LA ARGENTINIDAD….. AL PALO

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Archive for 3/12/06

“La Verdad Incomoda” una película a recomendar

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

 

“LA VERDAD INCÓMODA”
Beneficio exclusivo para la gente de Greenpeace

Estimado/LA ARGENTINIAD*,

Ya está en cartelera la película “La Verdad Incómoda”. Con evidencia científica, Al Gore, quien fuera vicepresidente de los Estados Unidos, demuestra que de no cambiar las tendencias en emisión de gases que ocasionan el calentamiento global, vamos hacia una crisis global sin precedentes.

Te invitamos a verla ofreciéndote una promoción que vale la pena aprovechar, con la que podrás ver “La verdad incómoda” en los cines de la cadena Hoyts cualquier día de la semana a precio de miércoles.

Tan solo imprimí el flyer de la película haciendo click aqui o copiando y pegando el siguiente link en tu explorador de internet: http://www.greenpeace.org/raw/image_orig/argentina/cambio-climatico/la-verdad-inc-moda/flyer-del-film-la-verdad-inc.jpg
y presentalo en cualquiera de las boleterías de la cadena Hoyts en donde se esté proyectando “La Verdad Incómoda”.

No dejes pasar esta oportunidad.

Saludos Cordiales,

http://www.greenpeace.org/raw/image_orig/argentina/cambio-climatico/la-verdad-inc-moda/flyer-del-film-la-verdad-inc.jpg

 

Juan Casavelos
Coordinador Campaña de Energía
Greenpeace Argentina

 

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“Reforma de la Constitución de la Pcia. de Santa Fe”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Charla – Debate

“Reforma de la Constitución de la Pcia. de Santa Fe”

 

Panel:

Dr. Fabián Leoni (Constitucionalista)

Diputados Provinciales ARI:  Alicia Gutierrez, Verónica Benas y Aldo Strada

Panel:

Dr. Fabián Leoni (Constitucionalista)

Diputados Provinciales ARI:  Alicia Gutierrez, Verónica Benas y Aldo Strada

Lunes 4 de diciembre               

 19 hs.

Organiza : Comisión de Asuntos Institucionales –

ARI Rosario

Sede de Gobierno de la UNR         Maipú 1065

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Subirían la edad mínima de la mujer para casarse

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Para la legisladora Marcela Rodríguez, autora del proyecto y representante del ARI, la propuesta busca terminar con el concepto patriarcal que imperó durante décadas en la Argentina.

Un proyecto de ley en la Cámara de Diputados propone elevar de 16 a 18 años la edad mínima de las mujeres para contraer matrimonio civil con el fin de equipararla con los varones y así terminar con un “concepto patriarcal”, que imperó durante décadas en la Argentina.
“El desarrollo integral de las mujeres y su participación activa en todos los ámbitos de la sociedad obligan a cambiar estos parámetros y las expectativas sobre su rol, que no puede depender de su capacidad reproductiva sino que debe considerar su plenitud intelectual y emocional”, argumentó Marcela Rodríguez (ARI), autora de la iniciativa.
El proyecto está en tratamiento en la comisión de Legislación General de la Cámara baja, donde también se discute la media sanción que dio el Senado a una propuesta para bajar de 21 a 18 años la mayoría de edad.
La iniciativa de Rodríguez que acompañan otros diputados del ARI sostiene que “la menoría edad fijada para las mujeres responde a concepciones patriarcales” y roles tradicionalmente asignados a varones y mujeres que responde a la madurez biológica para procrear.
El Código Civil en el inciso quinto del artículo 166, indica entre otros impedimentos para contraer matrimonio, que la mujer no tiene que tener menos de dieciséis años y el hombre menos de dieciocho.
Según Rodríguez, “se establecen distintas edades porque la idea de fondo es que las mujeres deben procrear y criar a los hijos y limitarse a las tareas domésticas, y los hombres deben asegurar el mantenimiento económico”.
La diputada señala que hoy en día “el desarrollo integral de las mujeres y su participación activa en todos los ámbitos de la sociedad obligan a cambiar estos parámetros y las expectativas sobre su rol, que no puede depender de su capacidad reproductiva sino que debe considerar su plenitud intelectual y emocional”.
El proyecto estima que el trato diferenciado fundado en el género del régimen vigente constituye una discriminación ante la ley de varones y mujeres que está prohibida en la Constitución Nacional y en tratados internacionales que gozan de jerarquía constitucional.
Por eso, Rodríguez y los otros firmantes de la iniciativa dicen que el texto apunta a equiparar la edad mínima de varones y mujeres para casarse con el fin de cumplir con obligaciones internacionales asumidas por el Estado y “asegurar un régimen equitativo de derechos y posibilidades de desarrollo personal de las jóvenes”.
Si bien la igualdad ante la ley podría alcanzarse también disminuyendo la edad mínima de los varones a 16 años en vez de elevar la de las mujeres a 18 años, la autora del proyecto considera que esta última posibilidad es la solución más adecuada.
Subir la edad mínima para contraer matrimonio a 18 años en todos los casos para los diputados que avalan la propuesta, tiende a asegurar que las jóvenes tengan madurez emocional e intelectual suficientes para expresar su consentimiento al matrimonio, de forma tal que el consentimiento sea libre y pleno.
También el proyecto precisa que la equiparación hacia arriba de la edad mínima para casarse contribuye a evitar consecuencias negativas del matrimonio precoz, como los riesgos a la salud que generan los embarazos prematuros y las menores posibilidades de educación, capacitación y desarrollo personal y laboral.

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Sociedad conyugal y tareas domésticas

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Es sabido que no siempre las buenas intenciones producen buenos resultados. La labor que están desarrollando últimamente algunos miembros de la Cámara de Diputados de la Nación que pretenden legislar sobre esferas demasiado particulares de la vida conyugal lleva a esta conclusión.

La irrupción de la mujer en el mercado laboral en las últimas décadas mejoró sus perspectivas de desarrollo profesional y personal, pero fue insuficiente para obtener un reparto más equitativo de las tareas domésticas y de crianza de los hijos. Estos han sido los fundamentos que le permitieron a la diputada Marcela Rodríguez (ARI-Buenos Aires) presentar un proyecto de ley que propone modificar el artículo 199 del Código Civil, referido a los derechos y deberes de los cónyuges, incorporando sólo una frase: “[Los esposos] deben, además, compartir las responsabilidades domésticas y el cuidado y la atención de sus hijos”.

Esta iniciativa mereció el dictamen favorable de las comisiones de Legislación General y de Familia, Mujer, Niñez y Adolescencia de la Cámara baja, por lo cual está en condiciones de ser tratada en el recinto.

Como ya se expresó muchas veces desde estas columnas editoriales, todo lo que se haga para igualar el tratamiento que la sociedad concede a sus miembros de ambos sexos ha de ser aplaudido y estimulado. Pero esta última iniciativa plantea algunas dudas razonables. En primer lugar, si bien se debe ser claro en el enunciado de las mutuas responsabilidades de los cónyuges, da la impresión de que el cuidado y la atención de los hijos ya han sido contemplados en todas sus posibilidades por nuestro Código Civil y, justamente por eso, hay establecidas penalidades para aquel cónyuge -hombre o mujer- que no cumpliera con ello.

Pero con respecto a compartir las tareas domésticas, que es el tema en el cual más directamente parece innovar la iniciativa de la diputada Rodríguez, no aparece tan claramente pertinente esa especificación. Según la legisladora, “en la gran mayoría de los casos, las mujeres deben asumir una doble jornada laboral y repartirse entre las ocupaciones o tareas rentadas, y las propias del hogar. Además de atentar contra la igualdad real dentro del matrimonio y de la relación de pareja, esta división sexual del trabajo doméstico disminuye las posibilidades de las mujeres de inserción y crecimiento en el ámbito laboral”.

Estos conceptos han despertado distintas reacciones en nuestra sociedad. En primer lugar, algunos lo tomaron con humor y hasta aprovecharon la ocasión para hacer todo tipo de chistes, como por ejemplo si las diferencias irreconciliables a la hora de elegir marcas de detergentes y jabones de baja espuma se transformarían en causales de divorcio. Muchos, en cambio, aun reconociendo las buenas intenciones de la iniciativa, se preguntan cómo podrá hacerse exigible jurídicamente, es decir, si de convertirse en ley puede pasar de lo meramente “declarativo” a su aplicación -pruebas y testigos mediante- en una causa de divorcio, por ejemplo. Otros, por fin, se manifiestan absolutamente en contra de un proyecto que para ellos estaría acabando con las cada vez más restringidas libertades individuales consagradas por la Constitución.

Y ése es precisamente el punto más controvertido de esta presentación. Llevados quizá por la moda o la tendencia de hacer lo “políticamente correcto”, nuestros legisladores parecen dispuestos a legislar sobre todo lo legislable, incluso a riesgo de parecer ingenuos o resultar ignorantes de una realidad palpable: la constitución de los hogares modernos ha cambiado muchísimo, sobre todo en la Argentina, con lo cual no sólo las tradicionales tareas domésticas están repartidas entre los cónyuges, sino que incluso se han invertido: cada vez más, entre las parejas jóvenes, las mujeres salen a trabajar y los maridos suelen cuidar de los hijos y realizar las principales tareas del hogar.

Cuando un hombre y una mujer deciden emprender juntos el camino de la vida saben que esto implicará compartir todas las cuestiones que hacen a la convivencia y que las pruebas han de ser muchas y de todo tipo. Y es cierto que no todas las parejas lo logran. Pero es en la intimidad y la privacidad del hogar donde muchas de esas cuestiones se dirimen y por ello es prácticamente imposible que, incluso con la mejor voluntad, los legisladores pudieran llegar a abarcar todas las situaciones que realmente suceden.

Además, las sociedades actuales también han sido alcanzadas por los cambios incesantes. Legislar debe ser siempre ir un poco más allá de lo que ocurre aquí y ahora, y esa cualidad distingue a los verdaderos estadistas. No vaya a ser que, una vez aprobada la ley, no exista ya la situación para la cual fue dictada.

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Binner sigue marcando la cancha con el perfil de su vice

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Paralelamente, los dirigentes del ARI Pablo Javkin, Carlos Comi, Susana García y Nire Roldán lanzaron la Mesa Carrió Presidente 2007. Participaron del acto militantes de Rosario y el sur de la provincia, quienes rubricaron un documento manifestando un explícito aval a la candidatura de Binner a la Gobernación. Lilita estará en la ciudad a mediados de noviembre.

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Dura crítica de Carrió a la posible candidatura de Scioli en la provincia

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Yo no puedo ser un motonauta polifuncional”, dijo

La líder del ARI, Elisa Carrió, tuvo palabras para la sorpresiva candidatura a la gobernación de la provincia de Buenos Aires del vicepresidente Daniel Scioli. “Yo no puedo ser un motonauta polifuncional. A este engaño a los electores se prestan los hombres que no honran a la patria. La patria es honrar a la tierra y este tipo de conductas la deshonran”, explicó la líder del ARI que cerró el año con una cena con dirigentes y militantes marplatenses. Más de 200 personas concurrieron a la sociedad de fomento Bernardino Rivadavia donde escucharon un encendido discurso de la diputada nacional.
Dirigentes, militantes y adeptos escucharon atentamente el discurso encendido de Carrió en el cual elogió la conducta del pueblo de Misiones y criticó con vehemencia al oficialismo.
Cerca de las 22.30 del viernes y acompañada por la secretaria general del ARI Elsa Quiroz, Elisa Carrió ingresó al salón de la sociedad de fomento Bernardino Rivadavia donde alrededor de 200 personas la esperaban para compartir la cena de cierre de 2006.
En referencia a uno de los acontecimientos políticos del año que mereció un párrafo aparte por la dimensión simbólica que alcanzó, Carrió destacó “la dignidad” del pueblo de Misiones que “no se dejó engañar por el aparato de dinero y poder y que mostró a un gobierno omnipotente que se puede resistir con dignidad y con la paz”.
Luego de un detallado repaso por la historia política argentina en el que resaltó la conducta de los próceres que con aciertos y equivocaciones se brindaron a la patria, Carrió aseguró que se está en la cuenta regresiva de la caída de un régimen. “Y cuando llegue la hora habrá que estar a la a altura de las circunstancias para refundar la república. Una república con un piso de igualdad para que pueda ser libre”, explicó la diputada nacional.
Con preocupación la líder del ARI analizó la situación caótica desatada alrededor de la instalación de las papeleras en el Uruguay y advirtió que se debe solucionar el problema del medio ambiente y la contaminación sin confrontar con los uruguayos: “que los errores del Gobierno y que el conflicto con las papeleras no transforme en enemigos a nuestros hermanos uruguayos”, proclamó Carrió ante los comensales.
Por último, un representante de la juventud del ARI Mar del Plata -un grupo de jóvenes que realizan trabajos comunitarios en los barrios de la ciudad y se preparan para la dirigencia política-, brindó un discurso en el cual enfatizó la voluntad de crear un espacio político alternativo donde día a día se pueda construir un nueva república. La líder del ARI aplaudió la iniciativa y destacó la impronta de la juventud como eje esencial en la reconstrucción de un país.

