UNIDOS LOS CONSAGRA PARA SIEMPRE.

 

En vivo en el Madison: los viejos están bien

Un brazo derecho que gira 360 grados para disparar un acorde mortal. Otro que usa el cable del micrófono como un lazo, para revolearlo en repetición. Los gestos escénicos que hicieron famosos a Pete Townshend y Roger Daltrey llegan a tiempo, pero no en forma. Y es lo de menos. La idea de ver a The Who vivitos y coleando después de la muerte de su base rítmica (el bajista John Entwistle y el baterista Keith Moon) y de decir oficialmente adiós en 1982 podría ser un pésimo chiste. Pero como ya lo comprobáramos con los Stones en su último par de shows en marzo, el rock parece guardarle un mejor lugar a los sexagenarios que a los cuarentones. Hay más dignidad en ese post-bis de tema nuevo y acústico (Tea & Theatre), con Roger Daltrey tomando literalmente un té en taza, que la que suele haber en los vitalidad pendevieja de las bandas que vuelven al ruedo en la mediana edad. Ergo, The Who no compite ahora con (por ejemplo) The White Stripes, de la misma manera que sí lo hacían en 1982, cuando se dejaban telonear por los entonces jóvenes y vitales The Clash.

En esta noche del Madison Square Garden repleto, Pete Townshend y Roger Daltrey pueden mirar hacia adelante y ver que le llevan, aún a su público, veinte años de edad. Pueden mirar a sus espaldas y notar que falta la mitad de la banda, aunque los reemplacen Pino Paladino (bajo) y el siempre eficiente Zak Starkey (claro, el hijo de Ringo Starr), en batería. O que incluso Townshend sume a su hermano menor Simon como guitarrista. Pero lo que siempre estará de su lado será un repertorio que figura entre el más inspirado y puntual de la historia del rock. Cuando de repente y sin saludar toman el escenario y se despachan sucesivamente con I Can’t Explain, Anyway, Anyhow, Anywhere y The Seeker, la evidencia toma cuerpo. Las cinco pantallas gigantes, rectangulares ellas, fijan imágenes de la época en que fueron compuestas (Londres, 1965-1970) en un composé más didáctico que nostálgico y hasta un frasquito de anfetaminas aparece como invitado especial. Luego llegará la hora de los temas nuevos (drásticos, no tan inspirados, adultos), luego los clásicos de su etapa setentista (Who Are You, Behind Blue Eyes, una emocionante Baba O ‘Riley) y ya en la recta final, el himno My Generation.

Zak Starkey, a quien en marzo vimos tocar el mismo tema como bis junto a Oasis, se esmera en su tarea pero lo mejor es lo que sucede en la pantalla. En un gesto de generosidad generacional, los Who admiten que «su generación» incluye a «todas las generaciones». Y así desfilan no sólo los mods inspiradores del tema, sino rockers, punks, ravers, glams y todas las tribus que quieran habitar la gran patria del rock. Antes del descanso, Won ‘t Get Fooled Again deja escuchar el grito más característico de Daltrey. Y para los bises, el momento Tommy cae impecable con Pinball Wizard y See Me Feel Me. «New York, We Love You So Much», se despedirá Daltrey, dejando la certeza que, en marzo, cambiará de locación en el saludo.

Reportaje Una clase de poesía al estilo Gonzalo Rojas

Una entrevista de «Ñ» con el Premio Cervantes 2003 se convirtió en un espectáculo poético privado, un chisporroteo de humor serio y afirmaciones imprecisas. Rojas propuso preguntas, respondió otras, reivindicó el surrealismo, el humor, la escritura automática y la poesía como una actividad fisiológica. Explicó luego su trabajo declamando y analizando ante el cronista uno de sus más recientes poemas. Con la nota, va el texto inédito «Empréstame a tu hermana».

 

Señor periodista: Estoy muy cansaaa-do. Estoy cansado de caminar todo el día por las calles de Buenos Aires y de caminar todos estos siglos por la vida.» Es la voz del poeta chileno Gonzalo Rojas hablando por teléfono desde su habitación del Hotel Boulevard, cerca del Obelisco. Parece que la entrevista no se va a dar. Son las diez y media de la noche. Es pleno invierno. Tiene noventa años. Está en todo su derecho de decir: «No, muchas gracias, buenas noches.»

Pero sorpresivamente nos invita a desayunar la mañana siguiente, en el hotel. A las nueve en punto sale del ascensor acompañado por su asistente. Es menudo, formal, y bien derecho. Camina despacio pero firme. Está vestido de traje oscuro, impecable, con una corbata roja y su gorra negra de marinero. Su compañera es larga y flaca, vestida de falda y también con una corbata roja. Le lleva un maletín de cuero que guarda tesoros: el facsímil de un telegrama de André Breton; la copia de una carta de Gabriela Mistral; una lista de insólitas preguntas poéticas; poemas inéditos. Todo lo cual termina regalando a su entrevistador que —inexplicablemente— se convierte, una vez comenzada la charla, de «señor periodista» en «Andrés querido».

Para Rojas la palabra es todo, y más que la palabra, la sílaba. Hasta se podría decir que no habla en palabras. Habla en sílabas. Pausando, prolongando, enfatizando, suspirando.

—– ¿Si lee su primer libro «La miseria del hombre» ve el mismo poeta que es hoy?

—- Andrés querido… Mira… Sin jugar con ningún vocablo, ni palabras, ni nada de eso. Soy el mismo. Y en mí se ha operado algo así como la metamorfosis de lo mismo. Lo que te quiero decir es que soy el mismo. Creo ser. Es tan difícil decir soy. Siempre será difícil decir soy. Pero creo ser el mismo lector, intra-lector de siempre desde niño. Y el mismo que está apostando a decir mundo, nada más.

—– ¿Y cómo nace un poema? ¿Es una búsqueda de la iluminación?

—- Ya la palabra búsqueda me parece un poco difícil —no intolerable, pero difícil— porque eso implicaría ser un buscador, y sucede que yo no busco nada. El rey de España —y lo vamos a traer a mencionar— dijo al celebrar ese premio que se me dio hace tres años (N. de R.: el Cervantes) que yo era un buscador. No le entendí nada. Porque yo no soy buscador de nada. Aunque lo diga el rey.

—– Entonces, tal vez la pregunta es: ¿Qué son las palabras?

—- Ahhh, ahora sí. Ya te entiendo bien, hijo. El poeta sabe aunque dice que no, sabe que él es palabra. Uno es palabra. Uno es nada más que palabra. Es como el respiro… No hay que ser un Rilke para afirmar que la palabra existe con la urgencia fisiológica de lo necesario. Yo no sé vivir, ni ver mundo, sino desde ese juego silábico. A Rimbaud le gustaba la vocal, a mí me gusta la sílaba. Yo soy silábico, y entonces de allí se me da todo. Por la oreja, por el ojo, por el olfato, por el sentido que uno tenga. Porque no es cierto que uno tiene cinco sentidos. Virtualmente todo poeta y todo niño tiene ¿cuántos ojos? ¿Cuántas orejitas? ¿Cuánta nariz?

—– Eso de ser silábico, ¿qué más significa?

—- Es un modo de hablar, hijo, entiéndeme más claro. No soy un poeta metafísico, ni trascendente, pienso yo. Soy un fisiológico poeta más bien. Entonces lo que yo he hecho —aunque lo haya dicho otra vez te lo digo a ti— lo único que he hecho es SI—LA—BEAR el mundo. ¿Qué tiene que ver eso? Tiene que ver con un déficit mío que se llama la tartamudez. Y el asma. Tengo dificultad para decir, sin duda, desde niño. Y ese asma y esa tartamudez guardan relación estrictísima con una cosa más divertida que se llama: ¡la neurosis! Los niños son tan neuróticos como los viejos.

—– ¿El cuerpo es el origen de la poesía?

—- Ahhhhh… ¡Por supuesto! Habrá cuerpo y habrá alma, pero eso no es un dúo. Es una unidad, una sola amarra, una sola urdimbre. No hay que andar definiendo por separado esta armazón preciosa que es la criatura humana, alma-cuerpo. Seguramente habrá explicaciones a escala metafísica, filosófica y teológica de aquello como una dualidad. A mí no se me da.

—– ¿Usted goza de la vida, no?

—- ¡Eso sí! ¡La adoro! La adoro a ella, la hermosa.

—– ¿Le sigue apasionando la lectura?

—- Sí, la lectura. Y, por lo visto, la relectura. Lo que pensaba por su lado Borges que era un relector sin fin. Y no sólo los libros. Uno lee todo. Hasta esos carros que van andando allí en la calle fea. Todo. Todo se lee, se relee y se reelige. Yo creo, no sé bien, me da la impresión que legiere en latín, ese vocablo, guarda mucha relación con elegir. Cuando uno lee es como que uno elige.

—– ¿Qué libros relee?

—- Los buenos. No sólo los viejos, no sólo a mis romanos que los adoro tanto. Yo fui de afición latina. Y no por el respeto a las cláusulas silábicas, dactílicas, anapésticas, trocaicas, jámbicas, etcétera. No. Es por cómo respiraban los tipos. Sacaban sus versos tan bellos. Un tesoro.

Ahí Rojas levanta las manos en un gesto amable y declara: «Voy a comer, compañero. Le voy a dejar un rato para pensar.» Sin prisa comemos juntos huevos revueltos con tostadas que nos sirvió la compañera del poeta, y tomamos café con leche, sin hablar. Un breve silencio, después de terminar el plato, y el poeta vuelve y entona: «Qué bueno, Andrés. ¿Y entonces, qué vamos a hacer? Dialoguemos, pensemos, intentemos…»

—– ¿Qué le diría a un chico que quiere ser poeta?

—- Que se demore. Que no vaya con ninguna prisa en el juego. La apuesta es difícil ya se sabe. Como todas las apuestas. La apuesta de decir mundo desde la sílaba, desde la palabra, es difícil. Entonces que no tenga apremio, que se demore, que lea y que relea y que se equivoque. Que no aspire a nada y que jamás huela, o intente oler, olfatear desde lejos, la palabra fi-gu-ra-ción, éxito. Esa es la trampa. Eso hay que decirle al muchachito.

—– Y sin embargo el éxito es importante. ¿Qué significó, por ejemplo, que Gabriela Mistral reconociera su primer libro?

—- Divertido no más. Coincido con una objeción de un señor más maniático que yo que había escrito como quince días antes una nota detractora en El Mercurio. Era entre ofensiva y torpe no más. Sobre el librito mío que recién había aparecido. Entonces quince días después, como los dioses existen, apareció un tarjetón en la casilla de correo del liceo donde yo enseñaba. Y ese tarjetón que lo llevo allí, en copia —si lo quieres te lo regalo— con su letra así distendida, divertida, la Mistral que dice exactamente lo contrario, pero no alude al Señor Alone, que en realidad no era ningún alone, porque, la verdad, iba bien acompañado de todos los tontos del mundo. Y no era necio. El tipo era despierto, un afrancesado, un prousteano.

—– El surrealismo fue importante para usted…

—- Lo fue y lo sigue siendo porque el surrealismo no ha desaparecido. Como el romanticismo, no ha desaparecido. Además a escala de parentesco, de afiliación, ya se sabe que el surrealismo rescata en gran medida las ideas vertebrales y los fundamentos de los RO-MAN-TI-COS. Para leer a los surrealistas hay que haber leído a los románticos. Es como para leer poesía de amor, hay que leer poesía mística. Si no, no se entiende. Se entienden porquerías, se entiende la parte externa.

—– ¿Concretamente, cómo funciona el surrealismo en su escritura?

—- Yo no sé responder entrevistas, hijo, si no desde la poesía. Pásame esa poesía —le dice a su asistente—compañera (ella le alcanza unas hojas del maletín de cuero). Lo demás no me interesa nada. ¡Nada! Nada, nada, nada, nada. Aquí hay un poema, es un texto inédito: Empréstame a tu hermana. Aquí se ve cómo en un poeta viejo, de mayoría de edad, más que ya al cierre de todo, sigue funcionando este mecanismo de lo que no se mide ni se piensa mayormente y sin embargo se escribe. O sea, ese procedimiento que se llamó la escritura automática. Esto fue escrito por mí frente al mar y ni pensando en el mar y ni pensando en nadie. Pero mira el modo con que se abre. Y a partir de esto hazme las preguntas que quieras.»

Lee el poema, tomándose su tiempo —entonando las sílabas largamente—, interrumpiéndose para hacer aclaraciones, para describir el contenido, para reírse seriamente de lo absurdo.

Sobre el título, dice: «Empréstame a tu hermana es un vocablo, te sugiero desde luego, divertido, ¿no? Irónico, humorístico. Que parece más bien como procaz. Porque yo le pido a alguien préstame a tu hermana para la cama. Ya. Empréstame a tu hermana. Empréstame. Esto es un modo de hablar bien popular. Empréstame a tu hermana. Entonces mira cómo se abre el poema.»

Después de leer la primera estrofa vuelve al comienzo: «Hay que releer. Siempre ocurre con una poesía de cualquier plazo. Hay que releer para entrar en la oreja y en el ojo».

Termina la relectura y declara, como si fuera el poema de otro: «Entonces, para empezar uno se hace una conjetura. ¿Y quién cresta es este? ¿Quién es la hermana? ¿De dónde vino esa idea de la hermana? Lo digo porque a mí mismo se me dio, cuando lo cerré el poema, que salió de un solo vuelo, de un solo envión, de un solo viaje. Y por eso digo que se trata de un texto casi de dictado automático. Porque no lo pensé, no lo pensé, no lo medí, no saqué ninguna cuenta antes de escribir esto»

«Tú dices: este tipo es tan imbécil, que es capaz de decir cosas por disparatar. No es cierto. El árbol existe, el pueblito Lebu existe, el ventarrón existe, todo existe. Y el árbol está parado en el aire y no se sabe dónde están las raíces. ¿Es cierto o no? —le pregunta a la compañera, y ella asiente—. Eso es así. ¿Y no es así un poco la poesía?

«Claro, es hermético. Es semicríptico este poema. Pero es clarísimo. Aquí funciona y no funciona esa semicategoría de la cual hablábamos antes, el dictado automático. ¿Entonces cómo —¿no se dice mierda, no?— pero cómo cresta, entonces, cómo se explica qué es la poesía? ¿Cómo se hace la poesía?»

¿Qué más se puede decir? Parece concluida la entrevista. ¿Qué pregunta más cabe? Pero Rojas, tras un largo pero cómodo silencio, dice: «Andrés querido, una entrevista a un poeta es algo muy endemoniado. Muy difícil. ¿Cómo te lo voy a decir yo a ti? Algunas cosas te puedo decir, sin embargo. Te traje yo una lista de posibles preguntas por si te sirve. Unas ideas reiteradas. Nunca es para tanto, una de las cosas que yo digo: uno escribe en el viento».

Son tres páginas de fabulosas preguntas, poema en sí, titulado: «La belleza de pensar» o «Del gran juego». Entre ellas: ¿Por qué hay tanta Nariz en su ejercicio y hasta la escribe con mayúscula? ¿Buenos Aires, epicentro de la creación poética? ¿Todavía lee Ovidio al amanecer?

—– ¿Qué son estas cosas?

—- ¡Preguntas que me hago a mí mismo para ti! Así que aprovecha, si quieres.

—– ¿Qué es el ocio para usted?

—- Ah, es todo. ¡El otium! El encantamiento mismo. Yo te revierto la pregunta: ¿Cuándo aprendiste a leer? ¿Temprano? ¿Rápido? ¿Con urgencia de niñito precoz? ¿O con el apoyo de mamá que te dijo: ya niño, estas son las letras del mundo, los símbolos? ¿Así fue?

—– Me costó mucho, aprendí a leer muy tarde.

—- ¡Allí está! Oye, qué bueno. Este es amigo mío. Yo me demoré un mundo. Todos mis hermanos me pasaban por delante, eran precoces. El silabario mío fue muy moroso. Mucho. Habían unos libritos donde venían ejercicios con las sílabas separadas. Entonces cuando pasé al burro me regalaron cinco pesos. Cinco pesos. ¡Oro! Una monedita bonita. Pero los apurones, los apresurados no son los míos. Hay algunos que lo hacen bien. Neruda se apuraba y tenía gracia.

—– La última y le dejo en paz: ¿No sería mejor no haber escrito nada? ¿O por lo menos no haber publicado nada?

– —Claro. Esa es una conjetura que me hago yo. Hay tantos amigos míos tan queridos, figuras humanas que van con uno en la calle, o gente como un hombre que atiende mi casa, me ayuda a vigilar las cosas en casa. Es prácticamente analfabeto. No tiene ningún apuro y se ríe de mí. No sé. Escúchame: no puedo responder esa pregunta.

despues de una amenaza de huracan, san sebastian cobra ritmo

Un día para el cine argentino

Hoy se exhiben El camino de San Diego, El custodio y Crónica de una fuga. Sleeping Dogs Lie, un ejercicio de incorrección.

Crónica…, el nuevo film de Adrián Caetano, completa en San Sebastián su buena marcha por Europa.