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Foro por los Derechos del Niño: el juez Marcelo Giacoia disertará en un nuevo encuentro

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

La charla tendrá lugar el próximo martes a partir de las 15 en el ex Instituto Martín Rodríguez. El debate sobre violencia en niñez y adolescencia con el Juez de Menores del departamento judicial Mercedes será abierto.

Desde hace algunos meses funciona en la ciudad el Foro Municipal por los Derechos del Niño, el cual está integrado por diferentes representantes de las instituciones locales.

Las actividades no se detienen, y en estos momentos sus integrantes se encuentran en plena organización de una jornada que estará a cargo del Juez de Menores del Departamento judicial Mercedes, doctor Marcelo Giacoia.

La misma tendrá lugar el próximo martes en las instalaciones del ex Instituto Martín Rodríguez, y su comienzo está previsto para las 15 horas.

Al respecto la concejal del ARI Claudia Lucero -integrante del Foro Municipal- indicó que el encuentro será abierto a todo público y puntualmente a las instituciones que estén ligadas con los menores.

En cuanto al temario informaron que girará en torno a la violencia con la niñez y adolescencia. “Es similar a las charlas que se dictan en los establecimientos educativos de la ciudad, pero esta vez para toda la comunidad”, explicó la edil Claudia Lucero y señaló que este tipo de encuentro es en pos de que se ponga en vigencia o se gestione el armado del servicio local que tendrá la posibilidad de delinear políticas en relación a los menores.  

 

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ESPECIAL VIDEOS DE SORAYA

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006










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Las curiosidades de Los Simpsons

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Homero, Marge, Bart, Lisa y Maggie son los integrantes de esta familia animada con temática para adultos que en sus episodios esconden diversas curiosidades que aquí le contamos

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Aunque parezca increíble y ahora sea un éxito a nivel mundial, la serie de dibujos animados Los Simpsons comenzó a emitirse inicialmente el 19 de abril de 1987 en una especie de cortos creados para el ciclo The Tracey Ullman Show que apenas duraban dos minutos.

A partir 1989 empezó a tener su propio espacio y desde ese momento jamás dejó de emitirse ni de producir nuevos episodios, incluso ya se encuentra en pre producción la película, la cual se estrenará mundialmente el 27 de julio del próximo año y llevará por titulo The Simpson´s Movie.

Pero detrás de la extraordinaria familia amarilla se esconden varios secretos y curiosidades como que Maggie nació el 19 de agosto de 1985, y Bart el 17 de diciembre de 1979 aunque su creador, el genial Matt Groening, aseguró que los personajes no crecen.

Según Groening, Springfield es una zona ficticia y su nombre se debe a que era la ciudad más próxima a Portland, Oregón, lugar donde vivió de pequeño y la dirección Evergreen Terrace (Avenida Siempre Viva), 742, está inspirada en la calle donde se ubicaba su hogar, no obstante en algunos episodios la numeración varía.

Sin embargo el director y productor de la serie, David Silverman, afirma que Springfield se encuentra en el estado de North Takoma ya que en el capítulo Lisa goes to Washington (Lisa va a Washington) la dirección en la carta de Los Simpson es Evergreen Terrace, 59, Springfield, TA, refiriéndose a Takoma mientras que la matrícula del coche de Homero exhibe las siglas NT, en clara alusión a North Takoma.

En la agenda del director de la Escuela Primaria, Skinner, el número telefónico de Los Simpson era 555–6528 y el del la planta nuclear, lugar donde Homero trabaja, era 555–7334 mientras que en la segunda temporada los dígitos cambiaron a los de 555–6832 y 555–6754 y en la tercera durante el episodio de Mr. Plow fue el 555–3223 en casa y 555–3226 en el trabajo.

Originalmente Homero, el protagonista favorito de la serie según una mega encuesta realizada en Internet, tenía tres pelos pero en el episodio donde Marge le confiesa que está esperando a Maggie se arranca uno de sus cabellos quedándole los dos habituales.

Los nombres de Los Simpson provienen de la propia familia de Groening, su padre y su madre se llamaban Homer y Margaret, sus hermanos se llaman Mark, Patty, Lisa y Maggie y sus dos hijos se llaman Homero y Abe.

El apellido de soltera de la madre de Matt es Wiggum, igual al del jefe de policía, mientras que el resto de los personajes reciben su bautismo inspirados en las calles de su Portland natal como Flanders o Quimby (Alcalde Diamante). Por su parte Milhouse Van Houten se lo debe al ex mandatario norteamericano Richard Milhous Nixon.

“Bart adquirió su segundo nombre de una sesión de doblaje, cuando Nancy Cartwright (que hace la voz de Bart) tenía que leer una línea de diálogo que decía `…o mi nombre no es Bartholomew J. Simpson´. Le pregunté qué significaba la J y contestó: `Jo-Jo´, riéndose, el resto de los segundos nombres de los hombres Simpson, como el de Homer que es Jai, empiezan por la letra J, ello obedece a un homenaje a Bullwinkle J.


Moose y Rocket J. Squirrel”, declaró Groening.

Mientras Matt aguardaba en la sala de espera de la oficina de James Brooks la confirmación de una historia creó a los Simpson en tan sólo quince minutos, tal vez sin pensar que se convertirían en una de las familias más célebres del universo.

Gracias Madrileño  JOAQUIN

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Los números de Clorindo por Alicia de Arteaga

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

A partir de un cuaderno del jardín de infantes el artista recrea de manera gestual una historia que termina en el número diez, el mismo que marca la fecha de su nacimiento

 ¿Arquitecto o pintor? Poco importa la respuesta en el caso de Clorindo Testa, que desde el jueves expone en galería Del Infinito sus últimos trabajos. Son acrílicos sobre papel inspirados en los primeros números, los que aprendió en el jardín de infantes Montessori cuando era un chico.

Nacido en Benevento (Italia), en 1923, llegó con cinco meses a la Argentina en brazos de su padre, un médico impulsado a la conquista de América por un pariente cura que finalmente dejó los hábitos y tuvo dos hijos a los que bautizó Eolo y Príamo.

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Cualquier detalle que se filtre en la conversación con Clorindo inspira una de esas salidas inesperadas, reveladores de la inteligencia y el sentido del humor del arquitecto que proyectó la Biblioteca Nacional en los sesenta y la terminó en 1992. Esa obra eterna, demorada de manera inxplicable -en el ínterin se levantó ATC, hoy cana 7- es una triste metáfora del lugar de la cultura en la Argentina.

En los tempranos cincuenta, Clorinto Testa ganó su primer concurso con Rossi, Davinovic y Gaido, para levantar el edificio de la Cámara Argentina de la Construcción. Un año después colgó su primera exposición en la galería Van Ryel, hecho que confirma los caminos en paralelo; en su doble vocación siguió los pasos de Miguel Angel y Le Corbusier. Proyectar y pintar al mismo tiempo ha sido la columna vertebral de su vida.

En esta muestra, el punto de partida es el cuaderno del jardín donde aprendió hasta el número 10 y a escribir “Mama me ama”. Prologa el recorrido de la exposición un curriculum vitae, que consigna de manera detallada sus años de formación:desde el jardín en el Montessori, la Escuela Argentino Modelo; los colegios Roca y Regina Marguerita y Principe Umberto de Savoia y Champagnat, hasta la graduación de arquitecto, en la UBA, en 1948.

El CV, el cuaderno y los papeles actúan como un todo, una instalación que deconstruye la operación determinante del acto creador. Puede ser un libro, un objeto o un recuerdo lo que activa el dispositivo interno y todo vuelve a empezar como la primera vez. Para Testa siempre se repiten los mismos temas, trazos y obsesiones, sean números, cuadrados, rectángulos o esferas, iguales a los que hacía cuando niño con las chapas caladas en el jardín Montessori.

Trabaja de pie, frente al papel extendido sobre la mesa y deja que la pintura, en muchos casos, siga su propio curso, que se vuelve más complejo a medida que los números son más altos. La escritura y el toque de color subrayan la intención informal; una frescura que sólo es posible ejercerla desde el lugar de la libertad, en el acto -gozoso, no especulativo- de pintar. El impulso del arquitecto encuentra un punto cumbre en el proyecto del Banco de Londres, edificio de valor patrimonial (hoy sede del Banco Hipotecario), materia de estudio en los claustros académicos como ejemplo señero de la arquitectura brutalista.

Hay un dato que merece un apunte porque es un signo de los tiempos. El cuaderno del jardín se llama “Ahorro”. Impreso por el Banco de Galicia en los años veinte, promovía el ahorro como la mejor inversión de la juventud: “desde cinco pesos con un interés del 4%”.

El hombre que cruza con paso ágil frente a sus Números no ha perdido la capacidad de sorprender; de buscar hilvanes impensados entre la vida y el arte.

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La lección de un pintor, Ernesto Deira se presenta en el Museo Nacional de Bellas Artes

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Una exhaustiva muestra antológica de Ernesto Deira se presenta en el Museo Nacional de Bellas Artes

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Con motivo del vigésimo aniversario de la muerte de Ernesto Deira, el Museo Nacional de Bellas Artes presenta una muestra antológica de su obra. Ciento veintidós pinturas, dibujos y grabados componen el conjunto más exhaustivo que se haya reunido de este artista que integró el famoso cuarteto neofigurativo. El resultado es una exposición rotunda, que permite ver sus temas y sus obsesiones con el frescor que tuvieron cuando fueron concretados en las telas o los papeles. No es una exposición que pueda verse con nostalgia.

En el valioso catálogo que se editó, con más de trescientas obras reproducidas, María José Herrera, curadora de la muestra, señala que la presentación antológica se compone de siete núcleos: La guerra, El retrato, La neofiguración, La escritura, Los años setenta, La década de los ochenta. Cada sección pone en evidencia las muy diversas preocupaciones plásticas y éticas que lo acompañaron durante toda su vida. Este carácter ya es notorio en la primera sección, con las telas dedicadas al Holocausto, en las que muchas figuras abigarradas muestran sus rostros desencajados, convulsos; son hombres y mujeres que han sufrido. Es evidente la referencia a las pinturas negras de Goya.

En 1961, Deira expuso en la primera muestra de la Otra figuración, que se presentó en la galería Peuser. Junto con él estaban Luis Felipe Noé, Rómulo Macció y Jorge de la Vega (en esta única ocasión participaron Carolina Muchnik y Sameer Makarius). En el texto del catálogo, que suscriben todos los expositores, se explicitan las intenciones compartidas: “Somos un conjunto de pintores que en nuestra libertad expresiva sentimos la necesidad de incorporar la libertad de la figura [era la época de mayor auge de la abstracción, geométrica, lírica o informalista]. Porque creemos justamente en esa libertad no queremos limitarla dogmáticamente, esclavizándonos a nosotros mismos”.

Deira, con una mezcla de ascetismo y barroco, nunca se apartó de los principios señalados: la libertad, la figura humana, la ausencia de normas autoimpuestas. Así aparecieron en sus telas figuras metamórficas y rostros sin ojos, rodeados en ocasiones de recuadros y estructuras de equívocas referencias espaciales. En muchos cuadros se acumulaban, en una promiscua intimidad, personajes diseñados con una línea rítmica que traza verdaderos laberintos de color.

Pero Deira no es, de manera alguna, un expresionista espontáneo, inocente; en sus distorsiones existe siempre el impulso libre y al mismo tiempo la construcción de la pintura misma. Por otra parte, es fundamental, tanto en sus pinturas como en sus dibujos, la preeminencia de la línea (sensible, rítmica, modelada), del garabato y el graffiti.

Deira obtuvo un rápido reconocimiento (similar al de sus compañeros del colectivo) poco después de las primeras muestras. En 1963, por invitación de Jorge Romero Brest, el cuarteto se presentó en el Museo Nacional de Bellas Artes; unos meses después expuso en la filial de Río de Janeiro de la Galería Bonino; dos años más tarde lo hizo en el Museo de Arte Moderno de la misma ciudad brasileña. En 1965 el grupo se disolvió. Deira, junto con De la Vega, pasó a desempeñarse como profesor invitado en la Cornell University (Ithaca, Nueva York). La Academia Nacional de Bellas Artes, en 1967, otorgó a Deira el Premio Palanza, una distinción consagratoria.

En 1968 Deira exhibió en la Galería El Taller, con el título Rollos desenrollados (exhibidos en el MNBA), un conjunto de enormes dibujos que recubrían toda la sala desde el cielo raso hasta el piso. El año anterior, en otra muestra, en la galería Bonino, se propuso perturbar al contemplador, agobiarlo, con cuadros colocados unos al lado de los otros, otra vez desde el piso hasta el techo. Lo que pretendía, dijo el pintor, era que “el espectador tuviese que hacer un esfuerzo para llegar a una [tela], dejando otra, que quizá le gustaba, y supiese que lo estaban persiguiendo las obras de la derecha, la izquierda, la espalda”.

Estos y otros ensayos de Deira son producto del clima de una época caracterizada por las más diversas experiencias en todos los campos del arte (entre otras, las de Kenneth Kemble, Alberto Greco, Luis Felipe Noé, Julio Le Parc, Emilio Renart, Rubén Santantonín y Alberto Heredia). Pero el pintor neofigurativo nunca puso en cuestión la naturaleza de la pintura (ni del arte); frente a la alternativa Duchamp-Picasso, siempre estuvo más cerca del español.

Ernesto Deira nació en Buenos Aires en 1928; murió en París en 1986. Graduado de abogado en la Universidad de Buenos Aires, ejerció su profesión durante varios años. El arte fue su vocación tardía. Se inició en el taller de Leopoldo Torres Agüero; en 1957 continuó los estudios con Leopoldo Presas. Expuso individualmente por primera vez en 1958. Su última muestra en Buenos Aires la presentó en la Galería Ruth Benzacar en 1985.

(Museo Nacional de Bellas Artes, Avenida del Libertador 1473, hasta el 18 de febrero) 

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Historia y mito: el abecedario del amor

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

En Diccionario del amante de América Latina (Paidós), Mario Vargas Llosa ha reunido los artículos que escribió desde su juventud acerca de todos los temas imaginables relacionados con este continente

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Yo descubrí América Latina en París, en los años sesenta. Hasta entonces había sido un joven peruano que, además de leer a los escritores de mi propio país, leía casi exclusivamente a escritores norteamericanos y europeos, sobre todo franceses. Con excepción de algunas celebridades, como Pablo Neruda y Jorge Luis Borges, apenas conocía a alguno que otro escritor hispanoamericano y en esos años jamás pensé en América Latina como una comunidad cultural, sino más bien como un archipiélago de países muy poco relacionados entre sí.

Que era algo muy distinto lo aprendí en París, ciudad que, en los años sesenta, se convirtió, en palabras de Octavio Paz, en la capital de la literatura latinoamericana. En efecto, la mayoría de los escritores más importantes de esa región de mundo habían vivido, o vivían, o pasaban por París, y los que no, de todas maneras terminaban siendo descubiertos, traducidos y promovidos por Francia, gracias a lo cual América Latina reconocía y empezaba a leer a sus propios escritores.

Los sesenta fueron unos años exaltantes. América Latina pasó a estar en el centro de la actualidad gracias a la Revolución cubana y a las guerrillas y a los mitos y ficciones que pusieron en circulación. Muchos europeos, norteamericanos, africanos y asiáticos veían surgir en el continente de los cuartelazos y de los caudillos una esperanza política de cambio radical, el renacimiento de la utopía socialista y un nuevo romanticismo revolucionario. Y, al mismo tiempo, descubrían la existencia de una literatura nueva, rica, pujante e inventiva, que, además de fantasear con libertad y con audacia, experimentaba nuevas maneras de contar historias y quería desacartonar el lenguaje narrativo.

Mi descubrimiento de América Latina en esos años me catapultó a leer a sus poetas, historiadores y novelistas, a interesarme por su pasado y su presente, a viajar por todos sus países y a vivir sus problemas y sus luchas políticas como si fueran míos. Desde entonces comencé a sentirme, ante todo, un latinoamericano. Lo he seguido siendo todos estos años y lo seré los que me quedan por vivir, aunque ahora entienda mejor que antaño que lo latinoamericano no es más que una expresión de lo universal, sobre todo de lo occidental, y aunque mis ilusiones de una América Latina libre, próspera, impregnada con la cultura de la libertad hayan pasado muchas veces del optimismo al pesimismo y de éste otra vez al optimismo, y de nuevo al pesimismo, a medida que el mundo en el que nací parecía encontrar el rumbo democrático o caía otra vez más en el autoritarismo y la violencia.

¿Qué significa sentirse un latinoamericano? Primero que nada, tener conciencia de que las demarcaciones territoriales que dividen a nuestros países son artificiales, ucases políticos impuestos de manera arbitraria en los años coloniales y que los líderes de la emancipación y los gobiernos republicanos en vez de reparar, legitimaron y a veces agravaron, dividiendo y aislando a sociedades en las que el denominador común era mucho más profundo que las diferencias particulares. Esta balcanización forzada de América Latina, a diferencia de lo que ocurrió en América del Norte, donde las trece colonias se unieron y su unión disparó el despegue de los Estados Unidos, ha sido uno de los factores más conspicuos de nuestro subdesarrollo, pues estimuló los nacionalismos, las guerras y conflictos en que los países latinoamericanos se han desangrado, malgastando ingentes recursos que hubieran podido servir para su modernización y progreso. Sólo en el campo de la cultura la integración latinoamericana ha llegado a ser algo real, impuesto por la experiencia y la necesidad -todos aquellos que escriben, componen, pintan o practican cualquier otra tarea creativa descubren que lo que los une es mucho más importante que lo que los separa de los otros latinoamericanos-, en tanto que en los otros dominios, la política y la economía sobre todo, los intentos de unificar acciones gubernativas y mercados se han visto siempre frenados por los reflejos nacionalistas, por desgracia muy enraizados en todo el continente: es la razón por la que todos los organismos concebidos para unir a la región, desde el Pacto Andino hasta el Mercosur, nunca han prosperado.

Las fronteras nacionales no señalan las verdaderas diferencias que existen en América Latina. Ellas se dan en el seno de cada país y de manera transversal, englobando regiones y grupos de países. Hay una América Latina occidentalizada, que habla en español, portugués e inglés (en el Caribe y en Centroamérica) y es católica, protestante, atea o agnóstica, y una América Latina indígena, que, en países como México, Guatemala, Ecuador, Perú y Bolivia, consta de muchos millones de personas, y que conserva instituciones, prácticas y creencias de raíz prehispánica. Pero la América indígena no es homogénea, sino, a su vez, otro archipiélago y experimenta distintos niveles de modernización. En tanto que algunas lenguas y tradiciones son patrimonio de vastos conglomerados sociales, como el quechua y el aymara, otras, como es el caso de las culturas amazónicas, sobreviven en comunidades pequeñas, a veces de apenas un puñado de familias.

El mestizaje, por fortuna, está muy extendido y tiende puentes, acerca y va fundiendo a estos dos mundos. En algunos países, como en México, ha integrado cultural y racialmente a la mayoría de la sociedad -es tal vez el único logro de la revolución mexicana-, dejando convertidas en minorías a aquellos dos extremos étnicos. Esta integración, por cierto, esmucho menos dinámica en el resto del continente, pero continúa ocurriendo y, a la larga, terminará por prevalecer, dando a América Latina el perfil distintivo de un continente mestizo. Aunque, esperemos, sin uniformarla totalmente y privarla de matices, algo que no parece posible ni deseable en el siglo de la globalización y la interdependencia entre nacionales. Lo indispensable es que, más pronto que tarde, gracias a la democracia -la libertad y la legalidad conjugadas- todos los latinoamericanos, con prescindencia de raza, lengua, religión y cultura, sean iguales ante la ley, disfruten de los mismos derechos y oportunidades y coexistan en la diversidad sin verse discriminados ni excluidos. América Latina no puede renunciar a esa diversidad multicultural que hace de ella un prototipo del mundo.

Este libro es un testimonio del compromiso con América Latina que contraje en París, pronto hará medio siglo, y al que sigo fiel. Aunque cualquiera que hojee sus páginas comprobará que, a lo largo del tiempo, mis opiniones literarias y mis juicios políticos y mis entusiasmos y críticas han cambiado muchas veces de blanco y contenido -todas las veces que la mudable realidad me lo exigía-, mi interés, mi curiosidad y también mi pasión por ese mundo complejo, trágico y formidable, de inmensa creatividad y de sufrimiento y penalidades indecibles, en el que las formas más refinadas de la civilización se mezclan con las de la peor barbarie, se han conservado intactos hasta hoy.

Una de las obsesiones recurrentes de la cultura latinoamericana ha sido definir su identidad. A mi juicio, se trata de una pretensión tan inútil como imposible, pues la identidad es algo que tienen los individuos y de la que carecen las colectividades, una vez que superan los condicionamientos tribales. Pero, al igual que en otras partes del mundo, esta manía por determinar la especificidad histórico-social o metafísica de un conjunto gregario ha hecho correr océanos de tinta en América Latina y generado feroces diatribas e interminables polémicas. La más célebre y prolongada de todas, aquella que enfrentó a hispanistas, para quienes la verdadera historia de América Latina comenzó con la llegada de españoles y portugueses y la articulación del continente con el mundo occidental, e indigenistas, para quienes la genuina y profunda realidad de América está en las civilizaciones prehispánicas y en sus descendientes, los pueblos indígenas, y no en los herederos contemporáneos de los conquistadores, que todavía hoy marginan y explotan a aquellos.

En verdad, cualquier empeño por fijar una identidad única a América Latina tiene el inconveniente de practicar una cirugía discriminatoria que excluye a millones de latinoamericanos y a muchas formas y manifestaciones de su frondosa variedad cultural.

La riqueza de América Latina está en ser tantas cosas a la vez que hacen de ella un macrocosmos en el que cohabitan casi todas las razas y culturas del mundo. A cinco siglos de la llegada de los europeos a sus playas, cordilleras y selvas, los latinoamericanos de origen español, portugués, italiano, alemán, chino o japonés son tan oriundos del continente como los que tienen sus antecesores en los antiguos aztecas, toltecas, mayas, quechuas, aymaras o caribes. Y la marca que han dejado los africanos en el continente, en el que llevan también cinco siglos, está presente por doquier: en los tipos humanos, en el habla, en la música, en la comida y hasta en ciertas maneras de practicar la religión. No es exagerado decir que no hay tradición, cultura, lengua y raza que no haya aportado algo a ese fosforescente vórtice de mezclas y alianzas que se dan en todos los órdenes de la vida en América Latina. Esta amalgama es su riqueza. Ser un continente que carece de identidad porque las tiene todas.

Aunque no se aborde de manera explícita, un asunto merodea por todos los vericuetos de este diccionario: la paradoja de la abismal contradicción que existe en América Latina entre su realidad social y política y su producción literaria y artística. El mismo continente que, por sus astronómicas diferencias de ingreso entre pobres y ricos, sus niveles de marginación, desempleo y pobreza, por la corrupción que socava sus instituciones, por sus gobiernos dictatoriales y populistas, por los niveles de analfabetismo y de escolaridad, sus índices de criminalidad y narcotráfico y el éxodo de sus pobladores, es la encarnación misma del subdesarrollo, detenta un altísimo coeficiente de originalidad literaria y artística. En el campo de la cultura sólo se puede hablar de subdesarrollo en América Latina en su vertiente sociológica: la pequeñez del mercado cultural, lo poco que se lee, el ámbito restringido de las actividades artísticas. Pero, en lo tocante a la producción, ni sus escritores, ni sus cineastas, ni sus pintores, ni sus músicos (que hacen bailar al mundo entero) podrían ser llamados subdesarrollados. En sus mejores exponentes, el arte y la literatura latinoamericanos han dejado atrás hace tiempo lo pintoresco y lo folclórico y alcanzado unos niveles de elaboración y de originalidad que les garantizan una vigencia universal.