Despejado ya el temor al huracán, el cine argentino se expone en San Sebastián. Atraído seguramente por las resonancias de su nombre y en contra de los pronósticos más agoreros, el ciclón Gordon ni rozó el País Vasco, llevando olas, tormentas y vientos huracanados de Galicia a Gran Bretaña. El rumor de que venía para este lado había sido tan fuerte, que llevó a cerrar el aeropuerto local y suspender los vuelos. Pero no pasó mucho tiempo antes de que el tiempo volviera a despejarse en esta ciudad cantábrica, disipando dudas y eliminando todo rastro de nubarrones sobre esta 54ª edición del festival español. Con el cielo de su lado, hoy se presentan varias de las películas argentinas que forman parte de la programación del Nazioarteko Zinemaldia, nombre del evento en lengua eskerra.

A primera hora de la mañana es el turno de El camino de San Diego, la película de Carlos Sorín, representante del cine latinoamericano en su conjunto en la competencia oficial. Pero ese es sólo el comienzo, ya que por la tarde y noche de hoy se suceden en la grilla Crónica de una fuga, de Adrián Caetano, y El custodio, de Rodrigo Moreno, cuya presencia aquí les permite consolidar su recorrida internacional. La reciente presentación en Toronto le abrió a la película de Caetano el mercado estadounidense, al ser adquirida por The Weinstein Co. para su lanzamiento allí, a comienzos del año próximo. Según lo que su director anticipó aquí a Página/12, por ese entonces Caetano comenzará a rodar en Colombia una saga mafiosa, que aún no tiene título definitivo y contará con producción franco-estadounidense. Por su parte, el film de Moreno remata aquí una circulación internacional iniciada a comienzos de año en Berlín –donde ganó el importante premio Alfred Bauer– y refrendada a partir de ese momento con el estreno en varios mercados europeos.

Que la emigración es uno de los hilos conductores de esta 54ª edición de San Sebastián lo subrayan no sólo las tres grandes retrospectivas programadas, sino también las películas elegidas para abrir el festival. Mientras las retros están dedicadas al gran Ernst Lubitsch (judío vienés, a quien la proximidad del nazismo llevó a radicarse en Hollywood desde los años ‘30 y hasta su muerte), a Barbet Schroeder (ciudadano francés, nacido en Irán de padres germanos, con destino hollywoodense también) y, finalmente, al tema de la emigración en sí (con una treintena de películas de los más diversos orígenes), no extraña que los films inaugurales del Zinemaldia hayan sido Ghosts y Babel. La primera, que se presenta en competencia oficial, es una producción británica, que narra la odisea real vivida por inmigrantes asiáticos ilegales, hace un par de años. Ganadora de la Palma a la Mejor Dirección en la más reciente edición de Cannes, Babel (apertura de Zabaltegui, la más importante paralela de San Sebastián) es el film más reciente de Alejandro González Iñárritu, el mexicano que se hizo famoso por Amores perros y que está radicado en… Hollywood, por supuesto. Lo cual hace pensar que el tema central de esta edición de SS, en lugar de “Emigrantes” bien pudo haber sido “Hollywood, Tierra Prometida”.

Segundo film de ficción del reconocido documentalista británico Nick Broomfield (de quien su anterior Aileen: vida y muerte de una asesina serial pudo verse en el Festival de Mar del Plata), Ghosts es un nuevo avatar de una de las tendencias más fuertes del cine contemporáneo: la de fusionar documental y ficción. No sólo reconstruye un hecho real sino que además está actuada por la protagonista de ese hecho. Que recrea aquí, con todo el dolor imaginable, su largo viaje clandestino de China a Inglaterra y sus trabajos y duros días subsiguientes, que la llevaron a convertirse en única sobreviviente de una tragedia. Con un indudable parecido con In this World, film del escocés Michael Winterbottom que narraba un episodio semejante, y un desarrollo que no escapa de lo previsible, ciertas incursiones en la sensiblería apoyan la conjetura de que el documentalismo podría llegar a servir a veces como coartada manipulativa.

Más interesante y disruptiva que Ghosts, más riesgosa y divertida, más viva en suma, resulta otra de las películas que la competencia oficial presenta en sus primeros días. Se trata del film indie Sleeping Dogs Lie, opus tres del comediante, director y guionista Bobcat Goldthwait, que –versión moderada de los salvajes hermanos Farrelly– pulveriza entre risas toda corrección política. Salir del closet no le resulta nada sencillo a la protagonista, cuyo “pecado” no se presenta amparado por ningún consenso previo. Es que la canita al aire de Amy no consistió en acostarse con ninguna chica (como miente en algún momento, sabiendo que eso será tolerado) sino… habérsela chupado a su perro, cuando era adolescente (ella, no el perro). La pobre Amy se pasa la película entera sin animarse a contarlo, y cuando finalmente lo hace recibe rechazos monumentales, de tal manera que termina comprendiendo que sobre ciertas cosas más vale mentir. Con lo cual se demuestra que las aguas de la Divina Tolerancia, en las que buena parte del mundo cree bañarse todos los días, están bastante más servidas de lo que se supone.

Que a esa conclusión se llegue entre nerviosas carcajadas, miradas perrunas que parecerían ocultar más de lo que dicen y un catálogo de las mejores malas costumbres familiares confirma que, frente a las trampas del consenso, el buen gusto y la seriedad forzada, sigue habiendo, felizmente, un cine dispuesto a ir más allá.

Reclamo de la CHA

POR LA PROHIBICION DE DAR SANGRE

La Comunidad Homosexual Argentina y la organización Task Force Argentina Glttb (Gay, lésbica, travesti, transexual y bisexual) presentaron un nuevo reclamo al Ministerio de Salud para que se modifiquen las reglamentaciones que prohíben donar sangre a los homosexuales.

La solicitud que recibió el ministro Ginés González García aboga por la modificación de la resolución 58/2005 que reglamenta la Ley de Sangre Humana (22.990) respecto de las recomendaciones y del interrogatorio en los que se hace referencia a la orientación sexual de las personas y que no permite a los homosexuales donar sangre.

El pedido ya fue hecho en octubre de 2005, pero no obtuvo respuesta. “Proponemos que ni el texto de la reglamentación ni en el cuestionario se haga referencia a la orientación sexual de las personas ni tampoco, como alternativa, la sola mención de las prácticas sexuales, porque serían igualmente discriminatorias para nuestra comunidad”, señaló la CHA, que también presentó el reclamo en el Inadi, la Defensoría del Pueblo y la Secretaría de Derechos Humanos.

Reportaje al filosofo italiano roberto esposito

 

“La antipolítica es una política enmascarada”

El prestigioso pensador napolitano, de visita en Buenos Aires, reflexiona sobre los temas que aborda en sus nuevos libros publicados aquí: Bíos y Categorías de lo impolítico. También marca afinidades y diferencias con sus coterráneos Gianni Vattimo, Giorgio Agamben y Toni Negri.

A partir del lunes próximo, Esposito brindará conferencias en la Biblioteca Nacional y en el Malba.

La avanzada de la filosofía italiana continúa. ¿Es la moda del momento? Al menos eso parece. Hace unos meses estuvo Gianni Vattimo; el año pasado, Giorgio Agamben, Toni Negri ya vino un par de veces y ahora acaba de llegar Roberto Esposito, quien brindará dos conferencias: el próximo lunes a las 19 en la Biblioteca Nacional y el próximo miércoles a las 18 en el Malba, organizadas por la Universidad Nacional de San Martín y el Instituto Italiano de Cultura. Su visita coincide con la publicación de dos libros, Bíos (Amorrortu) y Categorías de lo impolítico (Katz). El filósofo napolitano es un caballero tímido, amable, de mirada huidiza, que brilla cuando se le menciona el nombre de Diego Armando Maradona. “Prometo aprender la lengua la próxima vez”, se excusa. “La filosofía contemporánea está en una especie de giro; es lo que Deleuze llamaría un pliegue, en el sentido de que se acabó un determinado modo de practicar la filosofía que es autorreferencial. Su fuerza y su sentido está en su capacidad de salir de sí misma, de dirigirse a la exterioridad, es decir cruzarse con la vida contemporánea, con sus experiencias, con sus lenguajes y con sus prácticas”, señala Esposito en una charla informal con su colega argentino Edgardo Castro, en la Universidad de San Martín.

“Deleuze dice que hoy si el filósofo quiere continuar siendo filósofo debe tener un horizonte. La biopolítica es un horizonte hacia donde se dirige la filosofía. La vida para la filosofía no es sólo un objeto, sino que es la misma filosofía salida fuera de sí”, subraya Esposito en la entrevista con Página/12. “Cuando decimos que la filosofía es mundana, que es del mundo y de la mundialización, lo que queremos decir es que el objeto de la filosofía está en su afuera, como decían Foucault, Blanchot y Deleuze. El objeto de la filosofía es nuestro cuerpo, nuestro lenguaje, nuestra mente y el mundo contemporáneo.” La obra de Esposito podría sintetizarse en dos etapas. En la primera, el filósofo napolitano se consagró a la deconstrucción de todos los elementos de la teoría política clásica, suministrados por Hobbes, Rousseau, Kant, Arendt, George Bataille y Simon Weil. En la segunda –en rigor una expansión y al mismo tiempo ajuste de esta deconstrucción–, Esposito pega un salto más allá y lleva su hermenéutica al terreno de las nociones que discute la filosofía política actual, como las de comunidad (que tendría su origen en la obligación de un don) y la de biopolítica (que hace referencia al proceso de politización de la vida biológica).

El concepto contrario a comunidad sería el de inmunidad. “Ser inmunes es no estar obligados al don”, plantea Castro. “El problema de la política está en cómo balanceamos la obligación del don y el no estar obligado a ese don –afirma Castro–. Ninguna comunidad finalmente puede realizarse en su sentido pleno.” A partir de este camino de la inmunidad, Esposito se introduce en la biopolítica. Uno de los grandes problemas que plantea esta noción es exactamente de qué estamos hablando: si de la politización biológica de la vida del individuo, si de la politización de la vida biológica de la población o de la especie. La cronología de la biopolítica no es un problema menor. La inmunidad como mecanismo sirve para entender por qué se pasa de una política afirmativa a una política negativa de la vida.” En Categorías de lo impolítico, el filósofo italiano parte de una comprobación: el léxico tradicional de la política occidental ya no es apropiado para definir los hechos de la realidad porque las palabras, los conceptos, las categorías con las cuales fue pensada la política excluyen el costado de lo “impensado” e “inexpresable”.

–Usted señala que lo impolítico no sería una categoría “sino uno de esos ‘manás’ filosóficos a los que uno puede aferrarse en los no raros momentos de desesperación conceptual”. ¿Esta desesperación es privativa del agotamiento del léxico tradicional de la política occidental o es más amplia?

–Esta desconfianza, esta dificultad de entender, antes incluso que de actuar, que connota nuestro tiempo no es solamente un fenómeno lingüístico o conceptual. La crisis de sentido del léxico político tradicional, su incapacidad de representar la situación contemporánea, es el resultado de una derivación objetiva, de un vasto proceso de despolitización que deja a la economía, a la técnica e incluso a la guerra la tarea de ordenar el mundo siguiendo líneas cada vez más asimétricas.

–Usted observa que en la ausencia –lo inexpresado, lo impensando, lo olvidado– se recoge para Canetti lo impolítico. Su opción por la deconstrucción de los conceptos políticos de la modernidad, entre otros el poder, ¿es necesaria pero no es suficiente?

–No es que la deconstrucción de los conceptos políticos modernos sea para Canetti insuficiente. El la considera ante todo imposible. Tampoco cree en la posibilidad de construir una alternativa real al poder. Para Canetti toda figura o forma de antipoder es un derivado del poder mismo o, en todo caso, tiende a convertirse de nuevo en poder aquello a lo que pretendía oponerse. La única historia posible, destinada a convertirse en realidad, es la del poder. Este, para él, es una condición que no está atada a las circunstancias o a los contextos particulares, sino un dato antropológico constante. Lo que queda, como tácita forma de resistencia, es la conciencia de todo esto y la luz que esta conciencia introduce en lo real. Esta luz inmaterial es para él lo impolítico.

–Usted advierte que lo impolítico no es una actitud apolítica o antipolítica. ¿Cuáles serían las diferencias centrales entre estos conceptos?

–La diferencia es fundamental, porque la posición apolítica o antipolítica están dialécticamente ligadas a la política, aunque lo estén en forma de privación y de contraste. En particular, la antipolítica, basándose también en la categoría de conflicto, es una política enmascarada, un modo de hacer política mediante la devaluación de la política misma. No por azar todas las muestras de antipolítica siempre, antes o después, han “descendido al campo”. Lo impolítico, en cambio, no opone un valor externo a la política, sabe que no existe en el mundo una dimensión diferente de aquella definida por las relaciones de fuerza. Pero, al mismo tiempo, no hace de ello la apología, mantiene una reserva radical respecto de esta realidad. En esto, a diferencia de la irresponsabilidad de la actitud apolítica, reside su específica responsabilidad.

–Arendt se refería al carácter neutralizador de la modernidad por un exceso de política. Cuando en el lenguaje de la política occidental se habla de la apatía de los ciudadanos, ¿se alude a la negación de la representatividad o al exceso de política?

–No diría que Arendt hable de un exceso de política, sino, más bien, de la transformación de la política en sentido burocrático y monístico. Y esto, para ella, niega las características originarias de la política, a saber, la pluralidad en la acción y en el discurso. Creo que la apatía política nace esencialmente de la sumisión de la política a la esfera de la economía y de la técnica, pero también, al menos en Estados Unidos, al aparato militar. En el momento en que nos atamos a compatibilidades económicas fijas y aceptadas por todos, la dialéctica política pierde sentido y relieve. No por azar, en los países democráticos, los programas de partidos opuestos se parecen.

“La economía es una de las formas de inmunidad de nuestra sociedad porque tiende a sacar el conflicto fuera de la política”, agrega Esposito. “Estoy de acuerdo con Negri cuando afirma que el político tiene que liberarse del dominio de la economía. El problema político es la articulación entre política, economía y técnica, y por otro lado política y sistema militar. Pero no creo que hoy la política pueda encontrar en sí misma la fuerza para liberarse de la economía, de la técnica e incluso de la guerra.”

–Romano Guardini restituye el sentido más rico del catolicismo político, a través de una concepción afirmativa del poder. ¿Qué relación podría establecer entre esta restitución de un sentido positivo del poder con la biopolítica afirmativa, que está implícita en Foucault?

–Me parecen dos horizontes discursivos muy diferentes. Guardini parte de una concepción teológica y humanística del poder: el poder como algo que nos ha sido dado por Dios, para que lo usemos de acuerdo con determinados valores. Para él, los sujetos, Dios y los hombres, preceden al poder. Foucault invierte esta lógica: no son los hombres los que emplean el poder, sino que es el poder, su distribución, sus estrategias, sus dinámicas, el que produce los sujetos; sometiéndolos, pero también haciéndolos capaces de resistirle.

–¿Cómo se conecta la categoría de inmunidad con la de lo impolítico? ¿Sería Hobbes el que las une a partir de la relación entre representado–representante?

–La categoría que más corresponde al horizonte de lo impolítico es la de comunidad, en el sentido que le doy a este término, es decir, entendiéndola como un centro vacío, como una donación sin nada a cambio. Típicamente impolítica, desde este punto de vista, es la formulación de Bataille de una “comunidad de los que no tienen comunidad”. La inmunidad es el reverso de la comunidad, y, por ello, también de lo impolítico, porque es un aparato defensivo de la misma identidad, como lo hace notar Hobbes, su primer gran teórico. La inmunidad constituye, incluso, una forma de despolitización que no tiene nada que ver con lo impolítico.

–Su propuesta no es “pensar la vida en función de la política, sino pensar la política en la forma misma de la vida”. ¿De qué modo la filosofía puede actuar efectivamente sobre la política?

–La filosofía no puede modificar directamente la política. No es ésta, por lo demás, su tarea. Puede, en cambio, construir conceptos, como dijo Deleuze, adecuados a los acontecimientos que nos tocan y a veces nos arrollan. El concepto de biopolítica es uno de ellos. La categoría de vida, si es asumida en toda su complejidad, es decir, en la pluralidad de sus manifestaciones y en la radicalidad de sus transformaciones, puede constituir una referencia, simbólica y normativa, importante para el actuar político. No soy un hombre político, no creo que la tarea del filósofo sea la de suministrar programas políticos.

–En los últimos años, a partir del intento de una interrogación radical del presente, aunque desde diferentes perspectivas, varios filósofos han analizado distintos aspectos del catolicismo político y de la teología política: Zizek, Agamben, Vattimo y usted. ¿Cómo explicaría este fenómeno de recuperación?

–La política, como también el derecho, absorbe muchas categorías del ámbito teológico, desde la de soberanía hasta la de cuerpo político. Luego, en la estación moderna, la política se emancipa de sus raíces teológicas, según lo que se define como proceso de secularización. Ahora bien, es natural que cuando la gran construcción teórica constituida por la modernidad entra en crisis, vuelva a manifestarse aquella antigua raíz teológica que lo moderno había sustraído. Naturalmente, esto no quiere decir que la teoría regrese a una forma premoderna. Al contrario, todos los resurgimientos religiosos, desde el fundamentalismo a las nuevas “teologías políticas”, deben ser leídos como fenómenos internos de la misma secularización.