¿Cómo explicar esta paradoja? Por los grandes contrastes de la realidad de América Latina, donde no sólo conviven todas las geografías, las etnias, las religiones y las costumbres, sino también, como lo mostró Alejo Carpentier en Los pasos perdidos , todas las épocas históricas. En tanto que las élites culturales se modernizaban y abrían al mundo y se renovaban gracias a un cotejo constante con los grandes centros de pensamiento y creación cultural de la vida contemporánea, la vida política, con muchas excepciones, permanecía anclada en un pasado autoritario de caudillos y camarillas que ejercitaban el despotismo, saqueaban los recursos públicos, y mantenían la vida económica congelada en el feudalismo y el mercantilismo. Un divorcio monstruoso se produjo: en tanto que los pequeños reductos de la vida cultural -mínimos espacios de libertad librados a su suerte por un poder político generalmente inculto y desdeñoso de la cultura- se hallaban en contacto con la modernidad y evolucionaban y salían de ellos escritores y artistas de alto nivel, el resto de la sociedad permanecía poco menos que inmovilizada en un anacronismo autodestructor. Es verdad que en los últimos tiempos han mejorado algo las cosas, pues hay en América Latina una gran mayoría de gobiernos democráticos. Pero algunos de ellos se tambalean por su incapacidad para satisfacer las demandas sociales y por la corrupción que los corroe, y el continente tiene todavía, como recuerdo emblemático de su pasado, la dictadura más longeva del mundo: la de Fidel Castro (46 años en el poder).

Este libro es, a su modo, una mezcolanza plural, muy parecida, aunque en formato microscópico, de lo que, creo yo, es América Latina. Se compone de textos escritos desde que, en mi juventud, me descubrí un latinoamericano, hasta la fecha, que se ocupan de todos los temas imaginables -la revolución, la fotografía, ciertos hábitos del lenguaje popular, el cine, las dictaduras, el paisaje, los escritores, la historia, el humor, el fútbol, los viajes, la pintura-, y comprenden variedad de géneros: el reportaje periodístico, el artículo, la evocación, la reseña, la nota necrológica, la crónica y hasta la ficción. Como están escritos en épocas diferentes hay entre ellos divergencias y contradicciones, que hubiera sido deshonesto tratar de disimular. Lo que les da unidad es que todos ellos, desde distintas perspectivas y con diferentes pretextos, tratan de capturar a través de la escritura un instante, una imagen, de ese vértigo incesante que es América Latina, en alguna de sus infinitas manifestaciones.

El libro no aspira a ser objetivo e impersonal. Por el contrario, está cargado de subjetividad. La mayoría de los textos están escritos en primera persona y dan cuenta de mis experiencias y reacciones frente a determinados asuntos de la realidad latinoamericana. Y, por eso, de una manera un tanto accidental, este libro es también como el revés de una autobiografía, la materia prima que la haría posible. No se puede entender América latina sin salir de ella y observarla con los ojos y, también, los mitos y estereotipos que se han elaborado sobre ella en el extranjero, porque esa dimensión mítica es inseparable de la realidad histórica de una comunidad, y, asimismo, porque muchos de esos mitos y estereotipos América Latina los ha hecho suyos y metabolizado, empeñándose a menudo en ser lo que, por razones ideológicas y folclóricas, muchos europeos y norteamericanos decían que era y querían que fuera, empezando por el cronista colonial León Pinelo, quién “demostró” que en la Amazonia se encontraba el Paraíso Terrenal. Por eso, en estas páginas figuran muchos pensadores y escritores que, sin ser latinoamericanos, han tenido una influencia relevante en su vida cultural y política, y, como premio o castigo, merecerían serlo.

Entre esas influencias ha prevalecido, en buena parte de la historia latinoamericana, la cultura francesa. Desde los tiempos de la Independencia, en que las ideas de los enciclopedistas y los doctrinarios de la Revolución dejaron una huella fundamental en los ideales de emancipación, y pasando por el positivismo que marcó el quehacer intelectual y cívico de un confín a otro de la región pero, sobre todo, a Brasil y México, hasta hace relativamente poco tiempo los modelos estéticos, las ideologías, los valores filosóficos, los temas y prioridades del debate intelectual en América Latina han seguido muy de cerca lo que ocurría en Francia. Y, a menudo, lo que llegaba hasta nosotros de otras culturas lo hacía a través de las traducciones, las modas y las interpretaciones francesas. Eso ha cambiado en nuestro tiempo, con la ramificación de centros culturales y la desaparición de las fronteras, pero, hasta mi generación por lo menos, la vida artística y cultural de América Latina sería incomprensible sin la fecundación francesa. Es la razón por la que Francia está presente en este libro; además de reflejar una preferencia personal, esta presencia, creo, sintoniza cabalmente con una verdad histórica.

Jamás hubiera sido posible este diccionario sin la ayuda generosa de mi traductor y amigo, Albert Bensoussan, incansable sugiriendo la inclusión de textos, perfeccionando la estructura del libro y preparando las notas aclaratorias, y la de mi antigua colaboradora y amiga, Rosario Muñoz-Nájar de Bedoya, quien se las arregló siempre, escarbando archivos, bibliotecas y cajones, para hacer aparecer los textos que creía desaparecidos. A ambos, muchas gracias.

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Londres, 26 de julio de 2005

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Carlos Beghetti, Carmen Blanc y Ricardo Antonelli, Velux Award: diseño sustentable La luz del mañana

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

En un concurso internacional que promovía el uso de este material, premiaron a estudiantes argentinos

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BILBAO.- La luz solar es, tal vez, uno de los materiales más nobles de la arquitectura, por ser natural, gratis y no contaminante. Sin embargo, en las ciudades vemos que muchas veces se la desprecia con una elección incorrecta de materiales y orientaciones (las torres espejadas en sus cuatro caras), o con la densificación descontrolada de la manzana (que produce grandes conos de sombra). Para discutir esta problemática, Velux, fabricante de ventanas para techos, organizó el concurso internacional para estudiantes Light of tomorrow , y se recibieron 557 proyectos que representan a 225 escuelas de arquitectura en 53 países. Los tres primeros premios fueron para representantes de Dinamarca, España y el Reino Unido, y de las 17 menciones honorables, dos fueron para los estudiantes argentinos Ricardo Antonelli y Carlos Beghetti, de la Universidad de Mendoza, y Carmen Blanc, de la FADU UBA.

El jurado, integrado por Kengo Kuma (Kengo Kuma & Associates, de Japón), Róisín Heneghan (Henegan-Peng architects, de Irlanda), Omar Rabie (joven arquitecto que actualmente cursa su posgrado en el Massachusetts Institute of Technology), Douglas Steidl (presidente del American Institute of Architecture), Pedro Olaf Fjeld (presidente de la European Association for Architectural Education) y Massimo Buccili (general manager de Velux Italia), coincidieron que “los proyectos representan la multiplicidad de direcciones y preocupaciones en la arquitectura contemporánea que, más allá de las distintas actitudes, la luz sigue jugando un importante rol inspirador en la espacialidad”.

Estas diferencias, según Henegan, se observan en que “mientras en los climas fríos el tema fue introducir la luz en los ambientes, en los climas cálidos buscaron generar sombras”.

Desde el Sur

El planteo de Carmen Blanc, un asentamiento humano inspirado en el Panteón de Roma, se basa en una cuadrícula urbana regular, que crece en etapas y se densifica desde el nivel de vereda hacia abajo, con edificios aterrazados en torno de patios orientados en función del sol y el viento, garantizando su distribución equitativa.

Carlos Beghetti y Ricardo Antonelli, en cambio, propusieron un módulo que busca estimular las capacidades intelectuales de menores de edad con síndrome de Down, con un coeficiente intelectual entre 35 y 70: “La luz es una herramienta que puede mejorar notablemente la calidad de vida de las personas. Por medio de este sistema intentamos obtener dos tipos de respuesta: directa, utilizando la luz natural estimulamos las ondas beta del cerebro, produciendo una sensación de relajación y felicidad; e indirecta, con juegos didácticos los ayudamos a desenvolver su intelecto. Esto se logra tirando y empujando los vidrios de colores, con diferentes formas y texturas, que regulan el paso de la luz solar.

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-¿Por qué les interesó hacer el concurso y cuál es su conclusión?

Antonelli-Beghetti: -Si bien nos aportó mucho en varios aspectos, coincidimos con muchos de los participantes en que nos motivó el hecho de pensar hacia dónde debe evolucionar la arquitectura y el intercambio cultural.

-A partir de ahora, ¿cambia en algo tu forma de proyectar?

Blanc: -Puede ser que al proyectar me pregunte primero cuánto aire o cuánta luz se quiere para ese lugar, como si el espacio estuviera hecho por cantidades de aire y luz. Si me imagino una forma de vida en mi proyecto, me imagino que se vive en el nivel cero durante el día, sin la presencia de la construcción, y que más por la tarde se baja a los habitáculos. Y que esos patios que estuvieron bastante irradiados durante el día absorben calor y luego lo emanan manteniendo una temperatura mayor.

-¿Hay crisis en la arquitectura?

Blanc: -No sé, creo que no se debe generalizar. Lo que sí me parece crítico para la arquitectura es que esté dominada por el negocio inmobiliario.

La ceremonia de entrega de premios se realizó en el Museo Guggenheim de Bilbao -fueron invitados los ganadores de los veinte premios y menciones, arquitectos y miembros de la prensa internacional- y los proyectos estuvieron expuestos en el atrio del edificio. ¿Por qué este certamen no fue para arquitectos? Omar Rabie opina: “Los estudiantes nos sorprenden dando más ideas de lo que uno podría imaginar”. 

Ventanas en el cielo

En simultáneo con el Vélux Award se presentó Atika: una vivienda confortable y energéticamente eficiente

Simultáneamente con la ceremonia de entrega de premios del Velux Award 2006, en el puerto de Getxo se presentó el prototipo Atika, un nuevo concepto de vivienda para países mediterráneos, pensado como un organismo autosuficiente al permitir que la luz, el sol y el aire fluyan por su interior, aprovechándolos y controlándolos para crear condiciones de habitabilidad, con bajo consumo de energía en refrigeración, calefacción y ventilación, y reduciendo las emisiones de CO2, de acuerdo con la actual legislación europea y española. Aunque todavía no está disponible en el mercado, este módulo también se pensó como una manera de responder al problema de la densidad urbana, ya que puede ser colocado sobre edificios existentes.

La idea conceptual fue del español Roberto Aparicio, ganador del Concurso Velux para Futuros Arquitectos 2005, y el arquitecto Javier Aja Cantalejo, de la empresa española de arquitectura e ingeniería ACXT/IDOM -que colaboró con Frank Gehry en la realización del Museo Guggenheim de Bilbao-, es el responsable del diseño de Velux Atika.

Realizada con estructura de acero en la fábrica de Gijón y transportado hasta Bilbao, la casa de 100 m2 (sala de estar, cocina y dormitorio con baño y vestidor) se desarrolla en torno de un patio, con distintas pendientes en la cubierta, donde las ventanas y los colectores solares están situados estratégicamente según el uso y orientación de la habitación. Así, junto con un aislante de 160 mm en las paredes y el techo se garantizan las condiciones climáticas interiores constantes en invierno y verano, asegura Aja Cantalejo. Además, un sistema automático regula el clima interior mediante la apertura y cierre de ventanas y persianas, y activando el sistema de refrigeración o calefacción.

1er. PREMIO

La danesa Louise Gronlund (School of Architecture at the Royal Academy of Fine Arts) ganó presentando su tesis final de grado, Museo de Fotografía, cuyos espacios se materializan a partir de la metáfora de una cámara fotográfica: “Diseñar un museo de fotografía es crear las condiciones óptimas para ver las fotografías, pero también hacer que el espectador sepa qué y cómo las está viendo”.

2do. PREMIO

El español Gonzalo Pardo Díaz (Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid) generó un espacio de lectura inspirado en la topografía y la situación de luces y sombras que se producen en un un bosque.

3er. PREMIO

La griega Anastasia Karandinou (The University of Edinburgh, School of Architecture, UK) generó Light Invisible Bridges, un sistema de puentes que cosen la trama urbana y el río de Shanghai con usos como cines y escuelas, locutorios y un anfiteatro. 

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FELICITACIONES Carlos Beghetti, Carmen Blanc y Ricardo Antonelli,

DE LA LA ARGENTINIDAD

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Ana Rascovsky Como parte de un todo, la arquitectura

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

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Diseña muebles; investiga temas urbanos; hace proyectos de animación, y una arquitectura que dialoga con el paisaje

Simona llora a gritos; la perra Tomasa no la deja ni a sol ni a sombra; suenan todos los teléfonos, y alguien le recuerda que en una hora debe estar en el aeropuerto, con las valijas, su beba y su marido. Un cielo de plomo va a estallar en cualquier momento, y en el estudio de Ana Rascovsky se respira el mismo clima de tormenta. Sin embargo, todo sugiere que ella está en su elemento. A los 33 años, hija de una arquitecta y un psicoanalista, egresada de la UBA con un máster en la Escuela de Arquitectura de Versalles, entre otros posgrados, representa a la nueva generación de arquitectos, más preocupados por el medio ambiente y los problemas sociales que por la notoriedad y belleza de las obras. Su producción es multifacética, coherente y prolífica, milimétricamente alineada a una forma de ver la vida en la que la naturaleza lo es todo.