Los horizontes comunes

Soy amigo de Negri y de Agamben; los tres compartimos un horizonte común, pero con muchas diferencias”, compara Esposito. “Con Agamben tenemos una cierta tonalidad filosófica y una tensión filológica en nuestros textos. Más allá de estas analogías más formales y exteriores, intentamos captar el punto de vista de lo negativo.” Esposito opina que Negri mantiene respecto de la biopolítica una posición afirmativa, que se centraliza en el propio Foucault y su sentido de la biopolítica. “En Foucault hay una tendencia a historizar el problema de la biopolítica y, por otro lado, una fuerte tendencia teórica –señala el filósofo napolitano–. Agamben radicaliza el aspecto negativo y el aspecto teórico del pensamiento de Foucault, sobreponiendo las categorías de Carl Schmitt, de Benjamin o de Heidegger; tiende a ontologizar, a deshistorizar el problema de la biopolítica. La biopolítica en Agamben coincide con la soberanía, lo que no sucede en Foucault. Y por lo tanto el estado de excepción se convierte en la clave para interpretar toda la política antigua y moderna. La conclusión es el que el campo de concentración es el paradigma general de todo actor político.” Contra esta concepción negativa, trágica y deshistorizada de Agamben, Negri propone una lectura invertida: la vida tiene una potencia tal que puede hacer frente y sustraerse a las imposiciones de la biopolítica y toma como autores de referencia a Spinoza y a Marx. “En Imperio imagina que existe un mecanismo dialéctico capaz de invertir la dominación en resistencia. En Negri, la categoría fundamental es la producción, que es economicista. Partiendo de una hipótesis hiperpolítica, Negri corre el riesgo de acabar en una conclusión no política”, advierte Esposito.

En el ARI se negocia

Los diversos sectores del ARI porteño negociaban al cierre de esta edición para evitar que se presenten dos listas a la interna de octubre. Ante el inminente cierre de listas de ayer (para el que pidieron una prórroga), el sector que conduce el titular del bloque del ARI en la Legislatura, Fernando Cantero, pedía seis cargos de los once de la mesa ejecutiva, mientras que las corrientes que apoyan al chaqueño Fernando Sánchez les habían ofrecido cinco. “Nos dijeron que lo iban a analizar”, dijeron desde JXI, el grupo del legislador Facundo Di Filippo. “No hay acuerdo”, insistían en el sector de Cantero, que lo llevaría como presidente en una lista alternativa, con el legislador Alejandro Rabinovich de vice.

San Sebastián: SORIN, LUPPI, CAETANO Y DE LA SERNA EN SAN SEBASTIAN

San Sebastián.- En su segundo día de festival las playas donostiarras comienzan a verse pobladas de actores y realizadores argentinos. Esta mañana llegaron a la ciudad Israel Adrián Caetano y el actor Rodrigo de la Serna, quienes presentaron ‘Crónica de una fuga’, en el apartado Perlas de la Sección Zabaltegui.

La cinta que se exhibiera en Cannes en mayo pasado, fue recibida con gran entusiasmo por la crítica y el público español y posteriormente a su proyección Caetano y De la Serna ofrecieron una conferencia de prensa en el Palacio Kursaal, sede del encuentro cinematográfico.
Asimismo hoy llegó, pero desde Madrid, el actor Federico Luppi, casado y afincado en España, que viene a acompañar la exhibición del filme ‘La distancia’, del realizador vasco Iñaki Dorronsoro.
‘La distancia’, una cinta en clave ‘noir’ que se introduce en el mundo del boxeo y la corrupción para hablar sobre las relaciones humanas, está siendo presentada en la sección competitiva Nuevos Directores perteneciente a Zabaltegui.
Al que se lo ve paseando por las cercanías del bello Palacio Kursaal es a Carlos Sorín, que llegó junto a su hijo Nicolás (responsable de la música) e Ignacio Benítez, protagonista de ‘El camino de San Diego’, filme que se exhibirá mañana en la principal gala del festival y que pelea por la Concha de Oro.
En el segundo día competencia, luego del auspicioso comienzo con la cinta del realizador británico Nick Broomfield sobre la inmigración ilegal en el Primer Mundo, ‘Ghosts’, decayó hoy con la presentación del crédito local ‘Vete de mí’ y de la comedia norteamericana ‘Sleeping Dogs Lie’.
La cinta española es la segunda en la carrera del realizador Víctor García León, de 30 años, y cuenta en clave de comedia dramática los enredos entre un padre actor de más de 60 con novia de treinta y pico e hijo de 30 que llega para instalarse en el pequeño apartamento que el padre comparte con su novia en el centro de Madrid.
Recorriendo muchos de los clichés de parte del cine español actual, con los consabidos conflictos de hijos mayores aún no independizados y padres ex hippies que comienzan a detestarlos pero que siempre los quieren, ‘Vete de mí’ (recordar el hermoso bolero de Bola de Nieve), tiene algunos toques de humor y es protagonizada por Juan Diego en el papel del padre y Juan Diego Botto (‘Roma’) como el hijo.
Por su parte, ‘Sleeping Dogs Lie’, que fue ruidosamente recibida, arrancó risas durante su proyección matutina y generó diversas apreciaciones de la crítica, es una historia dirigida por el actor cómico neoyorquino Bobcat Goldtwhait.
El filme, ahí quizás su única virtud, desentraña las falsedades e hipocresías de aquellos que proponen ‘decirlo todo’ en las relaciones de amor pero siempre (necesariamente) callan algo.
La distancia entre la obligada franqueza y la necesaria reserva sobre el pasado es lo que hace girar al filme en clave de comedia y sobre la situación de una joven a punto de casarse hasta que revela un secreto de juventud, a sus amantes y su familia

FESTIVAL DE SAN SEBASTIAN,Del director de Amores Perros, llega Babel

El cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu presentará en el Festival de San Sebastián su último filme. “Fue el reto más grande que tuve en mi vida; fue una idea muy ambiciosa, muy irresponsable y tenía todos los elementos para ser un gran fracaso», señaló el realizador a Télam. Sin embargo, gracias a esta película ganó en el Festival de Cannes.

 

 

 

 

 

 

 

 

Con una amplia sonrisa dibujada en su rostro y que parece tener pegada desde que deslumbró al mundo con
su debut cinematográfico en 2000 con «Amores perros», el cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu, llegó a esta ciudad para presentar en España su último filme, «Babel», que abrió la sección Zabaltegui de la muestra cinematográfica que comenzó ayer.

Distendido, claro y elocuente en sus definiciones, Iñárritu aseguró que esta película, con la que ganó el premio como mejor director en el Festival de Cannes y que viene a cerrar la trilogía abierta con «Amores perros» y continuada con «21 gramos», «tenía todos los elementos para convertirse en un fracaso».

«Como director, esta película fue el reto más grande que tuve en mi vida; fue una idea muy ambiciosa, muy irresponsable y tenía todos los elementos para ser un gran fracaso», señaló el realizador a Télam sobre el filme que cuenta con música del argentino Gustavo Santaolalla.

Rodada en tres continentes y hablada en varias lenguas, integrando en su elenco actores de alta exposición como Brad Pitt, Cate Blanchett o Gael García Bernal junto con niños no profesionales de una aldea marroquí, «Babel» es un filme que hace eje en la globalización como tema, que plantea determinadas cuestiones sobre la inmigración pero que, Iñárritu asegura, habla fundamentalmente de «las dificultades y la fractura de la comunicación entre los seres humanos».

«La tragedia actual es que nuestro juicio está exento de compasión y hay una serie de prejuicios que limitan la posibilidad de contacto y de cercanía, cada vez más nos imponemos nuevas fronteras interiores que nos alejan y que no nos permiten hermanarnos en el dolor que es lo que nos une como hombres», aseguró el realizador mexicano.

«Esta película -insistió- está construida fundamentalmente sobre cuatro historias íntimas de padres e hijos; es una película de temas prácticos y sencillos, donde no vemos a un japonés raro ni a un marroquí terrorista sino a seres humanos con debilidades y con la imposibilidad de comunicar amor».

En este sentido, el cineasta de 43 años indicó que «en la familia encuentro que están todos temas posibles a jugar dramáticamente, es como que no hay conflicto dramático que no quepa en el universo familiar, allí están todos los temas que pueden ser explorados».

Localizada en la ciudad de Tokio, la frontera que une México y Estados Unidos y desoladas aldeas rurales de Marruecos, el filme entrelaza la historia de una adolescente sordomuda japonesa, dos niños marroquíes que cuidan cabras y su padre, un matrimonio norteamericano que viaja por el norte de Africa intentando recomponer su relación y una mexicana ilegal que cuida en los Estados Unidos a los hijos de esta pareja y vuelve a su ciudad de origen para el casamiento de un familiar.

Cuatro historias en tres continentes que quedan indisolublemente ligadas a partir de un hecho accidental, que lentamente, y siguiendo los saltos cronológicos fue propone la narración de Iñárritu, va estableciendo sus caprichosas conexiones para dejar unido en un mismo acontecimiento situaciones y conflictos lejanos de un mundo sincronizado más allá de sí mismo y sus deseos.

«Entiendo que el tema no es tan sólo tolerar al otro sino honrar la diferencia, más en un momento como el actual en el que a partir del 11 de septiembre hay una paranoia en el Imperio donde la otredad se convierte casi en un delito y la frontera se está transformando en un ritual de humillación, donde ser diferente parece ser un pecado y una amenaza», señaló el cineasta sobre la lectura política que introduce en determinados pasajes del filme.

Afincado desde hace años en Los Angeles y aunque crítico de la administración Bush, González Iñárritu afirmó que «los Estados Unidos es un país muy complejo, es como una orgía cultural, un
caldo cultural de diversidad que a mí me ha nutrido mucho como ciudadano del Tercer Mundo».

«De hecho -agregó- creo que si no hubiese tenido esta experiencia de vivir en Estados Unidos jamás hubiera podido concebir este proyecto.

Y en cuanto a trabajar dentro de la maquinaria de Hollywood, señala que nunca nadie le ha tocado ni una coma, que decide el corte final y que nadie se entromete en sus decisiones sino que lo alientan a conservar su mirada personal.

«Hollywood es una palabra y también un prejuicio; Estados Unidos es muy diverso y hay cantidad de productores e inversionistas a los que les gusta el cine independiente y de autor. Yo desarrollo mis propios proyectos y encontré siempre apoyo en este país; en realidad creo que el responsable de la obra de un director de cine es el propio director», analizó.

Desde idéntica perspectiva, desmenuzó: «Ya no creo esas historias de que Hollywood te traiciona o corrompe, porque si aceptas dirigir una película de 100 millones de dólares sabes que te están alquilando y sería muy inmaduro pretender en ese caso tener una voz propia, pero nadie te obliga ni te pone una pistola en la cabeza para que hagas esto o lo otro, tú decides y vas forjando tu destino, para bien o para mal».

A SEGIR PARTICIPANDO LEINTON HEWITT

Copa Davis: Acasuso venció a Hewitt y Argentina se impone 2-0 frente a Australia

El argentino José Acasuso venció al australiano Lleyton Hewitt por 1-6, 6-4, 4-6, 6-2 y 6-1, y colocó a Argentina 2-0 ante Australia en la semifinal de la Copa Davis de tenis que se juega en la cancha del Parque Julio A. Roca. El quinto set, que se terminó de jugar hoy, había sido suspendido ayer por lluvias.

El argentino José Acasuso venció al australiano Lleyton Hewitt por 1-6, 6-4, 4-6, 6-2 y 6-1, y colocó a Argentina 2-0 ante Australia en la semifinal de la Copa Davis de tenis que se juega en la cancha del Parque Julio A. Roca.

El cotejo había sido suspendido en la víspera a causa de la lluvia con Acassuso al frente por 4-0 en el quinto set. Ahora se jugará el tercer punto con el dobles entre los argentinos Agustín Calleri-David Nalbandián y los visitantes Paul Hanley-Wayne Arthurs.

“CHUCHO” VENIA BIEN

El tiempo no quiso que el misionero complete el gran encuentro que venía haciendo. El 5º parcial no podía empezar mejor para el misionero. Quebró en el comienzo y ahora le gana 4 a 0 al australiano. En el primer set Hewitt se puso 6-1, Acasuso levantó en el segundo (6-4), el australiano se quedó con el 3ero por 6-4 y el cuarto fue para Acasuso por 6-2.

A Hewitt no le sienta bien la superficie donde se jugará el match entre argentinos y australiano, pero eso no quita que el ex número del mundo sea un rival de cuidado y capaz de vencer a cualquiera.

El equipo argentino, que viene de dejar en el camino a Suecia y Croacia, el último campeón del certamen, está conformado por los mencionados Nalbandian (4), Calleri (25) y José Acasuso (26), más el ’flaco’ Juan Ignacio Chela (32).

Australia, por su parte, campeón de la Davis en 28 ocasiones y sucesivo vencedor de Suiza y Bielorrusia, afrontará la semifinal con Hewitt (19), ex número uno del mundo, Philippoussis (117), Wayne Arthurs (175) y el doblista Paul Hanley, séptimo del mundo en la especialidad.

NALBANDIAN HIZO LO QUE TENÍA QUE HACER

David Nalbandian le dio el primer punto al equipo argentino gracias a una contundente victoria sobre el australiano Mark Philippoussis, en sets corridos, en el arranque de la semifinal de la Copa Davis.

En la cancha central del Parque Julio Argentino Roca, Nalbandian no tuvo problemas para derrotar al segundo singlista visitante por 6-4, 6-3 y 6-3, en casi dos horas de juego.

Es que Philippoussis se ganó la enemistad del público en muy poco tiempo. Amagó tres veces con realizar el primer saque, pero se quedaba porque la gente en las tribunas seguía caminando, y encima, justo apareció Diego Maradona, lo que provocó un estallido generalizado en la templada mañana.

El comienzo del partido fue parejo, ambos cometían errores y no podían incomodar al adversario con tiros desde el fondo de la cancha, donde el australiano evidenciaba problemas de movilidad.

Poco pasó hasta el séptimo game, ese que muchos tildan de decisivo en un set, y que en esta oportunidad también lo fue. En ese juego, Nalbandian se dio cuenta que los puntos largos, como se creía en la previa, no le caían bien a Philippoussis, que llegaba exigido a cada pelota.

Un gran globo de David hizo que los hinchas argentinos se ilusionaran y metieran presión desde las tribunas, como palpitando el posible quiebre.

El australiano lo sintió, y cometió una doble falta para regalarle el primer quiebre del partido en la única posibilidad del set.

Sin demasiados problemas, el unquillense ajustó las tuercas de su juego de fondo, para hacerle al oceánico caminar de un lado al otro de la cancha, y definir el parcial con un passing paralelo de derecha.

El mismo panorama de inicio se vio en la segunda manga, aunque Philippoussis comenzaba en encontrar seguridad desde el saque, una faceta que era muy importante para sus aspiraciones, pero que utilizó poco.

Hasta ese momento, Nalbandian no había aparecido, pero se despertó. Jugó acertado y con devoluciones desequilibrantes, que dejaban parado a un rival que supo ser top ten del ranking mundial.

Y así, con un revés fulminante luego de un débil segundo saque de Philippoussis, lograba un quiebre tempranero e inesperado para lo que había sido el encuentro hasta ahí.

Rápidamente, Nalbandian mantuvo su servicio en dos oportunidades para llegar 5-3 arriba a la definición. El australiano se vio desbordado por las respuestas del argentino, que lo hicieron fallar en el 30-40, y quedar dos sets abajo.

Y en el último parcial se vio lo mejor del partido, que hasta incluyó algunos gestos y miradas desafiantes entre ambos jugadores.

En el segundo game, Nalbandian devolvió como pudo una pelota, quedando descolocado en el medio de la red. Philippoussis no dudó y sacó un drive apuntando al cuerpo del cordobés que, rápido de reflejos, esquivó el tiro y miró con bronca al australiano, apoyado por un ensordecedor silbido.

En el juego siguiente, el actual número 117 del escalafón mundial, aprovechó la primera oportunidad de quebrar el saque del local, aunque el que falló fue David. 2-1 arriba el australiano y Nalbandian con las ganas de venganza. Doble break point para el argentino, que metió una devolución matadora y desafió a su contrincante con una marca registrada de Hewitt: «Come on», gritó haciendo el gesto de la cobra.

Quiebre y empate. Nalbandian volvía a meterse en el encuentro, con ansias de liquidar el pleito lo más rápido posible.

Otro game perfecto del argentino, que trabaja el punto a partir de la devolución y define a partir de la solidez con su drive.

Apurado, el australiano arriesgó con el segundo saque el y se equivocó, ventaja y una sensación general de que el final se aproximaba.

Ultimo juego: rápido y con su saque Nalbandian se puso 40-0, con un error muy grosero del australiano que falló por un metro una volea desde la red.

Sonrisa piadosa de David, que gracias a un exquisito drive con top desde la red, cerró el primer punto para una Argentina que sueña.

Pepsi Music ; Iggy Pop dio un show caliente ante una multitud

El padrino del punk hizo vibrar al predio del club ciudad en el Pepsi Music. Con sus casi 60 años, la iguana desplegó toda su fuerza en el escenario junto a Los Stooges.