-Arquitectura tradicional, teoría urbana, animación, diseño de muebles ¿quién es Ana Rascovsky?

Empecé a estudiar Arquitectura mientras cursaba la carrera de cine, en la FUC. Me dediqué a la arquitectura porque me gustan los edificios y las personas, pero creo que a los arquitectos, la arquitectura sola no los llena. Por lo general tendemos a hacer otras cosas porque esta carrera te acerca a disciplinas como el diseño gráfico, industrial, etcétera, aunque no necesariamente uno después lo haga bien. Fui a estudiar a Holanda y durante dos años me dediqué a proyectos de animación. Hacía comics, nada que ver con la profesión. Si ven mi página Web tengo una pata acá, otra allá. Pero de alguna manera todo está ligado a la investigación sobre un mismo tema.

-¿Qué trabajo hacés con tu mamá?

-Arquitectura tradicional. Empecé a trabajar con ella mientras estudiaba, participaba en concursos, por ejemplo. Ahora somos socias; es decir, cambió mi status. En este momento tenemos varias obras grandes, por suerte: un jardín de infantes en la calle Grecia; un edificio de planta baja y cuatro pisos en Núñez; más una casa y un proyecto grande junto con otra arquitecta; también paisajismo en un terreno muy extenso con la construcción de cuatro casas en José Ignacio, Uruguay. A mí me toca lo más divertido, diseñar. Somos complementarias, mi madre fue una especie de faro para mí. Pero en un momento tuve que hacer mi propio camino, entonces fui a estudiar a Holanda. Trabajé allá y formé Supersudaca, que junto con Cartonita son dos proyectos propios, alternativos a la arquitectura tradicional.

-¿Qué es exactamente Supersudaca?

-Teoría urbana, enfocada desde distintas disciplinas, que están representadas por cada integrante del grupo. Trabajé durante un tiempo en el área de Planeamiento Interpretativo del gobierno porteño. Actualmente hacemos investigación; tenemos programas que llamamos Acción Urbana, que es arquitectura directa, escala uno en uno, y trabajamos con estudiantes porque eso nos permite hacer cosas. Investigamos temas de urbanismo, mucho más de lo que un arquitecto normalmente hace en su estudio. Eso pasa con la profesión: una obra te requiere tanto, uno se involucra demasiado, y yo, en rigor, necesito ampliar, salir. Ahora vamos a editar un libro sobre un proyecto que se llama Al Caribe, sobre el impacto del turismo en las ciudades del Caribe. Haremos una serie de workshops en México y Cuba para juntar más información, y también ganamos un concurso en España para hacer viviendas sociales, en Alicante.

-¿Se puede repensar una ciudad como Buenos Aires?

-Hay muy poco espacio para la innovación. En Holanda, por ejemplo, existe la ventaja de que como al gobierno le gustan las cosas nuevas, las subvenciona. Allá casi no hay casas particulares, la mayoría de los arquitectos construyen edificios públicos muy innovadores porque el gobierno no es un cliente retrógrado. Eso acá no existe, ni siquiera está repensado el Código Urbano en función de la ciudad real que tenemos, una metrópolis absolutamente latinoamericana, pese a que los habitantes prefieren verla como una ciudad europea. Y lo divertido de Buenos Aires son los edificios altos y las casitas al lado. Si fuera todo igual, todos edificios de nueve pisos, como se ve en muchas avenidas, sería una ciudad llena de sombras, al estilo de Alemania. Pero si fuera todo bajito no habría densidad, sería un bodrio; no habría gente en la calle, no habría fricción, no habría encuentros. El problema ahora es que mucha gente que tiene su casa no quiere un edificio al lado. El chalecito que está en la 9 de Julio, sobre la avenida, es un ejemplo totalmente surrealista, un poco ridículo, pero es un ejemplo de las cosas que pueden pasar.

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-¿Como surgió el sillón de cartón?

-En la Facultad, pensando eso de que el cliente te tiene que llamar y uno espera sentada hasta que aparezca el trabajo. Mientras tanto podía hacer un mueble y tratar de venderlo. Surgió juntando cartones de la calle y recortándolos, ahora eso lo industrializamos con Cartonita. También hice el Nido, un nido de mimbre donde entran dos personas acostadas, que se cuelga y se mece, y entra luz por los agujeritos. Me volví loca buscando un mimbrero que lo quisiera hacer. Ahora estoy tratando de industrializarlo, sin suerte, a diferencia de la silla de cartón, que voy a producir junto con una matricería. Como es barato haremos 3000 unidades para vender en los supermercados. El Nido es carísimo, y lamentablemente hay una sola persona que lo puede hacer, vive en Uruguay.

-¿Cuál es el tema que une esta diversidad de intereses?

-A mí me gusta la naturaleza. Me interesa desde siempre el tema cómo estar afuera: mi concepto de vida es el exterior, el aire libre. Pero cuando hacés arquitectura tenés un problema, ¡hay que diseñar espacios para vivir adentro! Entonces pienso en hacer casas, pero para estar afuera aun estando adentro. Un buen ejemplo de ese concepto se ve en El Baño del Tigre, inmerso en el jardín, aislado de la vivienda. Del exterior sólo te separa un vidrio y los parasoles que hacen sombra y giran dando distintos matices de luz.


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-¿Es posible trasladar el concepto del verde a las obras urbanas?

-Sé que lo que más interesa es la relación con el exterior. El curtain wall son 5 mm de vidrio que te separan del exterior. En Núñez estamos haciendo un edificio de cuatro pisos, en el que la fachada será una cortina verde; los parasoles, macetas larguísimas colocadas en cada piso, que además es la manera más barata de hacerlo. Pondremos tensores en toda la fachada para que trepe la enredadera, es un muro totalmente verde que cubre el vidrio. Lo más divertido es ver cómo después la planta se convierte en un parasol que da perfume, atrae mariposas y pajaritos, que cambia de color en invierno y da flores en primavera. Es una manera de vivir en vertical, pero rodeado de jardín. Siempre digo que un arquitecto que tiene un mal vivir no puede proyectar una buena casa.

En corte

Ana Rascovsky

De 33 años, arquitecta egresada de la FADU-UBA en 1997. Entre 2000 y 2002 cursó la maestría en el Instituto Berlage, en Holanda, y en la Escuela de Arquitectura de Versalles, Francia. Es miembro fundador de Supersudaca y Cartonita

Referentes

“Rem Koolhaas, porque desligo el concepto de hacer algo lindo de algo interesante. Koolhaas además escribe muy bien, cosa que no sucede con muchos arquitectos. Lo que dice tiene mucho contenido, y hay palabras que a lo largo de mi carrera influyeron mucho, sobre todo el concepto de apilar espacios y mezclarlos”.

Música, cine, libros

Lou Reed y Velvet Underground, Scorsese, Tom Wolfe

Software y programas que usa

Autocad y Photoshop

Sitios recomendados

www.anarascovsky.com.ar , www.supersudaca.org , www.cartonita.com , www.oma.nl

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Fotografías del canadiense François-Régis Fournier

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

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Imágenes de dos mundos

Las fotografías del canadiense François-Régis Fournier registran su interés por los ríos y las asombrosas comparaciones que establece entre las obras de los jesuitas en la Argentina y en Quebec

A François-Régis Fournier le agrada reiterar que nació en un pueblo de frontera (Gatineau, en el límite entre la provincia de Quebec y el Canadá anglófono), casi como si en ese dato se cifrara una parte fundamental de una autodefinición. Y quizá así sea. Porque este hombre, que está presentando en Buenos Aires una serie de fotografías sobre Quebec y en Carlos Paz otra sobre el patrimonio jesuítico en Quebec y en la Argentina, parece haber elegido navegar en los puntos de confluencia de aguas diversas. Licenciado en Literatura y Lingüística y Magister en Pedagogía por la Universidad de Montréal, responsable de proyectos para el desarrollo de material didáctico informatizado y director de Clic , una revista consagrada a ese tema, Fournier dirigió, entre 1974 y 1982, dos galerías de arte en Montréal (Parallelement y L Aquatinte), fue confundador de la revista Cahiers des Arts Visuels de Québec y sobre todo, desde los 17 años, se ha dedicado sin interrupciones a la fotografía. La combinación de tan variados intereses lo ha traído a nuestro país en reiteradas ocasiones.

-¿Cuántas veces ha viajado a la Argentina?

-Este es mi quinto viaje. Llegué por primera vez a Buenos Aires el 15 de diciembre de 2001, así que conocí el país en un momento dramático. Imagínese que vivía cerca del Congreso. Venía sólo en plan turístico pero gracias a amigos argentinos, pude tener un contacto muy directo con la vida de la gente y, aunque ya había viajado a otros países latinoamericanos como México y Cuba, aquí, por primera vez en mi vida, me sentí americano, es decir, parte de un continente cuyos extremos nos ha tocado habitar. Había tomado clases de español para prepararme y en 2003 volví para profundizar mi conocimiento de su idioma en la Universidad de Córdoba.

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-Y ése fue el punto de partida de otra aventura.

-Sí, ya lo creo. Por un lado, me invitaron al II Congreso Internacional de Patrimonio Cultural, en el que participé en 2004, con una propuesta de capacitación en el uso de recursos informáticos aplicables en los programas de patrimonio. Pero sobre todo, frente a la Facultad de Lenguas, en la sacristía de la Compañía de Jesús, tuve un inesperado encuentro: una pintura de fines del siglo XIX (bastante estropeada, ¡ojalá que mis fotos convenzan a los jesuitas de restaurarla!), que representa a cinco de los ocho santos mártires canadienses, es decir, los jesuitas canonizados por Pío XI en 1930. Me propuse entonces investigar la presencia de esos santos en Quebec y, de vuelta en Canadá, me dediqué a rastrearlos. Encontré y fotografié todo tipo de representaciones: pinturas, vitreaux , estatuas, hasta figuras de yeso, quizá un tanto groseras e ingenuas pero muestras de un fervor muy popular.

- ¿Ese es el material que se exhibe en Carlos Paz?

-En realidad, la colección fue enriqueciéndose. Cuando en mayo de este año expuse los resultados de mi búsqueda en la Manzana de las Luces, me llevaron a recorrer el lugar. Pese a mi vértigo y el peso de mi mochila, trepé por escaleras temblorosas y tomé fotos en los claustros aún en restauración. La luz era maravillosa y justificaba el esfuerzo. Entonces decidí integrar esas fotos con las que había tomado en Canadá. Creo que eso permite otra cercanía: la gente puede hacer el paralelo entre lo que muestro de lugares que conocen con lo que les muestro de lugares desconocidos para ellos. Para la exposición que se inauguró ayer en Carlos Paz, como parte de los festejos por los 100 años de presencia de los jesuitas en esa ciudad, he tomado también fotos allí, en las estancias jesuíticas.

-¿Existió algo semejante a esas estancias en Quebec?

-No, en Québec, los jesuitas iniciaron sólo un plan de urbanización en el norte de la provincia, alrededor de un molino. Claro, Canadá era pobrísimo, algunos acres de nieve, como dijo Voltaire, una tierra de donde lo único que se sacaba era el pelo de castor para los sombreros de los europeos y donde el oro y los diamantes que mencionaban los autóctonos habían resultado ser sólo mica (y de allí la expresión “Falso como diamante del Canadá”). Por eso, al perder la guerra, Francia prefirió cederlo a los ingleses para conservar las islas azucareras, Guadalupe y Martinica.

- ¿Cómo se vincula su interés por lo arquitectónico, evidente en la colección sobre patrimonio jesuítico y en la que presenta en Traduarte , la muestra organizada por el Colegio de Traductores Públicos de la Ciudad de Buenos Aires, con la serie sobre el agua que expuso en octubre en el Centro Cultural General San Martín?

-Lo arquitectónico es fundamental para mí. Quebec en colores, la serie que se exhibe en Traduarte, pertenece a una colección mayor, que subtitulé Arquitecuras para descubrir y que expuse en mayo en la Universidad de Belgrano. Pero además, yo soy fluvial. Vivo en Montréal, a orillas del río San Lorenzo, así que el río es un camino que suelo recorrer con mi cámara. Por otra parte, siempre trato de componer mis fotos de paisajes de un modo arquitectónico, buscando la geometría. Me habría encantado ser arquitecto pero soy malo para la matemática y para el dibujo. Con el lápiz, no tengo sentido de la perspectiva. ¡Pero deme una cámara fotográfica! Durante mucho tiempo, trabajé sobre todo con diapositivas, tengo casi 7000. Era más barato que la foto color. Pero la diapositiva es muy rígida, casi no permite encuadrar. Así que me acostumbré a ser muy preciso en la composición.

- ¿Cuáles son los nuevos proyectos?

-Hay varios proyectos para exponer aquí en 2007. En marzo se exhibirá la serie del agua en la Universidad Kennedy. Además, en cuanto vuelva a Canadá, empezaré a trabajar en una serie de fotografías de la ciudad de Quebec, cuyo cuarto centenario festejaremos en 2008, y en la organización de un concurso de fotografía destinado a los inmigrantes, a cómo ven Quebec los inmigrantes. 

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A continuación, reproducimos algunos fragmentos de los textos que el escritor peruano

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

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Literatura, arte y política

Escritor peruano consagra en su nuevo libro a algunas de las más destacadas personalidades latinoamericanas Amado, Jorge (1912-2001)

Que los bahianos se sientan felices de tener a alguien como Jorge Amado es poco menos que un acto de justicia. Y no sólo por la vasta obra literaria que ha salido de su fértil imaginación; sino también porque Jorge Amado suma, a su talento de fabulador de historias, una humanidad generosa y sin dobleces, que se prodiga a manos llenas y crea en torno suyo, donde esté, una atmósfera cálida y estimulante que, a quien tiene la suerte de acogerse a ella, lo reconcilia con la vida y le hace pensar que, después de todo, los hombres y las mujeres de este planeta sean acaso mejores de lo que parecen.

Botero, Fernando (1932)

Es un error creer que Botero engorda a los seres y las cosas sólo para hacerlos más vistosos, para darles mayor sustancia, una presencia más rotunda e imponente. En verdad, la hinchazón que sus pinceles imprimen a la realidad perpetra una operación ontológica: vacía a las personas y a los objetos de este mundo de todo contenido sentimental, intelectual y moral. Los reduce a presencias físicas, a formas que remiten sensorialmente a ciertos modelos de la vida real para oponerse a ellos y negarlos.

Buñuel, Luis (1900-1983)

Antes de refugiarse en México, luego de la catástrofe de la República española, Buñuel había realizado tres obras maestras ( El perro andaluz [1928], La edad de oro [1930] y Las hurdes [1932]), pero muy pocas personas se habían dado cuenta de ello y este exiliado desconocido no podía poner condiciones todavía. Me imagino que era entonces un creador “puro”, decidido a no transigir en el dominio de su vocación y esto implicaría ese extenso periodo de quince años en el que permaneció sin rodar un metro de película. Luego, bruscamente, se estrena Gran Casino , superproducción mexicana con media docena de monstruos sagrados, Libertad Lamarque, Jorge Negrete, Meche Barba, etc., y verdadera apoteosis de chabacanería y mal gusto. ¿El artista inflexible se había decidido, por fin, a delinquir? No, había comenzado a aplicar una curiosa y peligrosísima estrategia, que perfeccionaría dos años más tarde, con El gran calavera , otra obra cumbre de sentimentalismo ramplón.

Esta estrategia, que en un principio pudo pasar desapercibida, pero que ahora resulta flagrante cuando se ven las “malas películas” de Buñuel una tras otra, consiste en no rehuir los peores tópicos e ingredientes del cine rosa y vulgar, sino en aprovecharlos todos a la vez, resueltamente, en dosis tan cuantiosas y operando mezclas tan descabelladas, que se produzca en ellos un verdadero salto cualitativo y el humor transpire amargura y el dolor una comicidad infinita.

Castro, Fidel (1927)

La única vez que conversé con Fidel Castro -aunque tal vez sea una exageración el empleo de la expresión “conversar”, porque Fidel Castro, en su convencimiento de ser un semidiós, no admitía interlocutores, sino tan sólo oyentes-, me sentí enormemente impresionado por su energía y su carisma. Ocurrió una tarde de 1966, en La Habana. Eramos un pequeño grupo de escritores y fuimos conducidos, sin más explicaciones, a una casa del Vedado. Fidel no tardó en presentarse. Habló durante doce horas seguidas, hasta bien entrada la madrugada, sentándose y levantándose, gesticulando sin cesar, mientras encendía sus enormes cigarros, sin dejar traslucir el menor síntoma de fatiga. Nos explicó la forma más adecuada de tender emboscadas y la razón por la cual mandaba a los homosexuales a trabajar a los campos, en batallones disciplinarios. Nos anunció que el Che volvería a aparecer pronto al frente de un grupo guerrillero, y luego teorizó, bromeó, contó anécdotas, sin dejar de tutearnos ni de dar palmaditas en la espalda a todo el mundo. Cuando se marchó, tan fresco como había llegado, todos estábamos exhaustos y maravillados.

Donoso, José (1924-1996)

Era el más literario de todos los escritores que he conocido, no sólo porque había leído mucho y sabía todo lo que es posible saber sobre vidas, muertes y chismografías de la feria literaria, sino porque había modelado su vida como se modelan las ficciones, con la elegancia, los gestos, los desplantes, las extravagancias, el humor y la arbitrariedad de que suelen hacer gala sobre todo los personajes de la novela inglesa, la que prefería entre todas.

Guevara, Ernesto “Che”

(1928-1967)

La figura del “guerrillero” ha perdido su aureola valerosa y romántica de antaño. Ahora, detrás de las barbas y las melenas al viento de aquel prototipo que hace veinte años parecía un generoso idealista, se vislumbra la fanática y cobarde silueta del terrorista que, emboscado en las sombras, vuela coches y asesina inocentes.

Lima

Conocí Lima cuando empezaba a dejar de ser un niño y es una ciudad que odié desde el primer instante, porque fui en ella bastante desdichado. Mis padres habían estado separados y, luego de diez años, volvieron a juntarse. Vivir con mi padre significó separarme de mis abuelos y tíos y someterme a la disciplina de un hombre severísimo que era para mí un desconocido.

Neruda, Pablo (1904-1973)

Neruda fue el primer poeta cuyos versos aprendí de memoria y recité de adolescente a las chicas que enamoraba, al que más imité cuando empecé a garabatear poesías, el poeta épico y revolucionario que acompañó mis años universitarios, mis tomas de conciencia políticas, mi militancia en la organización Cahuide durante los años siniestros de la dictadura de Odría.

París

Mis siete años parisinos fueron los más decisivos de mi vida. Aquí me hice escritor, en efecto, aquí descubrí el amor-pasión de que hablaban tanto los surrealistas y aquí fui más feliz, o menos infeliz, que en ninguna otra parte. Aquí me impregné de esa literatura francesa del siglo XIX cuya fulgurante variedad y riqueza -Balzac, Flaubert, Stendhal, Baudelaire, Lautréamont, Rimbaud- todavía me siguen pareciendo sin parangón, ni en su tiempo ni en los venideros.

Por Mario Vargas Llosa

Gracias Mestro!!

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Gran Paso: Carolina Aubele estrena sello de exportación

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Carolina Aubele vuelve a escribir su nombre en nueva etiqueta. De estreno, su colección prêt-à-porter y prêt-à-couture exclusivamente for export -de 63 piezas para el otoño invierno 07/08- está lista para despegar hacia Europa y Asia. Contempla sastrería de lujo, tejidos, cuero y noche.

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Pero abrirse paso en los mercados internacionales más competitivos del mundo no es sencillo. En pocas palabras, su apuesta podría resumirse en diseños sofisticados, con moldería que combina volumen, recortes al por mayor y arte textil del mejor (bordados, mezcla de hilados, apliques hechos a mano, patchwork de géneros y calados, entre otras intervenciones).

“Pensar una colección para que funcione afuera significa imaginar todas las prendas para vestir la aldea global, dejando de lado las particularidades de las argentinas, con moldería para cuerpos reales y la versatilidad de producir donde resulte más conveniente. Esta primera tirada se fabricó toda en Montevideo, pero la próxima podría hacerse en Malasia o cualquier otro país”, cuenta la diseñadora, en un salón de su escuela, La Fábrica de Diseño.

Fiel al diseño de autor, la propuesta no desconoce las tendencias, pero va mucho más allá. “Quiero que mi ropa desdibuje los límites del día y la noche, que sean prendas capaces de adaptarse a los distintos momentos de la vida, según cómo se las combine y que al comprarlas mis clientas sientan que hacen una inversión “, explica. Es que hablamos de prendas que rondan los 600 dólares, en vestidos, con camiseria de 250 dólares.

En este proyecto no está sola. Mientras ella toma todas las decisiones relacionadas con el diseño, hace y deshace a gusto, su socio, el empresario italiano Camilo Gancia, aporta el capital y se encarga de la comercialización.

Perchero

La sastrería de lujo contempla desde pantalones chupines hasta otros más anchos de estilo masculino y tiro altísimo para llevar con sacos más bien entallados. Abundan las faldas y las hay bordadas, plisadas y con mix de estampas (amuletos, águilas, colibríes, medallas y más), y aunque predomina la forma globo, los diseños siempre marcan la cintura.

En tejidos tienta con capas y tapados en diferentes largos, con diversidad de hilados y volumen logrado a fuerza de apliques hechos a mano. Muy completa, la línea de cuero abarca sacos, chaquetas, faldas y vestidos. Calados y cortes a láser le dan un look bien contemporáneo. La combinación con antílope, lo más exclusivo.

No es la primera vez que Carolina Aubele lanza una colección. En 1994 estrenó Cultura Couture, con línea para novias y alta costura a medida, todo con diseño de autor, en la que incorporó el asesoramiento de imagen personalizado. Esta propuesta inicial encontró clientas no sólo en Buenos Aires, también viajó a ciudades como Nueva York, St. Etienne, Dublín, Río de Janeiro y San Pablo.

La llegada de su primer hijo y la diversidad de actividades la obligó a un paréntesis, pero no se detuvo. Mientras tanto, repartió su tiempo entre la elaboración de los planes de estudio de su escuela -fundada en 1995 y hoy con más de 1200 alumnos- y trabajos de estilismo y vestuario de campañas internacionales, en los que no le fue nada mal. Trabajó para marcas como Coca-Cola, Martini, Pantene, Nissan, Toyota, Motorola, Renault y Davidoff, y fue dirigida por directores como Jake Scott, Dawn Shadford, Michael Haussman y Luis Puenzo, entre otros.

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Entrevista a Mariano Toledo

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Al exterior

De Villa Crespo a Nueva York. Los nuevos horizontes de Mariano Toledo

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Apenas instalado en su nuevo taller de diseño en Villa Crespo, junto a percheros con moldes que cuelgan como móviles y apenas un par de sillas en las que invita a sentarse, Mariano Toledo dice encontrarse en su mejor momento para exportar. Y para empezar, lo hizo sin escalas a Nueva York.

Más que en un buen momento para exportar, Toledo está viviendo su momento. Estrena taller de dos pisos y 120 m2, “lejos del caos y muy cerca del local de la calle Armenia”. Mantiene abierto su espacio de Callao y Corrientes, donde trabajó ocho años, para dar clases. Y como muchos saben, diseñó el vestuario de Sweet Charity , musical protagonizado por Florencia Peña, que se inspira en los años 60. Sin embargo, lo que más repite en este momento es New York, New York .

-¿Cómo empezó la negociación?

-Todo comenzó cuando nuestro representante Olivia Fashion Group vendió la colección de invierno 06 a un multimarca del SoHo. La boutique se llama Vera Donna (en Broome y Broadway). Y no sólo estamos con eso: también hay tratativas con un showroom en Madrid y con Ellus, firma brasileña de lujo que abrirá el multimarca Second Floor sobre Oscar Freire, San Pablo. Ellos se entusiasmaron con la colección marinera, vista en el último Fashion Buenos Aires, que sirvió como nexo en la rueda de negocios.

-¿Qué vendiste?

-La línea Mariano Toledo, de un nivel de precios intermedio. Son vestidos de noche en tejido de punto, sastrería y ropa de cuero.

-¿Hiciste un adelanto del invierno 07?

-No, vendí el invierno 06. ¿Por qué necesariamente tienen que estar una temporada adelante, si podemos hacerlo nosotros?

-¿Y te anticipás a la tendencia del otro hemisferio?