Iggy Pop, el padrino del punk, comenzó a animar el show más trascendente del Pepsi Music al actuar junto Los Stooges al aire libre en el predio del Club Ciudad de Buenos Aires.

Durante toda la jornada cayó una fuerte lluvia que sólo amenguó cuando empezó el show del artista estadounidense aunque a las 17.30 impidió la actuación de Federico Gil Solá, pero tanto Los Natas como Massacre realizaron muy buenas presentaciones ya que la lluvia que se abatía sobre el público apenas si mojó los bordes del escenario.

Con esta visita, Iggy Pop concreta su cuarto desembarco a la Argentina pero es la primera que lo hace junto a Los Stooges, la banda con la que se inició en la música a finales de los 60 en la industrial Detroit.

Los Stooges hacían un rock cabeza, de guitarras podridas, con los distorsionadores al frente y con una lírica idiota producto de su frenético líder. En pocas palabras la banda era el típico resultado de la «american white trash», como los yanquis denominan a los blancos pobres de ciudades industriales como Michigan, Detroit o Chicago.

A finales del siglo XX, Pop revivió a Los Stooges con una formación integrada por Ron Asheton en guitarra; Scott Asheton, en batería; Steve MacKay en saxo y el Mike Watt en bajo.

FANATISTO O AMORES, AMORES LOCOS….

Entender la admiración exacerbada para quien no profesa amor por algún músico, deportista, autor o club puede ser una tarea difícil. Sin embargo los profesionales insisten en que el fanatismo no es una cuestión de locura, sino algo “intrínseco a la pasión humana”.

Sandro, mirame, yo soy tu rosa”, grita una mujer vestida del color que nombra, con un cartel en el que puso por escrito sus palabras y un ramo en la mano, que la asemeja a una novia que espera a su galán.
– “El rojo es mi vida”, asegura Fernando, antes de contar con cierto orgullo que hasta faltó al casamiento de su hermana para ver un partido de su equipo, hecho que desató una pelea que lo enfrentó con toda su familia.
– “Siento que estoy loca, pero no puedo evitarlo”, confiesa Noelia a la hora de relatar su pasión por Joaquín Sabina, ese hombre que le roba el sueño y que hasta la enfrenta con su novio, al que le aclaró “que eso (la pasión que profesa por el español) no va a cambiar nunca”.
Presos del mismo convencimiento, Juan asegura que vio a gente casarse en la «iglesia maradoniana», unida «por el poder de Diego», y Gabriela relata que fue capaz de pasar 21 días fuera de su casa, a la intemperie, sin baño y sin resguardo con tal de conseguir la entrada número uno para un recital de Ricky Martin.
Hablar de fanatismo, en el sentido popular que se le otorga al término, supone escuchar relatos de pasión inexplicable, anécdotas de hazañas en donde no son condicionantes la edad, el sexo, el estado civil o la profesión. Asimismo implica también enfrentarse a un fenómeno que parece no tener una explicación definitiva.
Entender cuál es el motivo que impulsa a una joven a pasar días sin ver a su familia con tal de acercarse a su cantante favorito, saber qué lleva a una mujer a apostarse una semana frente a la casa de Sandro sólo para desearle feliz cumpleaños, o comprender la adoración de quien sostiene que Diego Maradona es un Dios, y por tanto le reza un Padre Nuestro especialmente adaptado, puede ser algo difícil si no se comparte la misma admiración. Sin embargo, conductas similares se evidencian en el hombre desde tiempos muy remotos, por lo cual algunos profesionales sostienen que “cierto fanatismo es intrínseco a la pasión humana”.

“Que digan lo que quieran”

“Yo sé que nadie me entiende, que piensan que no coordino, y que pasan por todo tipo de conjeturas: que lo que me falta, que lo que me sobra, que si no tengo proyectos, que si soy inmaduro… Pero hay una sola razón: mi equipo (al cual no se menciona para no herir susceptibilidades) es un sentimiento, es una pasión, es algo que va más allá, ¿entendés?”, pregunta Fernando Torres (25) a la cronista, paradójicamente, en un intento por dar una respuesta a su fanatismo por un club de Avellaneda, ese que lo llevó, inclusive, a faltar al casamiento de su hermana, actitud por la que estuvo peleado un mes entero con su madre, y por supuesto, con la hermana, a las que intentó explicarles –sin éxito- que «ese era un partido que no podía perderse, definitivo”.
Un color, un grupo musical, un autor o un artista, da lo mismo, todos los fervientes admiradores coinciden en un punto: lo que sienten es “amor desmedido” que les impide ver defectos en sus objetos de adoración, y entender la razón de sus acciones.
“Yo soy fanática de Sabina. Me dicen que las cosas que hago son una locura, pero las hago porque él me encanta. Es como una adrenalina- le contó a Info Región Noelia Santelices (23)- Cuando sé que viene me desespero, y sí, a veces pienso que estoy trastornada, pero volvería a hacer todo lo que hice”, agregó la joven, que la última vez que el cantante pisó suelo argentino lo siguió en un rally por Buenos Aires hasta conseguir una foto, después de horas de espera en el hall del hotel adonde se hospedaba el español, y sabiendo que al otro día el trabajo la esperaría temprano y que su novio le regañaría la hazaña, para ella “gloriosa”.
Una explicación lógica

Para la psicóloga Sandra González, una de las razones del fanatismo tiene su origen en la posibilidad de obtener satisfacción sin la necesidad de atenerse a un compromiso y de alejarse, al menos ilusoriamente, de las inquietudes que todo ser humano posee respecto de su propia vida.
“La imagen de un ídolo es aprovechada por el mercado porque es tomada por cada fan para volcar en ella sus contenidos de lo que quisieran ser o poseer, sin el riesgo que implica un lazo con el otro. Siempre hay un lazo amoroso entre la masa y el líder, que se sostiene por la red de identificaciones, generando cohesión. Ser por un rato jugador de fútbol o la amada del número uno, hace que por ese rato se ahorre displacer y se descanse de las propias iniciativas”, aseguró.
Con la profesional coincidió el psicólogo social Alfredo Moffatt, que destacó a su vez la diferencia entre el fanatismo que se basa en la admiración y aquel más profundo y que se hace extensivo, hijo de los procesos sociales conflictivos.
“Hay dos tipos de fanatismo, el que surge en el momento de fuertes crisis sociales, ese que frente a situaciones ambiguas se ofrece como definición tajante, y otro tipo de fanatismo es el que está emparentado con la exaltación de la admiración, que es el que se tiene por un ídolo, por un equipo de fútbol, por un músico. Es la concentración del ideal

REPORTAJE A GRACIELA BORGES

“Las manos es una película sanadora”
Espléndida y feliz. Así se mostró Graciela Borges durante la entrevista con Info, en la que habló sobre su papel en la película “Las manos”, de Doria. Durante la charla, la reconocida actriz realizó un recorrido por su trayectoria artística. Contó, además, cómo surgió su programa «Los Borges en Casa», que conduce actualmente.

   La Borges repasó parte de su carrera en una charla íntima con Info

Graciela Zabala es su verdadero nombre, pero nadie podría conocerla más que como “la Borges”. Debe ser cierto que la dimensión de una figura del espectáculo está íntimamente ligada con su grado de sencillez, al menos esta estrella del cine nacional así lo demuestra. Es decir, cuando más grande es el personaje, más inmensa es su afabilidad.
Dicen que cada rostro es el reflejo del alma, y ella no lo disimula porque se la ve espléndida y feliz. La cara más angelical de la pantalla grande es la protagonista, junto a Jorge Marrale, de “Las manos”, la película de Alejandro Doria que se estrenó el mes pasado y que cuenta la vida del Padre Mario Pantaleo. Su personaje es el de Perla Garabelli, una mujer “elevada en su inteligencia, su amorosidad y en su capacidad de servicio”.
Radiante, luego de finalizar su programa de radio “La Borges en casa”, que va de lunes a viernes por FM La Isla, Graciela recibió a Info Región, casi como una anfitriona.
-¿Cómo aparece la actuación en su vida?
-Empecé a estudiar declamación a los 7 años y después fui al teatro infantil Labarden, nunca pensé, jamás, si iba a ser actriz o no, es que empecé a los 14 años y a esa edad no se piensa nada, en mi generación todavía jugábamos a las muñecas. Iba al teatro infantil y cuando todavía no había terminado el tercer año fui al conservatorio, y llegó un hombre maravilloso que fue Hugo del Carril y me convocó para hacer un escolar en una película donde la protagonista era Gilda Lousek, que fue “Una cita con la vida”, y de ahí empezó todo lo que siguió.
-¿Cuál es el recuerdo de Hugo del Carril?
-Maravilloso, era un hombre absolutamente fantástico, tan buen mozo, cantaba como los dioses, los primeros hombres de la vida de una, como director, yo era muy chiquita, recuerdo que fue a mi fiesta de 15 años y bailó el vals conmigo, fue con su madre y su hermana. El otro día estaba viendo el album de fotos y decía que es un privilegio. Hay una frase que dice “Mi único lujo son las relaciones humanas” y si hay algo que me dio esta carrera es el conocimiento de gente absolutamente elevada, que me dio mucha alegría tener, gente muy maravillosa.
-Su personaje es Perla en la película “Monoblock” y también en “Las manos”.

¿Qué puede contar de la experiencia de haber trabajado en “Las manos”.
-Hubo algo de bajada de espíritu santo, no es un film religioso, de hecho cuestiona algunas cosas de la Iglesia, pero me pareció que fue algo especial, como que había un espíritu que convocaba todo. Es un film que convoca mucha cosa de amorosidad y de luz. (Jorge) Marrale hizo un trabajo espléndido, a mí me gusto mucho el mío también, y el de María Socas. Hay algo muy fuerte en esa película, no es como un film normal que te puede gustar o no, eso es el cine, pero este trabajo tiene otra cosa aparte del mundo del cine.
-Marrale dice que es transformadora.
-Es sanadora, además de transformadora. Creo que hay una cosa sagrada en el film, que a la gente le gusta y le conmueve.
-¿Cuál es la similitud con la Perla de “Monoblock”?
-Ninguna. En Monoblock Perla es una persona muy infantil, contrariamente a la Perla de “Las manos”que es elevada en su inteligencia, en su amorosidad y en su capacidad de servicio, mucho más dura. “Monoblock” es una película de otra manera más complicada y muy preciosa. Este chico es un talento, el otro día hablábamos con (Leonardo) Favio y él me decía, “si hay un sucesor mío, es Luisito Ortega”. Vos pensá que a los 19 años hizo “Caja negra”, un film sobre la decrepitud de una mujer de 101 años, sus conversaciones con una chiquita de 18, entiende mundos que son muy difíciles de entender. Creo que “Monoblock” y “Las manos” son films totalmente diferentes, lo cual me hace muy feliz.
-Se la ve espléndida. ¿Cuál es el secreto?
-Hago muchas cosas por mí, desde hace mucho tiempo soy meditadora, a veces servirá, a veces no. Parece rimbombante, hay gente que habla tanto de su espiritualidad y espirituales somos todos, además todos tenemos partes muy oscuras que es lo que nos hace seres humanos, lo bueno es la aceptación, porque si no lo aceptamos no lo cambiamos. Creo que mi inconformidad de un tiempo se debía a la no conciencia de la alegría en pequeñas cosas. Ahora gozo de algunas cosas chiquititas que antes no me daba cuenta qué dimensión tenían, pero para eso hay que estar en algún momento del día, dentro de tu profundo silencio interior. Hay un momento dado en que, como dicen los chicos, hay que parar la pelota. Hago unas técnicas de meditación que trajo una australiana que era rockera soft, que es una gloria. Algunos caminos no están en los mapas, uno tiene que buscar lo mejor para evitar ese ser del ego que tenemos todos, que nos aniquila tanto, buscar lo que nos ayuda hasta para ser más espirituales. En algún momento del día lo que queremos es la paz, y ese es el ser sagrado. No estamos mucho con nosotros mismos.
-¿Cómo surge la posibilidad de hacer radio, “La Borges en casa”?
-La radio es una gloria. Hace mucho que hago radio, desde “El Belgrano show” y luego algunos programas más en Radio Nacional. Y ahora acá, en FM La Isla. La radio es como estar en casa, con amigos, charlando de bueyes perdidos, está muy bien. El padrino de este programa es Favio y la madrina María Elena Walsh, ¿Qué nos puede salir mal? Tenemos el camino ganado, no por nosotros mismos, por ellos.
-¿Hace algún balance?
-No. Creo que hay que hacer todos los días lo mejor posible sin esperar resultado, si es así, es bárbaro, porque lo que venga uno abre el corazón y ahí lo recibe, es un axioma que me puse desde hace mucho tiempo.

César «Banana» Pueyrredón vuelve al teatro Opera

Después de 12 años, el cantante y compositor argentino regresa al centro porteño. Allí, presentará el show «Más cerca de la vida», espectáculo que el músico definió como una especie de síntesis de su trayectoria artística y que significará un reencuentro con el público.

Después de 12 años, el cantante y compositor César «Banana» Pueyrredón regresar al teatro porteño Opera para presentar hoy , desde las 21.30, «Mis mejores canciones», espectáculo que el músico definió como una especie de síntesis de su vida artística y que significará un reencuentro con el público porteño. «Es una fecha muy especial porque no actuamos seguido en Capital Federal (siempre tocamos en el interior del país). Además en el 89, en esa misma sala, hicimos 12 funciones consecutivas presentando «Más cerca de la vida» que marcó un récord y me lleva a recordar al Opera con mucho cariño», evocó Pueyrredón.
Con 12 discos registrados en su carrera como solista, el autor de hits como «Conociéndote», «Más cerca de la vida» y «Tarde o temprano» se reconoce como «baladista pop», aunque admitió que fue catalogado por la gente como un cantante romántico.
«Me ponen esa etiqueta, cosa que no me molesta, pero he tenido otros éxitos como «Felicidad no tienes dueño’ que hablan de amor de manera más integral, no de amor de pareja», subrayó. De todos modos, enseguida reconoció que se siente «pez en el agua» cuando habla de amor y aclaró que su búsqueda constante fue intentar no caer en lo cursi en sus letras. «Creo que mis canciones más fuertes son las que tienen que ver con el amor de pareja, y bueno está bien que sea así. Siento que puedo y debo hacer canciones de amor que no sean melosas, que no sean vulgares», explicó el músico, quien no imagina su vida sin componer porque «es como una compulsión». «Toda una noche contigo» y «Cuando amas a alguien», son algunos de los temas que abordará al frente de su fiel banda en esta presentación en la sala ubicada en Corrientes 860, donde también aprovechará para mostrar composiciones nuevas que plasmará en un próximo disco. Hace una década «Banana» decidió tener un sello propio, pero «lo difícil es conformar una estructura de difusión y distribuición. He realizado muchas producciones independientes que tuvieron difusión en las radios, pero hoy todo es muy confuso con la piratería que hay», señaló.
«Hoy toda la movida musical pasa por otro lado, yo hago muchos shows en el año y vendo muchos discos en los recitales. A la gente le gusta tener un recuerdo mío firmado, por ejemplo, cosa que internet jamás va a igualar», afirmó.
A los 14 años junto a Daniel, su hermano, el cantautor formó diferentes grupos que en 1969 desembocaron en el legendario Banana.
A los 17 años, cursando su último año de secundario, grabó su primer simple: «Facundo ha llegado al mundo».
Los discos de la banda se editaron en muchos países latinoamericanos. A mediados del 84 Banana se disolvió luego de haber variado su formación pero conservando su espíritu y la voz líder. Es entonces cuando César comienza a poner su propio nombre a las nuevas creaciones. Para «Banana» el nombre de su último disco «Romántico + nuevo», que editó hace dos años, «es un juego de palabras que representa mi actitud frente a la música: tratar de estar siempre más actualizado, innovar sobre mis propios temas». «La gente conoce mis canciones, canta y me alienta», dijo el músico para describir esta etapa de su vida profesional que lo encuentra muy unido a un «un público muy afectivo». Después de este recital porteño, Pueyrredón ofrecerá conciertos en Santa Fé, Junín, Santa Rosa, Posadas y Ramos Mejía.

ASAMBLEISTAS CONFIRMARON QUE REALIZARÁN LA MARCHA

Asambleistas confirmaron que realizarán la marcha
Los integrantes de la Asamblea Ciudadana Ambiental de Gualeguaychú ratificaron que mañana llevarán a cabo la «Caravana de la advertencia, porque se acaba la paciencia», en repudio a la instalación de las plantas pasteras en la ciudad de Fray Bentos. En tanto, ambientalistas de Colón y de Concepción del Uruguay realizarán una protesta similar con el objetivo de apoyarlos.

Los integrantes de la Asamblea Ciudadana Ambiental de Gualeguaychú ratificaron la realización de una marcha de protesta hacia el puente internacional que une esa localidad con Uruguay para mañana, y ultimaron los detalles de la manifestación. La movilización, denominada «Caravana de la advertencia, porque se acaba la paciencia», consistirá en una marcha de vehículos que saldrá desde la intersección de las rutas 20 y 136 y se dirigirá hasta la cabecera del puente internacional «José de San Martín», que vincula Fray Bentos con Puerto Unzué.

 

Desde Gualegueychú ratificaron la marcha de mañana

La secretaria de la Asamblea, Marta Gorosterrazú, dijo que será «una manifestación sin agresiones, totalmente pacífica», en la que los vehículos marcharán a 40 kilómetros por hora, y se mostró muy satisfecha por la organización y porque «a cada minuto recibimos nuevas adhesiones de todo el país». Paralelamente, en apoyo y solidaridad con Gualeguaychú, las Asambleas Ciudadanas de Colón y de Concepción del Uruguay realizarán una marcha similar que partirá a la misma hora, las 14.30, hacia el puente «General Artigas» que lleva a la ciudad uruguaya de Payusandú, agregó.
Gorosterrazú señaló que desde Gualeguaychú la caravana llegará hasta la rotonda al pie del puente, al cual «no se va a subir», y que allí se realizará un acto en cuyo transcurso se cantará el himno nacional, hablará un asamblkeísta y luego se compartirá «una hora de mate y refrigerio y habrá charlas sobre las papeleras». La presencia en el debate del secretario de la Producción de Entre Ríos, Daniel Welschen, y de funcionarios del área, generó un momento de tensión cuando los representantes provinciales no pudieron dar explicaciones satisfactorias para los presentes sobre el episodio de los folletos.
El incidente se originó el sábado pasado, cuando empleados del Gobierno distribuyeron en la Exposur Entrerriana de Gualeguaychú un folleto promocionando a Entre Ríos como una provincia forestal, lo cual generó irritación entre los asambleístas.
Welschen admitió que la difusión del folleto fue «un gravísimo error» y pidió disculpas a los mabientalistas, peor «no pudo dar una respuesta satisfactoria a los reclamos de sancionar diversas normas legales, porque no era de su competencia», comentó Gorosterrazú.
Dijo que ante la circunstancia de no poder obtener respuestas concretas, los ambientalistas solicitaron a los funcionarios que se retiraran del lugar, lo cual hicieron permitiendo así que retornara la calma para proseguir el debate.
En tanto, el anuncio hecho en Montevideo por el presidente de Ence, Juan Luis Arregui, de que se relocalizará el emprendimiento de la empresa española no generó demostraciones efusivas entre los asambleístas, que reaccionaron con cautela ante la noticia. Precisamente sobre este tema habló un abogado integrante de la Asamblea, quien instó a los presentes a «moderar» las expectativas sobre los resultados de la medida de la firma española, comentó Gorosterrazú.
También se informó acerca del encuentro que una delegación de ambientalistas mantuvo con los abogados argentinos y extranjeros que trabajan en la causa pastera de la Argentina, quienes ayer navegaron por el río Uruguay para tener una impresión personal sobre el lugar del conflicto. Por último, se decidió «suspender hasta nueva fecha» la conmemoración del primer año del denominado «Grito Blanco», cuando 15 mil alumnos de escuelas de la zona marcharon por la costanera de Gualeguaychú contra la instalación de las pasteras.
La secretaria de la Asamblea explicó que la medida se adoptó ya que el acto, previsto para el 27 de este mes, coincidía con un paro de actividades dispuesto por el magisterio de Entre Ríos y la Asociación de Trabajadores del Estado (Ate).

JULIO BOCCA: “Es una carrera que ni siquiera soñé”

El primer bailarín protagoniza esta noche el estreno mundial de “Adiós hermano cruel”. En el Superdomo Orfeo.

En el mediodía atípico del Día de la Primavera, Julio Bocca y Eleonora Cassano recibieron a la prensa para hablar del espectáculo que presentan esta noche, mañana y el domingo en Orfeo Superdomo. Adiós hermano cruel es la versión para ballet en dos actos, basada en la película de Giuseppe Patroni Griffi. Con esta obra, el primer bailarín comienza a despedirse de los escenarios.

Eleonora Cassano y Julio Bocca, ayer antes del ensayo general.

«Estoy disfrutando el día a día. La estoy pasando bien», dijo Julio, que lucía el peinado que exige su personaje. A su lado, Eleonora Cassano recuerda: «Hace 20 años que estamos juntos. Desde el comienzo nos sentíamos cómodos», comenta la bailarina que interpreta el rol de Annabella, la joven enamorada de su hermano.

Preguntado sobre el proceso creativo que lo llevó a la obra, Bocca dijo que el guionista Elio Marchi le propuso esta historia polémica. Desde el punto de vista de la interpretación, Eleonora aseguró: «Ya no me preocupo en lo más mínimo por la pirueta o la técnica. Mi personaje es muy intenso. Empecé a sentir cosas muy fuertes durante el ensayo en el Opera», explicó.

A lo grande

Para Bocca, ésta es la última gran producción de su carrera. El ha experimentado en escena, historias de gran intensidad. Recordó la versión de Otelo que bailó en Nueva York. Por otro lado, reconoció que El hombre de la corbata roja le permitió plantear este tipo de espectáculos con gran despliegue técnico. «Vimos que se podía hacer una historia usando proyecciones en la pantalla. Si bien en esa obra la historia salía del cuadro, en Adiós hermano cruel también utilizamos la proyección tridimensional. Así planteamos algunos espacios, los salones y palacios de la ficción», adelantó Bocca. La versión para ballet incluye escenas de sexo y violencia, tal como pide el guión original. Está todo, pero es muy diferente al tipo de escenas que estamos acostumbrados a interpretar», dice Eleonora.

Adiós hermano cruel se verá en estreno mundial esta noche en el Orfeo. Tal como viene ocurriendo cada vez que Bocca presenta un nuevo trabajo con su ballet, elige una ciudad del país. «¿Por qué no, Córdoba? Pudo ser Mar del Plata o cualquier otra», dijo el bailarín que está sorprendido por la respuesta de público, que llevó a los organizadores a agregar funciones. «Es una respuesta maravillosa. Me dio alegría la confianza que me tienen, porque nadie vio nada de la obra, no hubo ni una cámara escondida», dijo Julio escueto, breve, sencillo. «Siempre busco espectáculos de calidad», señaló, al tiempo que se reservó la opinión sobre la presencia de Callejeros en Córdoba. En tanto Eleonora dijo que son artistas que estuvieron en el escenario cuando pasó algo espantoso. «Una vez en el Luna (Park), se nos incendió un sector. Por suerte no pasó nada. Hay que tener cuidado de no mezclar las cosas». Bocca concluyó con una reflexión sobre su carrera. «No me quedó nada por hacer. Estudié con grandes maestros, bailé con figuras e hice repertorios. Es una carrera que ni siquiera yo soñé».

JULIO BOCCA: “No me ha quedado ninguna cosa por hacer dentro de la danza”

Desde hoy y hasta el domingo Julio Bocca, acompañado por Eleonora Cassano y el Ballet Argentino, estrenará en Córdoba y a nivel mundial la puesta “Adiós hermano cruel”. En su paso por la ciudad confirmó que regresará en el 2007 para su show de despedida, y también hizo referencia al final de su carrera como bailarín. Ayer Julio Bocca y Eleonora Cassano arribaron a nuestra ciudad para preparar lo que será el estreno mundial del espectáculo “Adiós hermano cruel”, en el que también participan los integrantes del Ballet Argentino. La gran demanda de entradas hizo que finalmente se cerraran tres funciones en Córdoba programadas para esta noche y mañana a las 21 y para el domingo a las 18 en las instalaciones del Orfeo Superdomo.
Más allá de que haya sido Córdoba la elegida para el debut de esta puesta, las presentaciones se integran a estas giras de despedida que el bailarín viene realizando ya que, tal como lo ha declarado públicamente, el año próximo dejará la danza.
Aunque uno podría deducir que ésta es una etapa quizá nostálgica en la vida de Bocca, él se demuestra más bien conforme con su decisión y contento con todo lo logrado a nivel profesional. “Cuando actúo no estoy pensando todo el tiempo en la despedida, por el contrario cada función que termina es una más. Estoy feliz con todo esto, con que las cosas salgan bien porque lo que yo quiero es que el público se lleve un buen recuerdo, ése es mi objetivo. Por ahora estoy viendo el día a día… Se termina una historia, una carrera maravillosa y quiero terminarla así. De ahí en más, me gustaría
-por lo menos al principio- no hacer nada, ya después veré… No me ha quedado ninguna cosa por hacer dentro de la danza”, dice Julio Bocca, quien además confirma que el año próximo vendrá nuevamente a Córdoba con otro espectáculo. A la hora de hablar sobre su futuro simplemente declara: “Para cuando deje de bailar tengo ganas de estar en casa, de no hacer nada, de dedicarme a mí, sin tener cosas programadas”.
Si hay una compañera ideal para Julio Bocca ésa es Eleonora Cassano. Aunque ambos han participado de proyectos y producciones individuales, cada vez que se los ve juntos en el escenario ambos emanan una química especial que los ha transformado en un dúo clásico de la danza. Con respecto a esa relación profesional Eleonora Cassano comenta: “Si bien cuando empezamos a bailar no nos conocíamos tanto, se generó entre nosotros algo especial, y eso fue creciendo a medida que pasó el tiempo. Desde el principio nos sentimos muy cómodos bailando uno con otro y después surgió esa cosa de amistad, de estar arriba del escenario con una gran comunicación, algo que pocas veces se da. No es fácil encontrar una persona con la que te sentís tan identificada, ambos nos sentimos muy a gusto trabajando juntos. Lo disfrutamos plenamente y a eso el público lo percibe”.

Adiós hermano cruel

“Adiós hermano cruel” es un ballet en dos actos, versión libre del film realizado por Giuseppe Patroni Griffi en 1972 y basado en el drama de John Ford.
Con guión de Elio Marchi, música de Lito Vitale, coreografía de Ana María Stekelman, y vestuario de Renata Schusscheim, la historia pone su mirada en el prohibido y enfermizo amor entre dos hermanos. El drama va creciendo a lo largo de la puesta ya que ella queda embarazada de su hermano, y eso desencadena una gran tragedia familiar.
Dadas las características de la puesta y su eje argumental, tanto Bocca como Cassano -en calidad de protagonistas- así como el resto del elenco que los acompañan realizan un gran trabajo expresivo que excede a lo estrictamente técnico.
“En esta obra lo que más importa es la interpretación, yo no me preocupo en lo más mínimo por una pirueta, por un equilibrio, por nada de eso. Sino que estoy trabajando el personaje, que es muy intenso, al igual que la obra porque tiene escenas muy fuertes. Realmente empecé a sentir cosas que antes no habían salido en los ensayos, me fueron pasando cosas que seguramente se van a ver en la puesta”, afirma Eleonora Cassano, a lo que Julio Bocca agrega: “Cuando me propusieron la obra, al comienzo la rechacé. Pero cuando empezamos a hablar de una nueva producción volvió a salir esta puesta, y la verdad es que es una historia muy fuerte, muy linda. No es el típico ballet y yo lo tomo como un desafío más para mi carrera”.
Escenas violentas y sensuales, matanzas y amores, irán nutriendo cada momento de esta producción artística en la que
-al igual que ocurrió con “El hombre de la corbata roja”- se suma la proyección multimedia como un elemento más de la escenografía.
El hecho de que Córdoba se haya transformado en el lugar elegido para el estreno mundial de “Adiós hermano cruel” no tiene nada de particular, ya que el propio Bocca afirma que ellos no hacen diferencias a la hora de elegir una ciudad para un debut. Sin embargo también hizo algunas referencias hacia al público local al comentar: “La respuesta ha sido maravillosa, vamos a hacer tres funciones en un lugar como el Orfeo que además es bastante grande. Yo siento una alegría increíble, porque eso demuestra que la gente nos renueva la confianza aún cuando no sabe nada de este espectáculo. Esta es la confianza que uno ha sabido conquistar durante muchos años”.

Bailarines y Callejeros

Como era de esperar, y dado que la conferencia que Elenora Cassano y Julio Bocca realizaron ayer coincidió con el regreso del grupo Callejeros que actuó en el Chateau Carreras, no faltaron algunas preguntas referidas al tema.
Mientras que el bailarín se negó a dar declaraciones excusándose de no conocer profundamente el tema, Eleonora Cassano dijo: “No hay que mezclar muchos las cosas. Lo que pasó fue catastrófico pero ellos son artistas y estaban arriba del escenario. A nosotros no pasó en el Luna Park una vez que se empezó a incendiar y tuvimos que salir del escenario y no sé si -de haber sido una tragedia-, hubiéramos sido culpables o no. Es muy difícil para el artista estar en una situación así”.

ES PARA PEDIR LA SUSPENSIÓN DE LA LEY PROVINCIAL QUE PROHÍBE POR TRES AÑOS LA EXPLOTACIÓN MINERA EN ALGUNAS ZONAS DE LA CORDILLERA

Dos empresas mineras presentaron una demanda ante el Superior Tribunal de Justicia

Mientras a lo largo de todo el país se multiplican las voces que rechazan la minería contaminante y dicen sí a la vida y al cuidado del agua, dos empresas mineras con proyectos de explotación en Chubut, Patagonia Gold y Huemules, presentaron ante el Superior Tribunal de Justicia una demanda por inconstitucionalidad de la ley que prohibió por tres años  la actividad minera metalífera en una zona de la región cordillerana.
La demanda fue interpuesta por las firmas, con el patrocinio de un estudio jurídico de la ciudad de Trelew, y la presentación fue acompañada por el pedido de una medida cautelar para que se suspendan los términos de la ley.
La ley, presentada por el Poder Ejecutivo Provincial y sancionada el 29 de junio pasado, establece la suspensión de las actividades mineras metalíferas en la zona comprendida entre los paralelos 42º y 44º 30´ de Latitud Sur, el Meridiano 70º 30´ de Longitud Oeste y el límite internacional con Chile y la Ruta nacional Nº 40.
Se trata de una norma que además de establecer la suspensión de la minería metalífera por 36 meses, prevé en ese tiempo elevar a la Legislatura para su aprobación “un mapa de ordenamiento minero-ambiental, estableciendo para el territorio provincial las sustancias minerales y condiciones y modalidades de las actividades mineras a desarrollar para cada zona”.
Mientras tanto, cabe recordar que el catastro minero de Chubut consigna una superficie acumulada de 384.353,34 hectáreas para el conjunto de las empresas controladas por la minera británica Patagonia Gold y tal como oportunamente denunciara la Asamblea de Vecinos Autoconvocados de Esquel, “esta acumulación de permisos otorgados por el Gobierno es contraria a lo establecido en el Código de Minería, que tiene como tope máximo nada menos que 200.000 hectáreas por provincia”.
Los esquelenses, quienes en el año 2003 impulsaron el plebiscito que impidió a Meridian Gold la explotación en la ciudad cordillerana, tras el voto del 82 por ciento de la población, agregaron: “Durante el gobierno de Mario Das Neves y sólo hasta mayo del año pasado, empresas mineras controladas por Patagonia Gold fueron beneficiadas con el otorgamiento de seis permisos mineros que suman 38.411,72 hectáreas”.
Al referirse al proyecto de extracción de oro Huemules, lindante con el Parque Nacional Los Alerces y ubicado a 20 kilómetros de Esquel y a 30 kilómetros de Trevelin, recordaron que “localizado en la divisoria de aguas y dentro del ejido municipal de Esquel, amenaza la cuenca del Río Percy y también la del Lago Futalaufquen”.
Amén de que estos proyectos se encuentran suspendidos, los tres años de suspensión se consideran estratégicos, ya que una vez instalada y reglamentada la actividad, será mucho más fácil para los interesados modificar y extender las zonas en que se permita la explotación. También es necesario recordar que tres años no son nada para una empresa multinacional como Meridian Gold, que hace cuatro años está instalada en Esquel, aunque no haya podido comenzar con su proyecto de explotación tras la movilización ciudadana.
“Prohibir en algunas zonas es permitir”, afirman desde la asamblea, haciendo referencia a los proyectos mineros en la Meseta Central de Chubut, como el de explotación de plomo y plata en Gastre, Proyecto Navidad, recientemente cuestianado por el monseñor Virginio Domingo Bressanelli, quien dijo al respecto: “No me cae bien el Proyecto Navidad, porque esta palabra significa vida, esperanza, futuro. Le cambiaría el nombre”.

Minería y costo ambiental en Catamarca

Vecinos en pie de guerra por el llamado a explotar una de las mayores reservas de oro y plata

A las protestas que mantienen por las extracciones de minerales de Bajo la Alumbrera y Agua Rica, los catamarqueños sumaron a sus reclamos el proyecto de Agua de Dionisio por la cual el estado elevó la convocatoria a licitación. Una inversión de u$d 500 millones que pone en riesgo el medio ambiente.

 Las protestas que los catamarqueños llevan adelante contra la explotación de las minas de Bajo la Alumbrera y Agua Rica no parecen haber encontrado eco en los funcionarios nacionales. La Secretaría de Minería lanzó hoy la licitación nacional e internacional para explotar un área de 240 kilómetros cuadrados de la empresa pública Yacimientos Mineros Agua de Dionisio (YMAD), una de las principales reservas de oro y cobre de Catamarca, que prevé una inversión cercana a los 500 millones de dólares estadounidenses.
«Vamos adelante con un proceso de profundización del desarrollo del sector minero, con el obejtivo de llevarle soluciones sociales a las comunidades más alejadas de nuestro país», sostuvo  el secretario de Minería, Jorge Mayoral.