-Nuestra moda tiene un lenguaje atemporal, muy personal y, si bien rescatamos ítem de tendencia, no caemos en el cliché. Por ejemplo, en la temática marinera que no es algo nuevo, sino de toda la vida, hay dibujos de velas, sogas, cabos de aparejos.

-¿Qué volumen exportaron y cómo repercutió en la producción?

-Prefiero no hablar de cantidades ni de números, pero sí te cuento que hubo un incremento en la producción de un 25 por ciento. Por eso estamos acá. Por otra parte, trabajar con una colección ya hecha es más fácil. Hay que replicar. Es producir algo que está resuelto.

-¿Por qué exportar ahora?

-Porque estoy en un momento en que puedo responder a una demanda, en cantidad y calidad. Además, la diversidad de las tres líneas hace que el producto sea versátil comercialmente, por eso se articulan los tres niveles de precios.

-¿Cuáles son tus expectativas en Nueva York?

-Antes de vender en NY, una de mis clientas me comentó que vio a una mujer en una gala del teatro Metropolitan llevando un vestido Toledo. Me alentó saber que un diseño puede ser visto de manera natural en una ciudad como Nueva York. Es que es muy cosmopolita, habitada por tanta gente como la que está de paso. Confluyen diversas propuestas culturales, incluso de diseño, desde todo el mundo. Y nuestra moda tiene ese espíritu global.

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Tendencias Alto verano

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Bikinis, trajes de baño y accesorios para el chapuzón más colorido. Floreadas, escocesas, rayadas y estampadas, para lucir en el verano. Todos los modelos

Direcciones: Maidenform, Galerías Pacífico; Agua con Gas y Mare Moda, Céspedes 3078; ADD, Malabia 1639; Stylo, Soldado de la Independencia 1201; Claude Benard, Santa Fe 1579; Pin Ups, Thames 1571; Caro cuore, Paseo Alcorta; Complot, El Salvador 4731; Class Life, Alto Palermo; Desiderata, Honduras 4731; Belle et Brillants, Belgrano 70 local 40, Ramos Mejía; Dufour, Santa Fé 1830; Jane Pain, Matienzo 1849 8° C; Flor de Lavanda, Uruguay 1222; Adhorada Guillermina, El Savador 4723; Rosa Chá para :Dot Store, Av. Alvear 1615; S-Mode, Francia 3082, San Isidro; Gabriela Bocardo, Gorriti 4271; Piel, Goriiti 4721; Zöel, Paseo Alcorta; Maja, en Exe, Paseo Alcorta; Dolores Iguacel, Libertad 1240, local 12; Tex, en Carrefour. 

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Rincones Tierra de Caballos

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

A 20 km de Gualeguaychú, la estancia Santa María ofrece una sitio especial para disfrutar del campo

Si hay algo que distingue a este sitio es la devoción por los caballos criollos. Miguel de la Torre, dueño de la estancia, es un verdadero fanático, y por eso gran parte de los esfuerzos del establecimiento están dedicados a criar, domar y entrenar caballos para competición.

El lugar, además, está preparado para recibir turistas y es un sitio ideal para una escapada, especial para aquellos que deciden pasar unos días alejados de la ciudad y a sólo tres horas de la Capital.

Santa María cuenta con flamantes cuartos que fueron construidos en la antigua casa del cabañero; están provistos de baño privado y aire acondicionado, un detalle que se aprecia durante el verano.

En el comedor, toda la decoración remite a los equinos, y llama especialmente la atención un cuadro sobre el hogar pintado por Roberto Gerlero, socio de Miguel en la cabaña.

Los asados en el quincho y las visitas al cercano pueblo de Almada, que quedó casi olvidado después de que el ferrocarril dejó de pasar, forman parte de las actividades que se ofrecen al recién llegado.

Recorrer el campo a caballo es una buena propuesta para los interesados en las nuevas tendencias de manejo en agricultura y ganadería, que aquí se aplican en el trabajo diario.

Para los días de verano, el gran tanque australiano que funciona como piscina permite nadar y después asolearse con vista a la llanura. Al atardecer, el té se sirve en la galería o cerca del sitio donde se entrenan los caballos, y es un verdadero espectáculo ver el paciente trabajo del hombre y la bestia.


lugares@revistalugares.com.ar

1) Contactos: Santa María. En Buenos Aires, Pagos Argentinos, Tel: 4807-3740. En la estancia (sólo con reserva previa): (03446) 15-40-4294.

2) On line:
info@pagosargentinos.comwww.estanciasantamaria.com

3) Precios: $ 195 por persona por día con pensión completa y actividades. No incluye bebidas. Menores de 10 años, 20% de descuento; menores de 3, sin cargo. 

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De Norte a Sur

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Un relato visual de nuestro país, un recorrido por la belleza autóctona, es el resultado de Argentina – Tierra de paisajes, el libro fotográfico que la revista Lugares editará esta semana

Desde hace más de 15 años, la revista Lugares se ha dedicado a recorrer cada rincón de nuestro país y a descubrir las bellezas que la Argentina prodiga para que el turismo tenga una herramienta clave a la hora de elegir el destino a conocer. Ahora, la publicación redobla la apuesta y pone en el mercado su primer libro de imágenes, unas 190 páginas que ofrecen más de 150 fotografías tomadas a lo largo de su vida editorial. Argentina – Tierra de paisajes, se titula este viaje que va desde la Antártida hasta La Quiaca, con una cuidada selección de paisajes que atraviesan la Patagonia, las pampas, Cuyo y el Norte, en una edición que incluye también la traducción al inglés y al portugués. Bien lo explica en el prólogo Rossana Acquasante, directora editorial de Lugares: “En estas páginas se muestra el país como lo moldeó Madre Natura. Sin divisiones políticas regionales o provinciales, sin el factor limitante de la cultura oficial. A fin de cuentas, esas acotaciones fronterizas sólo sirven a intereses que están muy lejos del de los espíritus viajeros (…). Aceptar que los únicos límites que tienen significado son los que traza la naturaleza”. 

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Imaginar el futuro

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Provienen de diversos ámbitos, y todos ganaron el Konex de Brillante durante los últimos 20 años. Desde su propio espacio, cada uno reflexiona sobre la posibilidad de concretar proyectos en la Argentina de hoy

En los últimos 26 años, los elegidos fueron 33. Todos obtuvieron el Konex de Brillante por sus aportes a la cultura, por su trayectoria. LNR reunió a ocho de esas figuras, destacadas en diversas disciplinas.

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Ljerko Spiller, Norma Aleandro, Luis Felipe Noé, Horacio Salgán, Guillermo Alchouron, Gregorio Klimovsky, Mariano Grondona y Gabriela Sabatini aceptaron el desafío de explicar a otros cómo es posible armar un proyecto personal en el país, cómo ven el panorama actual en cada uno de los campos en los que fueron premiados y cuáles son las dificultades más apremiantes para el desarrollo de sus disciplinas. En las páginas que siguen, su pensamiento y sus recetas optimistas para los que recién empiezan.

Mariano Grondona

En 1997 ganó, en Comunicación y Periodismo, los Konex de Platino y de Brillante, y el diploma al mérito. Para el abogado, académico y periodista, tener vocación es la principal herramienta para desarrollarse.

“Lo que nunca se negocia es la vocación; es como un absoluto: es aquello por lo que sentís inclinación, y lo demás son circunstancias que ocurren más allá de la voluntad personal”, afirma el conductor del programa Hora clave.

Grondona considera que en el desarrollo del campo comunicacional en el país lo primero que se nota es la gran expansión y, por otro lado, la profesionalización a partir de las carreras de estudio, especializaciones que antes no existían.

Mientras aclara que no es a él a quien le ocurren, dice que hoy existen dificultades: “Sé que hay muchos que denunciaron presiones del Gobierno. Este es un gobierno particularmente sensible a todo lo que se publique y quiere una presencia muy dominante, que a veces logra y a veces no”.

Para un profesional del periodismo, el principal riesgo es el de opinar con el disfraz de la información. “Eso es algo que tengo muy claro: la opinión es una cosa y la información, otra. El riesgo es que se confundan los géneros.”

Grondona se siente privilegiado con poder desarrollarse en lo que le gusta, y también cree que los contenidos variaron con la tecnología: “Yo empecé con la gráfica. Luego se agregó la televisión, que aún creo que no logra el rigor y la tradición del periodismo gráfico. Es en él donde yo aprendí a escribir”. Por eso, propone a quienes comienzan en el periodismo que lo intenten con la gráfica, en un medio afín a su ideología. “Creo que lo importante es la honestidad intelectual; la objetividad no existe, pero la honestidad la defino en no saber cómo terminaré una frase cuando la empiezo a pensar; eso lo hago en mis columnas de La Nacion.”

Horacio Salgán

Yo armé mi proyecto personal en respuesta a una pasión tremenda –explica el maestro Horacio Salgán–. Tengo muchas pasiones: la poesía, la pintura, la música, el piano, la composición musical. Mi papá tocaba el piano, como aficionado. En mi casa había un ambiente muy favorable para la música y, además, yo tenía una predisposición personal. Empecé a los 14 años, tocando el piano en el cine mudo. Así que comencé y logré completar mis 75 años de trabajo.”

Premio Konex de Brillante 2005 y Konex de Platino en 1985, 1995 y 2005. Instrumentista de tango, Horacio Salgán nació en Buenos Aires en 1916, y a los 13 años comenzó a estudiar música en el Conservatorio Municipal. Un año más tarde ya estaba trabajando como pianista en el cine Universal, de Villa Devoto.

Horacio Salgán ha escrito más de cuatrocientos arreglos musicales y recibió numerosos premios nacionales e internacionales. La Secretaría de Cultura de la Nación lo distinguió como Personalidad Emérita de la Cultura Argentina.

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Maestro de maestros, siempre con mirada atenta a lo que ocurre a su alrededor, reflexiona: “Los resultados de lo que sucede ahora vamos a verlos dentro de mucho tiempo. En su época, a Beethoven y a Tchaikovsky no les reconocieron sus valores. La clave es estudiar. A los jóvenes les diría que escuchen las grandes orquestas de tango, como las de Aníbal Troilo, don Carlos Di Sarli, (Osvaldo) Fresedo. Eso les permitirá formarse en las sutilezas del género. El camino no resulta fácil. Pero no se trata del país ni de la época, sino de la vida; la vida es así”.

Gregorio Klimovsky

La primera vez que me echaron de la Universidad me dolió mucho, pero la novena vez ya me dio risa –bromea el epistemólogo–. En mi trayectoria he recibido mucho. En matemática, mi principal formador fue el español Julio Rey Pastor, que trajo la matemática moderna a la Argentina. En filosofía, Vicente Fatón. Y también hay gente joven a la que le debo mucho. Por ejemplo, Rolando Víctor García: estudiamos juntos y él fue decano de la Facultad de Ciencias. Nosotros introdujimos algunas de las materias de avanzada en lógica y filosofía que ahora se enseñan en el país.”

Premio Konex de Brillante en 1996 y dos veces Konex de Platino en Lógica y Teoría de la Ciencia, en 1986 y 1996. Gregorio Klimovsky nació en 1922; desde 1956 hasta 1966 fue profesor titular del Departamento de Matemática de la Facultad de Ciencias Exactas de la UBA, de la que fue decano en 1984 y 1985. La Facultad de Filosofía y Letras contó con su trabajo como profesor titular de Lógica y Filosofía de la Ciencia entre 1957 y 1966. Autor de varios libros y artículos científicos, y comprometido con el humanismo, en 1984 integró la Comisión Nacional de Desaparición de Personas (Conadep).

Así ve el presente: “En la Argentina de hoy –analiza–, el talento de los investigadores tiene posibilidad de desarrollarse, pero no tiene seguridad. A largo plazo, confío en que eso va a ser posible”.

Para los jóvenes, Klimovsky clama por el mejoramiento de los planes de estudio. “Se necesitan planes académicos y económicos mejor pensados. Tiene que haber más cargos para la universidad. No puede ser que haya gente dando clases ad honórem. El 90% del presupuesto actual se va en sueldos, y la universidad precisa comprar libros y aparatos, becar, financiar viajes de estudio y contratar profesores extranjeros. Hoy no hay plata para nada de eso. Son años y años de funcionar de ese modo, pero es absurdo. A pesar de todo, con la sorprendente cualidad que tienen los argentinos de poner entusiasmo en lo que hacen, los investigadores terminamos pagando nuestras propias investigaciones. Con gente entusiasta se pueden hacer muchas cosas.”