Mediante esta licitación nacional e internacional se busca atraer aún más inversiones mineras al Departamento de Belén, en Catamarca. Allí ya se encuentra la recién inaugurada Agua Rica.

En el área indicada se han realizado una serie de estudios y trabajos de exploración, que incluyeron unos 14.000 metros de perforaciones en Bajo El Durazno, Bajo Las Pampitas, Bajo San Lucas y Bajo Agua Tapada.

YMAD, titular de los derechos mineros, es socia de Minera Alumbrera en una Unión Transitoria de Empresas que explota la mina de cobre y oro más grande del país, lo que le genera por esta participación, desde julio de 2004, dividendos por 500.000 dólares estadounidenses trimestrales.

Minera Bajo La Alumbrera Limited es la empresa que sigue su marcha pese a la oposición de la población afectada y el daño ambiental que provoca. Actualmente, es la encargada de la explotación del Yacimiento Bajo de la Alumbrera, en la ciudad de Andalgalá, provincia de Catamarca.

La compañía transporta el concentrado de cobre y oro que extrae desde la mina Bajo La Alumbrera hasta Tucumán, mediante un mineroducto que recorre unos 360 kilómetros.

“Esta sopa química viaja más de 300 kilómetros desde Catamarca a Tucumán, donde se la seca y se mete en unos trenes que terminan en el puerto de Rosario, lista para ser exportada”, precisó en diálogo con perfil.com Javier Rodríguez Pardo, miembro del Movimiento Antinuclear del Chubut (MACH), la Red Nacional de Acción Ecologista (RENACE) y la Asamblea Coordinadora Patagónica Por la Vida Contra la Contaminación y el Saqueo.

“La Alumbrera está en una zona sísmica muy activa, específicamente sobre una falla. La tierra debajo del dique de cola se abrió muchas veces. Hoy hay 14 equipos de retro bombeo que diariamente tratan de drenar los líquidos, altamente tóxicos, que intentan escapar hacia las napas”, agregó.

La mafia del oro. Los capitales mineros parecen inertes a las protestas de la población catamarqueña. Si no pueden contra la voluntad popular, denuncian los vecinos, el camino de las multinacionales es la prebenda. Trabajo y dinero por silencio y muerte, es su fórmula preferida.

Los vecinos denuncian una actitud “mafiosa” por parte de la empresa y el gobierno provincial. “Dividieron a la sociedad”, denunció Urbano Cardozo, un jubilado catamarqueño de 67 años y vecino de Andalgalá. “Hay gente que apoya la mina y gente que no. Gente que no me saluda, porque yo le digo que no puede ser lo de la mina y otra que está conmigo”, agregó el hombre, que asegura tener su “teléfono pinchado”.

Cardozo denunció que tras una marcha en contra de las minas (Bajo La Alumbrera y Agua Rica, que está a punto de entrar en funcionamiento) que reunió a unas 2000 personas, la empresa “fue casa por casa haciendo solicitudes de trabajo y entregando plata, no si antes advertiles a los vecinos: ‘La próxima marcha no los quiero ver ni a usted ni su familia’”.
El 17 de septiembre de 2004, una fisura en el ducto de la mina Bajo La Alumbrera produjo un derrame del material concentrado de oro y cobre, pero también de uranio, mercurio, plomo, cobre y arsénico, entre otros, en la cuenca del río Villa Vil, del que los pobladores de ese pueblo dependen para la actividad agroganadera y la provisión de agua potable.

Unos meses atrás se habían tomado muestras del líquido que proviene directamente de la planta de filtrado que La Minera Alumbrera tiene en la localidad de Cruz Norte, en Tucumán, donde son arrojados los desechos. El informe técnico comprobó la existencia de un alto índice de materiales pesados como sulfuro, plomo, mercurio, arsénico. Por esto, el viernes 25 del agosto, la justicia tucumana (y no la catamarqueña) requirió el procesamiento de presidente de Minera Alumbrera Limited, Julián Rooney.

Las presentaciones judiciales, proyectos de resolución e indemnizaciones pagadas por la empresa no lograron detener un nuevo derrame tóxico, en junio pasado, que volvió a contaminar las aguas del poblado de Villa Vil.

Un patrón que se repite. En 2003, una consulta popular entre la población de Esquel, dejó fuera de dudas la rotunda negativa de los chubutenses para que la empresa canadiense Meridian Gold utilizara cianuro de sodio en el tratamiento del oro que se proponía extraer de una mina ubicada a sólo siete kilómetros del centro urbano.

El daño ambiental y sanitario que latía en torno a la intención de la compañía se dirimieron y probaron en ese contexto, aunque poco duró el sabor del triunfo en las urnas. Los intereses del gobierno provincial y de la multinacional, parecen hoy tener más efecto que la voluntad popular.

“La empresa minera sigue teniendo malas actitudes, de hecho todavía siguen presionando a algunos vecinos con el reparto de cosas con el objetivo de tentarlos a cambiar de opinión”, denunció a perfil.com Matías Carelli, integrante de la Asamblea de Vecinos Autoconvocados de Esquel.

Allí, los vecinos acusan a la minera de no respetar su voluntad, y no están muy errados. Tras el plebiscito, ellos consiguieron mediante un amparo ambiental bloquear la intención de la empresa de continuar con el proyecto, pero Meridian Gold apeló el amparo, perdió y en la actualidad el tema se debate en la Corte Suprema de la Nación.

Además, los votantes sostienen que el avance de los canadienses cuentan con un guiño del gobierno provincial a través de la inacción que éste demuestra sobre el tema.

“Con posterioridad al plebiscito salió una ley que prohibía la explotación de minas con cianuro y a cielo abierto, pero hay un organismo que define qué lugares están exceptuados. Esta comisión nunca se reunió. Hay un vericueto legal para que esto no ocurra”, explicó Carelli.

“Cuando estaba haciendo campaña, el propio gobernador Mario Das Neves dijo que sospechaba que el gobernador anterior (del radical José Luis Lizurrume) podría tener alguna relación con la empresa Meridian Gold”, recordó el esquelino.

La única penalidad que hasta ahora recibió la empresa por su insistencia partió de la Cámara de Apelaciones de Esquel, que resolvió que tres altos directivos de la minera enfrentarán un juicio oral por desobedecer el amparo ambiental que paralizó en 2003 el proyecto minero.

ENTREVISTA A GÜNTER GRASS: «Los que quieran juzgarme, que lo hagan»

El escritor alemán, autoproclamado voz moral de Alemania y ganador del Premio Nobel, confesó a medidados de agosto –al mismo tiempo que su autobiografía Pelando la cebolla llegaba a las librerías– que en su juventud había formado parte de las Waffen-SS. ¿Por qué esperó más de sesenta años para revelar que había servido en las tropas de elite nazis entre 1944 y 1945? Desde entonces muchos se preguntan si sus confesiones no son parte de una maniobra publicitaria. Entrevista exclusiva.

os encontramos en un hotel de Dinamarca, el país donde Günter Grass escribió el primer borrador de su autobiografía. El autor ha recibido, desde mediados de agosto, una serie de críticas furibundas por haber revelado por primera vez, en su último libro (Pelando la cebolla), su participación en la división Frundsberg de las Waffen-SS –cuerpo de elite nazi responsable de los crímenes más atroces– a fines de la Segunda Guerra Mundial.

ULRICH WICKERT: ¿Por qué ahora y no antes?
GÜNTER GRASS: Lo había reprimido. En realidad, no puedo explicarle cuáles fueron las razones exactas. Nunca dejó de preocuparme, y creí que lo que estaba haciendo como escritor y ciudadano de este país –actividades que significaban precisamente lo contrario de aquellas ideas que me formaron en mis años de juventud, durante el período nazi– era suficiente. Y no me sentía culpable. Me asignaron a las Waffen-SS pero nunca me involucré en ningún crimen. Además, siempre sentí la necesidad de escribir algún día sobre mis experiencias en un contexto más amplio. Esto ha sido posible sólo en los últimos tiempos, después de superar mi aversión interior a escribir una autobiografía.

W: La presidenta del Consejo Central Judío, Charlotte Knobloch, ha declarado que su confesión invalida todos sus discursos anteriores. Y, por supuesto, también está el asunto del discurso que usted dio en Bitburg, en el que criticó con severidad al entonces canciller Helmut Kohl y al presidente de los Estados Unidos de la época, Ronald Reagan, por haber visitado el cementerio donde también están enterrados miembros de las Waffen-SS.
G: Lo que me indignó de la visita fue la idea de aprovecharse de lo muertos. Parecía propaganda, y eso fue lo que provocó mi crítica. La señora Knobloch tiene todo el derecho de hacer los comentarios que desee. Pero también tengo derecho a explicar las circunstancias que me llevaron a hacer lo que hice. A propósito, espero que la señora Knobloch llegue a leer mi libro, porque, aun cuando esto desempeñó un papel importante durante el período que describo –mis años de juventud–, abordo temas mucho más graves en un contexto totalmente distinto. Uno es el hecho de que, en mi ceguera como miembro de la Jungvolk (Juventud Alemana) y de la Juventud Hitleriana, no les hice las preguntas a los que me rodeaban, a mi familia, por ejemplo… Tenía un tío que era funcionario de la Oficina de Correos polaca en Gdansk. Fue uno de los defensores del servicio postal polaco y fue fusilado por los alemanes bajo las disposiciones de la ley marcial. De pronto dejó de ser miembro de la familia y se nos prohibió jugar con sus hijos. Y yo no hice preguntas. Estos son los temas que de veras me interesaron, mucho más que las cosas en las que me vi inmerso –involuntariamente, por otra parte–. El problema real que esto plantea, y esto es lo que traté de hacer en mi libro, es la idea de recuperar los recuerdos de ese niño cuyo comportamiento se ha vuelto ajeno a mí en muchos sentidos…

W: En el “Discurso del Acostumbramiento” que pronunció en Israel en 1967, usted afirma que nunca ocultó el hecho de que fue miembro de la Juventud Hitleriana cuando tenía catorce años, que se enroló a los dieciséis y que a los diecisiete ya era prisionero de guerra. ¿No podría haber mencionado en ese entonces que fue soldado de las Waffen-SS?
G: Sí. Pero es fácil decirlo ahora. Hablo de ello en mi libro, incluso de mi silencio al respecto. El libro está en circulación, de modo que mis lectores pueden formarse sus propias opiniones. Sólo puedo recomendarles a mis lectores que se remitan a mi libro.

W: Usted afirma que nada podría aliviar la carga de sus recuerdos. Tal vez habría podido aliviarla si los hubiera confesado antes.
G: Sí, y eso es lo que he hecho al escribir este libro. Algunos dirán que es demasiado tarde. No he podido hacerlo hasta ahora. Los que quieran juzgarme que me juzguen. Pero lo que estoy experimentando en estos momentos me convierte, al parecer, en una persona inexistente y pone en tela de juicio todo lo vivido a posteriori, todo lo que ha hecho de mi vida subsiguiente lo que es, una vida también caracterizada por el sentimiento de vergüenza y por un esfuerzo continuo que persiste hasta hoy.

W: Cuando el filósofo Karl Jaspers analizó el tema de la culpa en 1946, llegó a la conclusión de que no existía la culpa colectiva alemana, sino más bien la individual de los responsables. ¿Usted se siente culpable?
G: Si estamos hablando de crímenes comprobables, no ocurrió nada de esa naturaleza. Pero prefiero no considerar esto como un logro. Si hubiera tenido dos o tres años más y me hubiera visto involucrado en crímenes como el fusilamiento de prisioneros, nadie habría podido garantizar nada. En todo caso, no habría podido hacerlo…

W: Usted defendió hace años a la novelista Christa Wolf cuando la acusaron de haber colaborado con la STASI (la policía secreta de Alemania Oriental). Usted defendió al escritor Walter Jens por su participación activa en el partido nazi en el pasado. ¿Pensaba en su propia juventud?
G: Tengo un problema con ese tipo de generalizaciones. Todos nacemos en una época determinada. No me gustaría ver a nadie enfrentado a las circunstancias que predominaban en esos tiempos, cuando había pocas o ninguna alternativa.

W: Usted tuvo una experiencia terrible en 1967, durante la lectura de “Anestesia local”. Un hombre subió al escenario, dijo que quería ser provocador, saludó a sus compañeros de las SS, se tragó una cápsula de cianuro y murió. ¿Qué pensó en ese momento? G: Fue un incidente espantoso. Cuando visité a la familia Scheub unas semanas después y hablé con su viuda y sus hijos, supe más cosas sobre este hombre. Por un lado, todavía estaba atrapado en las ideas nazis que lo formaron. Pero al mismo tiempo, se consideraba un pacifista como resultado de sus experiencias durante la guerra, y ayudó a sus dos hijos mayores, que querían ser objetores de conciencia, a redactar sus declaraciones. Un hombre extraño. Una de las hijas de Scheub acaba de publicar un libro en el que cita los pasajes que escribí sobre el incidente en Diario de un caracol, porque el episodio me afectó profundamente.

W: ¿No habría sido un alivio para usted escribir sobre sus propias experiencias?
G: Es difícil saberlo en retrospectiva. No lo hice, y tendré que aceptarlo… y sin duda voy a seguir escuchando esas acusaciones durante mucho tiempo más. Lo único que puedo decir es que forma parte de este libro. Pasé tres años puliéndolo y he escrito todo lo que tengo que decir sobre el tema.

W: Las palabras “culpa”, “carga” y “miedo” aparecen repetidas veces en su libro, y usted se cuestiona a sí mismo cuando escribe, por ejemplo: “Apenas evoco al niño de trece años que fui entonces, lo reprendo y me siento tentado a juzgarlo, se me escapa. No quiere ser criticado o juzgado. Corre a refugiarse en el regazo de su madre y dice: ‘Yo sólo era un niño, sólo un niño’”. ¿Revela esto la razón de ser de Oskar (en la novela El tambor de hojalata), que dice: “No soy responsable de las cosas que hice cuando era niño”?
G: Sin duda, es parte de ello, pero también es cierto que debo moderarme y ponerme algunos límites. Me veo a mí mismo juzgando al niño de trece años que fui, que por supuesto insiste con toda razón en que sólo es un niño. Y en cuanto a mi ingreso en las Waffen-SS, bueno, me reclutaron y no fui exactamente un voluntario, lo que era igual de estúpido. Quería estar en los submarinos y terminé en las Waffen-SS.

W: ¿Por qué se ofreció como voluntario? ¿Quería ser un héroe?
G: Es posible, pero también tuvo que ver con la falta de espacio en el departamento de mis padres. Lo mismo les pasó a muchos que se criaron en viviendas parecidas en ese tiempo, y así, ir al frente y convertirse en soldado era una suerte de liberación.

 

ENTREVISTA A MARÍA KODAMA:»¡Mi padre era más joven que Borges!»

 

Durante la entrevista de Magdalena a Maria Kodama realizada en el estudio de su abogado

Atiende al periodismo en el estudio de su abogado. Querelló al traductor francés de Borges, y asegura que su finado marido no se distanció de su amigo Bioy Casares por culpa de ella. Dice que Fanny, la ama de llaves, se negaba a coicnarle y «era una acosadora», y  que al autor de El Alpeh le gustaba escuchar a los Rolling Stones. Imperdible.

 La leyenda dice que los que se acercaban a las Pirámides de Egipto morían de enfermedades terribles. Del mismo modo, la gente que se aproximaba así, con el afán de apoderarse, de poseerlo, enloquece y termina por creer que es Borges.
María Kodama, al reírse, parece muy joven y diferente:
—Es divertido –agrega–.
Sin embargo, ser la mujer y la heredera de Borges debe resultar complicado. En efecto, quizá por ello, no otorga la entrevista a PERFIL en la Fundación Borges sino en el estudio de su abogado, el doctor Orlando.
Los diarios franceses (Le Monde, Le Nouvel Observateur) se han hecho eco de las dificultades surgidas con motivo de la segunda edición de las obras de Borges en la legendaria Colección de La Pléyade y donde parece haberse producido un enfrentamiento entre María y Pierre Bernès, el amigo y legendario traductor de Borges.

—Quizás estoy mal informada pero yo creía, María, que Borges y Bernès eran muy amigos…
—Yo también lo creía hasta que me enteré por el propio Bernès de que, para él, la amistad no existe. Que, según me dijo, yo era naive (ingenua) por creer en la amistad y que había grabado en París todas mis conversaciones desde Ginebra. Después de eso, creo que tampoco era amigo de Borges, ¿verdad?

—Pero ¿cómo es eso? Explicame. Tengo entendido que hay una serie de casetes de conversaciones entre Borges y Bernès de las que vos, aparentemente, reclamás la propiedad, ¿no?
—No. No es eso. Yo no pienso que son propiedad mía y vos sabés, porque sos periodista, que cuando alguien habla con otra persona, el entrevistado tiene que tener una copia de lo conversado, de la entrevista.

— Mirá, no. Yo nunca he dado copias de mis reportajes a los entrevistados.
—Bueno, en París eso se hace. Es así. Y te explico. A raíz de este asunto, yo le hice un juicio a Bernès y el juez lo obligó a entregar una copia de todo ese material. Y te repito –María se apoya en cada palabra y endurece el tono–, por suerte, eso en París funciona.—Yo vi en Le Nouvel Observateur algunos comentarios muy duros sobre el tema. ¿Cuál es entonces, ahora, el problema para publicar una nueva edición de las obras de Borges en francés?
—El problema es, bueno, yo no puedo hablar de eso porque está en manos de los abogados en París. Y no puedo hablar de cosas que pueden perjudicarme.

—Te lo pregunto porque en la prensa francesa ponían el acento en tu posición irreductible que imposibilita llegar a un acuerdo…
—Mirá, yo te voy a decir una cosa porque es un tema académico y por eso puedo abordarlo. En una publicación académica se cita como bibliografía algo que no existe. Ninguna persona académica puede transcribir sin colocar los signos que indican o quitan una parte de un texto… Por ejemplo, yo tomo un texto tuyo y le quito una parte. Entonces, académicamente, estoy obligada a colocar puntos suspensivos o comillas o lo que sea para que el lector sepa que yo he extraído una parte de ese texto por la razón que fuera. Si yo no hago eso, estoy incurriendo en una estafa intelectual y, quizás, estoy distorsionando lo que vos decís, ya que, al unirlo como quiero, cambio el sentido de tus palabras.

—Entonces, ¿qué va a pasar con la nueva edición de la obra de Borges en La Pléyade?
—No puedo decírtelo. Está en manos de la Justicia.

—¡Qué lástima! –argumento–. Era una edición tan linda.
El tono de María se vuelve gélido:
—Depende de cómo la veas. De todas maneras, no soy yo quien va a hacer la edición de La Pléyade y…bueno, no puedo decir nada.

Está en manos de la Justicia –repite–. Supongo que, como todas las cosas en la vida, esto terminará por arreglarse. Es momento de salir de un terreno internacional y complicado. María ha sido testigo de una vida fascinante.

—¿Cómo fue compartir lo cotidiano con un hombre genial?
—Para mí fue algo muy maravilloso. La nuestra fue una relación muy larga. Comencé a estudiar con él cuando yo tenía 16 años y luego, poco a poco, la vida fue tejiendo otra historia, repito, maravillosa, que me ha dado ahora mucha fuerza y mucha energía para vivir.

—Sin hablar de los últimos años, ¿cómo era, en plenitud, el ritmo de trabajo de Borges?
—No era un ritmo parejo. Todos los días no eran iguales. No era una persona que tuviera un ritmo de trabajo rígido. Cuando se le ocurría una idea para un cuento o para un poema, muchas veces la elaboraba durante varios días y luego, bueno, decidía: “Esto va a ser para un poema, va a servir para un cuento…”, y recién entonces comenzaba a dictar. Al día siguiente, volvía a revisarlo. A veces corregía o no. Dejaba pasar dos o tres días, volvía a pedirme que le leyera el texto dictado y recién allí corregía. Sobre todo, pasaba mucho tiempo pensando sobre lo escrito.

—¿Tenía un orden de prioridades en lo escrito como para poder corregir sin ver?
—Sí, absolutamente. Uno comenzaba a leerle el texto y él apuntaba acerca de la continuidad o no de los párrafos. Lo tenía todo perfectamente estructurado en su cabeza. Por ejemplo: en los cuentos, él decía siempre que, antes de dictarlos, tenía que saber exactamente el principio y el fin.

—Es decir que lo que iba entre el comienzo y el final era como la crónica de un final anunciado.
—Sí, sí. Borges tenía ya toda la historia a la que iba añadiéndole las circunstancias.

—Me acuerdo de que en un vuelo de avión vos ibas describiéndole minuciosamente los colores y los paisajes que veías por la ventanilla…
—Yo siempre le contaba cómo era el lugar en el que estábamos o los países a los que llegábamos y que él no conocía. Borges tenía mucha memoria para recordar aquellos países en los que había estado de joven y, a medida que los íbamos descubriendo, yo me ocupaba de describírselos en detalle. Cuando descubrí que él tenía esa enorme memoria visual, y que había recorrido los museos de Europa en su adolescencia y recordaba cada detalle, entonces comencé a hacerle la descripción del mundo desconocido por los dos que estábamos descubriendo en ese momento. Para esto acudí a los colores de los cuadros que él había “visto” realmente en su momento y a los gestos de los personajes que él recordaba. A todo esto, Borges le añadía poemas que iba recitando según las circunstancias o, también, recordando situaciones que él había vivido muchos años atrás.
A mi padre le gustaba mucho el arte y, desde muy chica, aunque no entendiera nada, me regalaba libros de pintura y me llevaba a exposiciones. La broma que Borges hacía siempre era que mi padre me había educado para él, puesto que gracias a toda esa formación de la infancia, luego pude transmitirle la realidad que él no podía ver y que descubrimos juntos.

—Bueno, de hecho Borges podría haber sido tu padre…
—¡Mi padre era más joven que Borges!
Como en una vieja película vuelvo a ver a Borges caminando por Maipú, por Florida. Tan de Buenos Aires. Y aprovecho para volver sobre un tema que se ha comentado hasta el cansancio.

—¿Por qué el final en Suiza, María?
—Bueno, yo tampoco sabía que sería el final. Salimos de viaje porque Borges tenía una gira por Italia. El ya sabía que estaba enfermo pero quería ir. El médico lo autorizó pues el cáncer, en una persona de edad, es menos agresivo. Una vez en Italia, me dijo que quería volver a Suiza. Me pareció muy normal sabiendo cuánto quería a ese país y entendí que deseaba despedirse de Suiza pero, una vez que estuvimos allí, me dijo que no volveríamos a la Argentina. Muchas veces traté de convencerlo, e incluso pensé que era porque tenía miedo de sentirse mal durante el viaje. A través de amigos supe que era posible trasladarlo en avión sanitario y que no debía tener ningún temor. Conversé esto con el médico y quise que Borges decidiera. No por miedo, porque eso es terrible, sino que decidiera en libertad. Ahí me di cuenta de cómo lo había afectado todo el escándalo periodístico que, muchos años atrás, se había armado alrededor de la muerte del doctor Balbín, a quien fotografiaron en terapia intensiva. Borges me dijo que no quería que su agonía fuera transformada en un espectáculo y su último suspiro vendido luego en un casete. Que quería morir conmigo, la persona que él quería, a su lado. También me dijo que quería morir normalmente, en su casa, como sus antepasados. Pero todo esto no quiere decir que no quisiera mucho a Buenos Aires. Son decisiones que la vida va armando.

—Es bueno hablar de esto, María, porque en algún momento se dijo que la amistad de Borges con Bioy había quedado rota porque, de alguna manera, a vos no te gustaban los amigos de antes.
—No, no. Yo no quise alejarlo de nadie. Creo, en cambio, que cada una de esas personas quiso alejarse de Borges. Por otra parte, ¿cómo decirlo?, ¿acaso los matrimonios de años y con hijos (el lazo más fuerte que existe) no se rompen? Es la vida la que los rompe. O las actitudes de uno o de otro. ¿Por qué entonces acusarme a mí, todo el tiempo, de algo en lo que no tuve nada que ver? Cada una de esas personas se comportó con Borges de un modo que hizo que él se diera cuenta y sintiera que ellos no correspondían su afecto.

—¿También Bioy, que lo quería tanto?
María suspira:
—Pero, sí. También Bioy, que lo quería tanto. Podía tenerle mucho afecto pero era un ser egoísta… muy egoísta. Yo no me había dado cuenta de eso y Borges, un día, me dijo: “Adolfito sólo viene a comer o me invita a comer cuando quiere leer o que yo corrija cosas de él. Pero nunca me invita al campo”. Yo le insistí: “Pero, Borges, a usted no le gusta el campo”, y él me contestó: “Eso no importa. El debe proponérmelo y yo, en todo caso, decir que no”.
Borges era tímido pero, como todas las personas introvertidas, también muy observador de la personalidad y del alma del otro. Borges no quería problemas y dejaba pasar las cosas pero no soy yo… ¿por qué no iba a querer a sus amigos? Yo soy oriental y no soy una persona celosa. Es algo que la gente no puede entender.

—¿Por qué, no son celosos los orientales?
—Porque uno profesa otra filosofía: lo que tiene que quedar con uno queda. Es inútil luchar contra eso. Lo que no, se va. Me enseñaron así de niña y fui educada de ese modo. Los celos son solamente amor propio, no amor al otro.

—A vos, personalmente, ¿qué es lo que más te gusta de la obra de Borges?
—La poesía. Para mí, él es un poeta extraordinario y, aunque sus cuentos son textos en prosa, diría que también son una prosa poética. Cuando no creaba, Borges era muy divertido, lleno de vida, con una enorme curiosidad por todo. Tengo maravillosos recuerdos de la complicidad que nos unía, más allá de los momentos muy importantes en los que me dictaba su obra.

—¿Qué comentaba Borges cuando viajaron en globo?
—Estaba feliz. No había dormido la noche anterior imaginándolo y esperando que la barquilla no fuera de plástico. Por suerte era de mimbre, así es que quedó contentísimo.

—¿Y cuáles eran sus libros preferidos?
—Te diría que, más bien, obras de filosofía, de religión. Releer a Virgilio, a Dante, a Shakespeare. Te diría que también a Conrad.

—Hablaba mucho de Conrad, es verdad. Por eso, bueno, me da pena lo que dijiste de Bioy. Porque Bioy también hablaba siempre de Conrad. Qué lástima…
—Yo supongo que así es la vida, ¿no? No creo que hayan terminado distanciados. A veces uno es amigo para siempre y a veces no.

—¿Y la relación con Fanny Uveda, su ama de llaves, de la cual tanto se ha hablado y escrito?
—Pero, Magdalena, ¡por favor!
María parece francamente enojada…
—Fanny era una acosadora. Como toda señora que queda viviendo con un señor mayor, pensaba… no sé cuáles serían las historias de ella. No quiero hablar de ese tema, no tiene mucho sentido. Ha sido llevado y traído tantas veces. Como mujer, vos podés comprenderme a mí mejor que un periodista hombre. Tenés que darte cuenta del dolor que yo tengo adentro porque vos has vivido en Argentina y sabés perfectamente lo que ha sido mi vida tan traída, llevada e inventada por la prensa. No quiero hablar de todo eso porque para mí es escoria.

—Bueno, los comentarios de Fanny sobre vos que yo he leído no me parecen insultantes…
—Vemos cosas distintas. Una señora, por ejemplo, que se negaba a cocinarle, por lo que teníamos que comer todas las noches afuera. Una señora que, según ella misma cuenta, le hizo perder un viaje a París porque no quiso llevarle el pasaporte hasta Ezeiza. Si a vos tu mucama te hace eso, vos la despedís. ¿O no?
María ha perdido su calma oriental.

—En realidad, nunca me he visto, por suerte, en la obligación de despedir a nadie. Pero no quiero molestarte y quiero, en cambio, que me cuentes también qué música prefería Borges.
—Era muy ecléctico. Le gustaban Brahms, la milonga, los tangos de la guardia vieja, los negrospirituals. También, mucho, Los Beatles, los Rolling Stones y –aquí María vuelve a la placidez y se ríe–: …y Pink Floyd. ¿Sabés por qué? Borges decía que le daba mucha fuerza

Nuevo disco: El mundo de Fito Páez cabe en una canción

Salió a la venta el nuevo disco del artista rosarino. Un trabajo cuyo tema central está dedicado a la música, su mundo. Cuenta con 13 canciones grabadas entre junio y agosto.

“No todo el mundo tiene primaveras” decía Fito Páez cuando en 1983 presentaba su primer disco “Giros”. Hoy pasaron más de 20 años de su debut solista y eligió el 21 de septiembre para presentar su última producción, “El mundo cabe en una canción”, y dejar claro que él si la tiene y quiere compartirla.

El disco lo encuentra más cercano que nunca a su ciudad natal, Rosario, la que eligió para realizar el video de presentación del álbum con el tema «Eso que llevas ahí» y la filmación de su nueva película “¿De quién es el portaligas?»
Se trata del regreso de Páez luego de «Moda y pueblo», editado en marzo de 2005 como resultado de un show acústico realizado junto al compositor Gerardo Gandini, y sucesor de «Mi vida con ellas».

El álbum fue grabado entre junio y agosto de este año en el estudio Circo Beat, propiedad de Páez e incluye 13 temas compuestos por el artista, excepto «Fue por amor», que tiene música de Coki Debernardi y letra de Páez.

Los músicos que participan son Guillermo Vadalá en bajo, Pete Thomas (de The Atractions, la banda de Elvis Costello) en batería, Gonzalo Aloras, Coki Debernardi y Gabriel Carámbula en guitarras, Claudia Puyó, Ana Alvarez de Toledo y Carlos Vandera en coros.

Según Fito describió, el tema central del disco esta dedicado a la música, esencialmente a la de Charly García, Mercedes Sosa y L a máquina de hacer pájaros.

Sin embargo, en «todos los temas hay algo de autobiográfico», dice Fito en referencia a su disco que a partir de hoy llega a las disquerías del país.

American Music Shakira busca su revancha y quiere un premio

 

 

Después de la frustración por los premios MTV, la colombiana competirá en la categoría Mejor Artista Latino en este nueva certamen de música anglosajona.

 La cantante colombiana Shakira y los raperos Daddy Yankee y Don Omar competirán en la categoría de Mejor Artista Latino de los premios American Music, que se celebrará en noviembre, anunciaron los organizadores.

En el plano estadounidense, los más nominados, con tres postulaciones cada uno, son Red Hot Chili Peppers, Mariah Carey, Black Eyed Peas y Nickelback, seguidos por los artistas que cuentan con una nominación: Eminem, Kanye West, Jamie Foxx, Mary J. Blige, T.I., Rascal Flatts, Pussycat Dolls, Kelly Clarkson y Carrie Underwood.

Casi los mismos nominados figuraron en la reciente entrega de los premios MTV de video música en Nueva York, en la que los favoritos californianos Red Hot Chili Peppers y Shakira no fueron laureados en ninguna de las principales categorías.

La velada perteneció en cambio a la banda punk de Las Vegas, Panic! at the Disco, que se llevó el premio mayor al mejor video del año por su «I Write Sins Not Tragedies» a menos de un año del lanzamiento de su álbum debut.

Los American Music, que han ganado más interés en el extranjero en los últimos años, eligen a sus nominados por la mayor cantidad de discos vendidos, pero la suerte final la determinan 20.000 encuestados. La ceremonia 2006 se realizará el próximo 21 de noviembre en el auditorio Shrine de Los Angeles, California.

Boca y su estreno mundial de “Adiós hermano cruel”

Será mañana en el teatro Orfeo Superdomo. Con entradas agotadas se repetirá el sábado y el domingo. Desde el 29 continuará presentándose en el teatro Opera de Buenos Aires. Esta será la última gran producción del artista, en la etapa previa a su retiro de la actividad, prevista para el 22 de diciembre de 2007.Julio Bocca, brindará hoy el estreno mundial de «Adiós hermano cruel», en la primera de tres funciones, en el Orfeo Superdomo de esta ciudad, que se repetirá el sábado y el domingo venideros, con las 17 mil entradas, totalmente vendidas para las tres jornadas.

Desde el viernes 29, «Adiós hermano Cruel» continuará presentándose en el teatro Opera de Buenos Aires.

Será la última gran producción del artista, en la etapa previa a su retiro de la actividad, prevista para el 22 de diciembre de 2007, cuando cuente 40 años de edad (cumplidos en marzo del año que viene), porque «quiero dedicar mi tiempo libre a hacer nada, y después veré lo que sienta ganas de hacer», dijo hoy aquí, antes del ensayo general de la pieza, que ofrecerá desde mañana.

«Quiero tener tiempo para mí», reiterando una frase que viene expresando desde que tomó la decisión de dejar de bailar. «Quiero tomar un barco e irme por el mundo, conocer acá o allá. Estar un día o un mes en un lugar, pero sin ningún plan. También me gustaría ir un poco más a Nueva York», puso como ejemplo.

Acotó sentirse «cada vez más contento», con la decisión adoptada, a pesar de «me siento bien arriba del escenario y veo que puedo seguir haciendo las cosas, pero no se me pasó por la cabeza, dar marcha atrás», afirmó este mediodía en conferencia de prensa.

Acompañan a Bocca la Primera Bailarina Eleonora Cassano y la compañía Ballet Argentino, que debido a la exigencia del reparto ha sumado en esta oportunidad a varios bailarines a sus filas, entre ellos cuatro jóvenes de entre 13 y 16 años que interpretan los roles de los protagonistas en su adolescencia.

El guión de la obra es de Elio Marchi, la música de Lito Vitale y la coreografía de Ana María Stekelman. El vestuario fue creado por Renatta Scussheim y la escenografía por Tito Egurza.

«Adiós hermano cruel es muy fuerte. Es el amor de dos hermanos. Ella queda embarazada y al final la tengo que matar. Es un drama, pero acá el drama gusta», explicó el bailarín refiriéndose a su papel.

«Es un tema que quizás ocurre en la vida real. La obra habla de un amor que aparece una sola vez y es hasta la muerte. Toca lo que es el amor, no importa hacia quién sea sino lo que uno siente», sintetizó finalmente el artista.

Sigue la gira de Argentino

Maximiliano Guerra continúa presentando en el interior del país su nuevo espectáculo, Argentino . Junto al Ballet del Mercosur, el bailarín subirá a escena mañana, en Rosario y, el domingo, en la ciudad de Rafaela.

Acompañado, lanzó su libro Eliaschev

Emotiva presentación

Reunió a políticos, periodistas y escritores

Joaquín Morales Solá, Pepe Eliaschev y Jorge Fontevecchia

 Unas 500 personas, entre ellas políticos, periodistas, empresarios, escritores, historiadores y público en general, aplaudieron de pie la presentación de Lista negra. La vuelta de los70, el último libro del periodista Pepe Eliaschev, publicado por Sudamericana.

El acto se realizó en el aula magna del Colegio Nacional de Buenos Aires, del que Eliaschev fue alumno. «Más que la presentación de un libro, pareció un gesto de desagravio», dijo el periodista, cuyo programa Esto que pasa fue levantado de Radio Nacional en diciembre pasado, después de veinte años de estar en el aire.

Su colega Joaquín Morales Solá calificó el libro de valiente: «Critica al presidente Kirchner por convertir a los guerrilleros de los años 70 en patriotas y héroes épicos», dijo. Elogió su escritura y lo calificó de entretenido y señaló que el texto tiene la virtud de denunciar a los que hoy ordenan la censura y a los que ejecutan esas órdenes. El libro, dijo, pone de manifiesto que entre los dirigentes de los grupos subversivos que actuaron en los años 70 no había «patriotismo ni ética».

El periodista y editor Jorge Fontevecchia contó que le sugirió a Eliaschev la escritura de este libro porque -explicó- el levantamiento del programa radial mostró el conocido conflicto entre la producción de contenidos y su distribución. «Un clásico conflicto de poderes sobre quién controla lo que se va a decir», afirmó Fontevecchia.

Describió a Eliaschev como dueño de una «bravura pacifista, propia de un buen periodista».

El autor agradeció el impulso que le dio Fontevecchia para escribir Lista negra y contó que tuvo que superar la tentación de quedarse en lo superficial para poder llegar a las raíces de la violencia y el autoritarismo.

Eliaschev dijo a LA NACION que se sintió conmovido ante la cantidad de personas que congregó la presentación de su libro y se manifestó sorprendido por su heterogeneidad. Entre ellas había, también, gran cantidad de oyentes de su programa.

El momento más emotivo del encuentro llegó cuando el rabino Sergio Bergman, como otros entre el público, tomó la iniciativa de dirigirse a Eliaschev. Bergman bendijo al autor y destacó que su tono periodístico era profético y que, como lo demuestra la historia, «a los profetas nunca les fue bien».

En el aula colmada estaban, entre otros, el ex presidente Raúl Alfonsín; los políticos Ricardo López Murphy, Luis Brandoni, Aníbal Ibarra, Florentina Gómez Miranda, Federico Pinedo, Eduardo Macaluse, Margarita Stolbizer, Patricia Bullrich; el ex juez de la Corte Suprema Gustavo Bossert; los periodistas Luis Majul, Víctor Hugo Morales, Fernando Bravo, Pablo Sirvén, Luisa Valmaggia, José Ignacio López, Carlos Ulanovsky y Alfredo Leuco, y los escritores Alvaro Abós, Ignacio García Hamilton, Horacio Salas, Eduardo Belgrano Rawson y Beatriz Sarlo.

EN LA COPA DAVIS , MARADONA SIEMRPE ESTÁ. diego…diego…

 

Diego Maradona presenció hoy en el estadio de Parque Roca la jornada inaugural de la serie que sostienen la Argentina y Australia, por una de las semifinales de la Copa Davis.

A Hewitt no le vamos a hacer absolutamente nada. Se vino con guardaespaldas porque se creía que vivimos con arcos y flechas, pero somos un país civilizado

— Diego Maradona

El ex jugador, vestido con una camiseta del seleccionado argentino de fútbol y una bermuda oscura, llegó al Parque Roca a las 11, a bordo de una Jeep Cherokee negra conducida por su ex esposa Claudia Villafañe. Debido a que llegó a instantes del comienzo del partido que David Nalbandian le ganó a Mark Philippoussis, Maradona no hizo declaraciones y sólo se detuvo para darle un beso a unos chicos y después fue a buscar su ubicación dentro del estadio.

Ubicado en uno de los palcos vip, Maradona alentó, sufrió y festejó, con sus clásicos gestos ampulosos, cada instante de ambos partidos como uno de los tantos hinchas argentinos que poblaron las tribunas del estadio de Parque Roca.

Antes del comienzo del partido que José Acasuso jugó contra Lleyton Hewitt, Maradona se cambió la camiseta argentina por una remera blanca que tenía la inscripción ´Chucho´ (en referencia al apodo del tenista misionero).

«Que Diego este acá es increíble y un orgullo, no sólo para mí, sino también para todo el equipo. Es un privilegio tenerlo a él y a otras figuras que vi por ahí. Eso demuestra que el tenis es cada vez más importante», señaló David Nalbandian.Mientras tanto la gente, como sucede en la cancha de Boca, entonó el «Ole.ole.ole..Diego.Diego».

 

 

Ventaja argentina

El Blog de la Davis

ENTREVISTA A LA ACTRIZ DE «AMAS DE CASA DESESPERADAS» ROMINA GAETANI …

Romina Gaetani: «No sé si quiero actuar toda mi vida» 

Graba 12 horas por día «Amas de casa desesperadas», la serie de Canal 13, pero dice que no es amiga de ninguna de sus compañeras. A pesar de que la encasillan en papeles sexies, tiene mucha confianza en ella como actriz. Pero su sueño es ser cantante de rock, para lo que estudia canto, compone y ensaya con Fena Della Maggiora, de quien aclara que no es la novia.

Tarda en llegar Romina Gaetani. Primero lo literal: llega una hora más tarde de lo previsto. Después, la metáfora: la que viene ahí es la figura de televisión, la actriz peinada, maquillada, con asistente de vestuario, agente de prensa, auto caro, y disculpame la tardanza, dice, me quedé (re) dormida. Saluda y pregunta dónde van a ser las fotos y muy profesional posa contra una pared de callecita de Palermo Viejo, y se la ve un poco lánguida y otro poco como la modelo que pudo ser o como la mujer fatal de su Amas de casa desesperadas (Canal 13).

UNA PROFESIONAL. Romina sabe cómo posar frente a cámara. En música, se define como «ricotera».

Después camina rapidito rapidito y alguien que se enamoró catódicamente de ella en Soy gitano, dice qué fuerte está y que la mataría y ella avanza, un dos, un dos, y encima lleva puestos unos borcegos que envidiaría Aldo Rico, y en el bar pide otra vez disculpas y esta vez va al baño para cambiarse el vestuario y ordena un café con leche y una asistente le dice que tiene que estar en Pilar dentro de una hora y media… Demasiado rap por tratarse de un martes diez y pico de la mañana.

«Hola», dice frente a su café con leche y empieza a contar que tiene los horarios alterados porque anda ensayando a deshora con su banda de rock.

¿Hola?

¿Rock?

Con el segundo saludo y el desayuno empieza a llegar la chica de 29 años que nació en San Martín y que se venía en tren a la Capital para fatigar productoras, un currículum acá, un casting allá. «La música es una debilidad, por ahora un proyecto». Hablar con una aspirante a intérprete y compositora puede ser más ameno que dialogar con una figura dela tele, así que la escuchamos decir que siempre fue muy ricotera, que sigue al Flaco Spinetta, a Fito Páez. «Mi palo es el rock».

¿Y andás estudiando música?.

Estudio canto desde los 17, de hecho arranqué en una comedia musical con Pepito Cibrian y ahora, entre los ensayos de Amas de casa…, estamos formando una banda con el stickista y bajista Ricky Sáez Paz (ex Siete Delfines). Y tomo clases de canto y de guitarra con Ulises Butrón (ex Metrópoli).

Parece que en el ambiente no es un secreto que a la chica de las curvas le gusta cantar y hace unos meses un productor le propuso grabar un disco para un sello importante. ¿Y? «No, les dije que no, gracias. Me pareció un negocio. La oferta económica era impresionante, pero yo respeto a la música tanto como la actuación: creo que el arte no debe tomarse con liviandad. Si todavía no tengo el disco en la calle, es porque no quiero. Y si no quise es porque no me la hubiera creído. Además, me ofrecían un repertorio que no me convencía para nada», dirá sin mencionar ni uno solo de los autores ofrecidos. «A mí me gusta Fabiana Cantilo —tira una pista—. Es un referente. Canté con ella y me dijo que le diera para adelante. Copada Fabi».

Así que un día tal vez dejes la actuación para convertirte en cantante…

No sé si quiero actuar toda mi vida… Como actriz empecé a subir escaloncito por escaloncito y si aspiro a meterme en el mundo de la música tengo que hacerlo bien. Recién estoy componiendo, eligiendo canciones.

¿Componés?

Escribo, sí, es un ejercicio que me gusta. Una canción que hice trata sobre no tener miedo a concretar los sueños e intentar ser como realmente uno es, más allá de lo que la sociedad te imponga. ¿Otra? Otra habla de amores y separaciones. Me gustan las historias. Los chicos de La Bersuit también me están dando temas, y con Fena (Della Maggiora) estamos juntándonos para grabar algunas cosas…

Con Fena, tu novio…

Nunca fuimos novios (desmiente sin estridencias). Hay periodistas que publican cualquier cosa. La historia es que me invitó a cantar con él y encima andamos grabando juntos. Si te ven tres veces seguidas con alguien, pasa algo. Y antes de que lo preguntes, te cuento que no estoy en pareja. No volvió a aparecer la persona que me enamorara. Estuve saliendo tres meses con (el empresario) Diego Dalvia, a quien conocí de casualidad en un Creamfields, y antes venía de una relación larga que fue hace dos años. Después, nada importante.

No bien terminó el secundario, hizo un curso de modelo. Mientras, tomaba clases de teatro con Alejandra Boero. En ese pasado ligado remotamente a las pasarelas y las promociones, hubo fotos, books y participaciones en distintas publicidades. Nada para recordar.

«No encajaba, no daba el prototipo, pesaba 50 kilos. Además, en ese momento tuve algunos desarreglos alimentarios.

¿Hablás de bulimia o anorexia…?

No llegué a eso, si no lo diría, no me daría ninguna clase de vergüenza. Fue un desarreglo típico de los adolescentes en etapa de desarrollo. Te la hago corta (por no decir pasemos a otro tema), nunca me interesó ser modelo: es un mundo que, por lo poco que lo exploré, no comparto para nada.

Y lo sigue aclarando hasta la subestimación del 90-60-90, y lo hace -siempre- con la actitud de yo-dejé-la-modelo-y-no-al-revés.

Sin embargo, la televisión compró su imagen de chica atractiva. En Amas de casa, por ejemplo, compone a una femme fatal y no hay que hacer un ejercicio de memoria para recordar que durante los tiempos de Soy gitano abundaron en las revistas sus producciones de chica sexy.

En algún punto es como si no te dejaran despegar de aquella aspirante a modelo de los comienzos. ¿Eso te molesta, te genera algún tipo de presión extra?

No me siento presionada, porque confío en mí como actriz. Es cierto que ahora quisieron que volviera a recurrir a lo sensual de Soy gitano, pero este papel comparado con el de aquella tira, tiene pasos de comedia. Me veo, y pese a que estoy ajustada, ajustada, con la ropa bien marcadita, la interpretación me causa gracia. Más que sexy, te diría que me siento súper ridícula. Por suerte sé que puedo hacer cosas que estén al margen de cierto costado sensual. En Cinco mujeres para un mismo vestido (la obra de teatro que dirigió Norma Aleandro), era una borracha, un mamarracho. Y en los dos capítulos que grabé para Mujeres asesinas, también quedó de lado la cosa sensual.

¿Cuánto de tu carrera está asociado a la belleza y cuánto al talento?

La belleza no se sustenta si no hay algo detrás. Además, yo no soy de esas las que le gusta trabajar de linda.

O sea que el cuerpo no es el instrumento.

El cuerpo es mi instrumento, sí. Si mañana tengo que hacer una comedia musical, para cantar y bailar debo usar el instrumento; por eso me cuido, hago deporte, como sano, buceo, hice yoga…

Y como yoga pega con Osho dice que estudia metafísica y que a fin de año piensa viajar a la India. Cuenta que estuvo en el Machu Picchu y habla de viajes iniciáticos. «No sé qué voy a buscar. Tal vez —sonríe— un encuentro con un maharishi. Quién sabe.

 

«No me engancho con la locura del rating»

LAVANDERA. Romina, en el rol de Carla, como se la vio anoche en «Amas de casa».

¿Por qué cambió de día «Amas de casa deseperadas?

¡¿Cambió de día?!

¿No sabías?

No, ni idea. Me estás dando una noticia.

Pensaba preguntarte si el cambio podía responder a un mérito de la competencia, pero por lo visto no vivís muy pendiente del minuto a minuto y esas cosas.

Yo estoy pendiente de la continuidad de trabajo, porque es comida para mí y para todos, pero no me engancho con la locura del rating. Eso se lo dejo a los productores. Cada tanto termino de grabar y pregunto si está todo bien y como siempre me dicen que sí, entonces listo, basta para mí.

Pero sabrás que arrancaron con 30 puntos de rating y fueron bajando. ¿A vos te parece que eso pueda tener que ver con que una copia tan fidedigna de la serie norteamericana no encaje con los gustos del argentino promedio…?

Amas de casa es una propuesta muy americana. Es algo muy diferente para nuestra televisión de aire. Eso puede jugar a favor, pero también podés no engancharte con la propuesta. Quizás la tira apunta a un público más de Sony, pero a mí me parece muy interesante.

Vos tenés experiencia en tiras. En 12 hora de trabajo diarias, la convivencia puede que derive en nuevas relaciones de pareja, ¿también aparecen buenas amistades?

Yo no trato de buscar amigos en el laburo. Es cierto que pasás tantas horas que quizás exista química, pero me conformo con se imponga la buena onda. Y cuando no sucede, a bancársela y ser profesional… De Chiquititas, el primer trabajo que tuve, puedo decirte que con Patricia Sosa, ¡otra vez el rock! —se ríe de la coincidencia—, somos amigas. Con Facundo Arana (compañero de Yago, pasión morena) también pegamos muy buena onda.

¿Y en el elenco de las amas de casa con quién pegaste buena onda?

¿Con este elenco? No, con nadie en particular. No es que salgamos de grabar y quedemos para ir al cine… Ese tipo de planes prefiero seguir haciéndolos con mis amigas del secundario. Mis amistades, por lo general, son de ambientes extralaborales.

El teatro y el cine, caminos distintos

 

CINCO MUJERES CON UN MISMO VESTIDO. La obra en la que la dirigió Aleandro.

 Hace un mes terminó la gira con Cinco mujeres con un mismo vestido, la obra donde actuó a las órdenes de Norma Aleandro. «¿Y qué te puedo decir? La experiencia fue fantástica: la gira, algo que no conocía, la obra —porque nunca había hecho comedia—, y encima trabajar con Norma. Fue un entrenamiento, cómo explicarlo (y hace una ademán de algo grande como un mamut), fui muy feliz», resume.

Hace poco Aleandro dijo que no hacía castings, porque le parecía una falta de respeto no conocer a los actores argentinos. El hecho de haberte elegido debió haber sido un guiño estimulante.

Obvio. Que te llame la persona que admirás es un sueño. Te digo más: si la obra no me hubiera interesado, tratándose de Norma la hubiera hecho igual.

En teatro también actuó en Seda (con Jorge Suárez y la dirección de Francisco Javier). Haber aceptado esa propuesta le impidió debutar en cine.

«Me llamaron para hacer una película que se estrenó con actores conocidos, pero dije que no: preferí hacer hacer Seda, pese a saber que no era una obra fácil o marketinera. No sé si la viste, pero no era una obra fácil».

¿El cine no te seduce?

No tengo apuro por el cine, aunque siga siendo un lugar desconocido y me dé curiosidad. Prefiero hacerlo si lo que me proponen puede hacerme crecer, algo así como los capítulos de Mujeres asesinas.

¿Los unitarios son el espacio en que las actores se permiten mencionar la palabra prestigio cuando se trata de televisión?

Es un lugar donde uno puede trabajar un poco más y no está improvisando tanto como en la tira. En la tira por ahí te repetís y el teatro a mí me sirve para terminar con los estereotipos.

De lo que ya vimos de Romina Gaetani en televisión, ¿qué fue lo que más te gustó?.

Un capítulo de Mujeres asesinas que hice con Carla Peterson. Creo que ese es uno de los puntos altos de mi carrera. O Cinco mujeres…. Allí me decían: «No te veías linda», «hacías gestos raros», «me costó reconocerte». Un halago.

QUE «CHUCHO» Hewitt

CHUCHO. José Acasuso está invicto tras tres partidos en la Davis

 CUANDO LA LLUVIA LE DIO RESPIRO A Lleyton Hewitt LA FESTA  SEGUIRÁ MAÑANA POR LA MAÑANA –