Luego se pone pragmático al esbozar consejos para los más jóvenes: “Les diría en qué carreras hay que anotarse, con quiénes trabajar y que se preparen muy bien cuando se llama a concurso de docentes, porque quien consigue un cargo de dedicación exclusiva al menos tiene cierta estabilidad”.

Norma Aleandro

Lo que yo logré se consigue trabajando. En este país, la cultura y la ciencia están dejadas de la mano de Dios, de modo que a mí no me extrañaba no tener apoyo, dado que tampoco lo tenía otra gente a la que yo admiraba. Nunca trabajé con partidas del Estado. Los actores estamos muy acostumbrados a la inestabilidad, porque nuestro oficio está basado en la incógnita permanente. Yo comencé a trabajar desde muy chica, y nunca hice un proyecto para que fuera exitoso. Mi propósito siempre fue perfeccionarme y buscar la excelencia.”

Premio Konex de Brillante 2001 y Premio Konex 1981 y 1991, actriz, directora y autora teatral, el talento de Norma Aleandro es ampliamente reconocido aquí y en el mundo. En 1987 fue nominada para el Oscar por su trabajo en Gaby, una historia verdadera. Protagonista de La historia oficial –el film que ganó la estatuilla de la Academia de Hollywood–, obtuvo numerosos galardones por su desempeño. Entre otros, el codiciado Premio a la Mejor Actriz del Festival de Cannes, el Golden Globe y el David de Donatello. Es miembro permanente de la Academy of Motion Pictures, Arts and Sciences, y Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires.

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En lo que al teatro y al cine se refiere, tiene una visión optimista. “Lo que está pasando ahora es maravilloso. En el teatro, los actores arman grupos independientes, están apareciendo nuevos valores entre los directores, autores y actores. En cine, a partir de la universidad que armó Manuel Antín surgieron muchas otras. Esto potenció nuestro cine y aumentó la producción.

“Mi consejo para los más jóvenes –sugiere la actriz– es que no se dejen arredrar por los inconvenientes que se les presenten. Les diría que le den al arte lo que antiguamente les pedían los galanes a las damas: una prueba de amor, a pesar de los inconvenientes. Lo bueno es que siempre encontrarán compañeros con quienes armar un grupo de estudio y de trabajo; esto es lo bello que tiene nuestra profesión, que se hace con otro. No vale la pena –reflexiona– hablar de lo que se podría hacer con el arte si no hablamos de lo que se podría hacer con la educación. Un país que no educa o educa mal es un país que no piensa. Hay que incluir el arte en la educación, porque el arte abre conciencias. Lo más grave que sucede en mi profesión es lo mismo que sucede en toda la Argentina: los pocos planes de educación que existen son malos y dirigidos en beneficio del partido gobernante; son la palabra y el pensamiento del que está gobernando; un pensamiento que, en general, y desgraciadamente, es estrecho y corto.”

Luis Felipe Noé

Yuyo, como lo conocen todos los pintores, creó el grupo de la Nueva Figuración en la década del 60 junto con Ernesto Deira, Rómulo Macció y Jorge de la Vega. Vivió y expuso en París y en Nueva York, y en 1985 la Bienal de San Pablo le rindió un histórico homenaje. Luego de tres Konex, en 2000 recibió el de Brillante en Artes Visuales.

Para este artista argentino conocido en el mundo, el campo de las artes visuales hoy no se limita a la pintura y el pincel: “En el Renacimiento, la pintura se fue colocando ropa y desde el romanticismo se la empezó a sacar. El «streaptease» terminó en los 60, con el surgimiento del arte conceptual, y luego hubo un gran desconcierto. A partir de la foto irrumpieron muchos métodos de hacer imágenes, como la televisión e Internet”, dice, y explica que la pintura no ha muerto, pero que hoy hay muchos procedimientos más allá del mero pincel. “Si se habla de música electroacústica, ¿por qué no se puede hablar de pintura digital?”, se pregunta.

Respecto de las dificultades específicas de su campo, Noé cree que hay “mucha estupidez” en el armado de las muestras y que existe la pretensión de que el arte no lo hacen los artistas, sino los curadores. “Ahora, en la educación se habla de lo proyectual, pero no siempre el artista trabaja sobre un proyecto: uno lo va formulando a medida que lo va haciendo. El proyecto es la propia obra, y el problema es que se acostumbraron a pensar en palabras y no en los términos intrínsecos del lenguaje plástico.”

“Las vicisitudes de la carrera y de la vida son como un viaje en tren: siempre es el mismo asiento, pero van cambiando los paisajes. El tren puede hasta descarrilarse, yo mismo paré de pintar por nueve años, pero luego la marcha continúa.” Noé rescata la honestidad con uno mismo, más allá de las modas, y la capacidad de saber lo que se quiere, como las dos condiciones más difíciles, pero fundamentales, para crear un interesante camino.

Gabriela Sabatini

En 1990 ganó el Konex de Platino y una década después recibió el de Brillante.

En su historia deportiva ganó 632 partidos, consiguió el título en 27 de los 213 torneos que disputó. En 1996 anunció su retiro y hoy trabaja en la promoción del tenis femenino.

Para Sabatini, la trayectoria se construye cuando uno se dedica a lo que le gusta. “Obviamente, todo lleva mucho sacrificio, dedicación, y hay que dejar de lado muchas cosas. Creo que fui muy afortunada al poder dedicarme a lo que me gustaba y, además, triunfar en eso”, explica, y cree que el campo local está volviendo a activarse, luego de la crisis de 2001, cuando escaseaban los recursos para ayudar a los chicos a viajar.

Aunque cree que se está impulsando la competencia, preferiría ver un poco más desarrollado el tenis femenino: “Siempre hubo más cantidad de hombres en el buen nivel; hay que apoyar más a las mujeres: para ellas es más difícil largarse en la carrera”.

Respecto de las dificultades del desarrollo del tenis en la Argentina, opina que la gran limitación está en la lejanía del país en el mapa mundial, pues los costos por viajes son muy altos. “El deporte es algo fundamental, que me nutrió como persona y me dio la posibilidad de viajar; por eso hay que intentarlo, y hay que poner más”, propone, a la hora de pensar en qué actitud tomar desde el inicio. También cree que el gobierno debería ayudar más al deporte en general. “Seguir los sueños y trabajar con profesionalismo y responsabilidad para cumplir los objetivos”: es lo que la brillante tenista recomienda.

Guillermo Alchourron

Destacado en el campo de la dirigencia empresarial, como director y también presidente de la Sociedad Rural Argentina, obtuvo el Premio Konex de Brillante en 1988 en la categoría de Comunidad y Empresa. Desde 2003 es diputado nacional por el bloque Acción por la República.

En su carrera como dirigente empresarial tuvo que enfrentarse con todo tipo de circunstancias. “En general, nada ha sido fácil. Siempre he tratado de acercar mis ideas a sectores menos dispuestos a considerar el campo una parte vital de la realidad nacional. Siento que esa actitud me ha deparado más éxitos que fracasos”, explica. “En aquello relacionado con el concepto de comunidad, advierto los mejores resultados. El desenvolvimiento de las organizaciones no gubernamentales ha sido muy importante en las últimas dos décadas. En las instituciones hemos vivido muchos vaivenes. Los tres poderes de la República han sido cuestionados significativamente, y en muchos casos con clara razón.”

En cuanto a las empresas y la dirigencia empresarial, cree que el sector debe recuperar un protagonismo relevante, y que el Gobierno debe brindarle el lugar correspondiente. A la hora de pensar en los jóvenes que transitan su disciplina, el diputado propone “mirar al futuro con optimismo, sin dejarse amilanar por las frustraciones del pasado. La vida empresarial exitosa requiere esfuerzo, dedicación y una permanente capacitación para estar al día. La dirigencia exige, además, un conocimiento a fondo de la problemática social y política en la que habrá de moverse. Para que se entiendan nuestras aspiraciones, debemos intentar comprender las de los demás”. 

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Entrevista con un pedagogo español

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

“Los chicos deben salir de la escuela con un proyecto propio”

Fernando González Lucini presentó la llegada de la editorial Edelvives al país

Entre tanto vocabulario técnico, la educación debe recuperar las preguntas sencillas. Y la primera de ellas, precisamente, es: ¿qué es educar?”

Con ese interrogante básico, el maestro y pedagogo español Fernando González Lucini reivindica la enseñanza de valores que permitan recuperar una misión muchas veces olvidada en la escuela: conseguir que los alumnos, más allá de la adquisición de conocimientos, puedan egresar con un proyecto de vida propio.

“Paulo Freire decía que educar es humanizar. Y el desafío de hoy es humanizar, curiosamente, en un mundo deshumanizado. Los chicos tienen que salir de la escuela sabiendo para qué vivir”, reflexionó el pensador español, en un diálogo con LA NACION.

González Lucini visitó Buenos Aires para presentar la llegada al país de la editorial española Edelvives, que competirá en nuestro medio con el respaldo de 100 años de trayectoria en el campo educativo y cultural. Se trata de un grupo editorial identificado con el espíritu de Marcelino Champagnat, fundador del Instituto de los Hermanos Maristas, que promueve la difusión de la cultura mediante la creación de libros orientados a la infancia y la juventud. El catálogo comprende desde textos clásicos de literatura (Bécquer, Antonio Machado y Juan R. Jiménez, entre otros) hasta libros de texto para el alumno, recursos para el docente y material complementario para el aula. Algunos de los libros de González Lucini llegarán próximamente. Pero él trajo bajo el brazo uno de sus últimos trabajos: un pequeño libro dedicado a la “reivindicación de la ternura”.

Los buenos valores

“A los chicos se los puede formar en los valores del mercado (el consumo, la eficacia, la rentabilidad, el lucro) o en los valores del corazón, que forman un proyecto más humanista”, afirmó González Lucini, convencido de que la enseñanza en valores debe comenzar en los institutos de formación docente.

Grandes ideales universales, como la igualdad, la libertad, la democracia, la paz, la justicia, dijo, se nutren de pequeños valores (responsabilidad, sacrificio, esfuerzo) y ésa es la esencia para que no pierdan sentido. “Un joven se asombraba y se preguntaba por qué muchas veces se celebra el Día de la Paz y el mundo está cada día peor, con más guerras”, confió el autor español.

“Entre esos valores que debemos rescatar está la ternura, constitutivo de la identidad humana y muy maltratado en la sociedad. Se le ha puesto género -femenino-, se lo infantiliza y se lo aleja del modelo masculino, caracterizado por la fuerza y la agresividad, cuando el ser humano, sin distinción, tiene una gran capacidad de ternura”, explicó el pedagogo y escritor.

A eso se suma, lamentó, que “las mujeres quieren imitar el modelo masculino”. Y potenció su visión con el siguiente pensamiento: “La ternura es un muro de contención que previene la violencia”.

“Si recuperáramos la ternura en la educación, recuperaríamos la pedagogía de la esperanza. Y ello generaría un comportamiento humano que nos llevaría a una sociedad más justa y solidaria”, advirtió.

González Lucini confesó que una de sus frases preferidas es la que dice que “la solidaridad es la ternura de los pueblos”. La escuchó en distintas ocasiones, atribuidas a Pablo Neruda e, inclusive, al líder guerrillero Ernesto Che Guevara. “No importa quién la dijo. Lo cierto es que encierra valores humanos muy profundos y confirma que el compromiso de la ternura es auténticamente revolucionario”.

Una forma de promover estos valores en la escuela, señaló, es través de la presencia de profesores que trabajen en el aula con lenguajes poéticos, música, sentimientos, al margen de los contenidos en los planes de estudio.

“Los valores generan derechos, los derechos generan deberes y éstos general normas, Hoy el ambiente conspira contra los valores. En la escuela habría que hacer una lectura crítica de la realidad. Hay que dar criterios, que no es adoctrinar. Si los criterios están ausentes y todo vale,se llega a la inseguridad con que viven hoy los adolescentes. No podemos esperar que comprueben motu proprio que la cocaína los destroza.” 

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Reúnen testimonios de 80 escritores en audio y video

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

La colección está disponible en la Red

Hace dos años, la voz y el pensamiento de una treintena de escritores argentinos comenzó a instalarse en la Red, a través de un portal de audio y video recientemente presentado en el Centro Cultural Recoleta. Se trata de la Audiovideoteca de Escritores de Buenos Aires, que, de la mano de Alejandra Correa y Karina Wroblewski, creció a pulmón y hoy atesora la memoria de 80 narradores, poetas y ensayistas.

La buena nueva del portal es que desde enero próximo tendrá un espacio propio en el primer piso del Centro Cultural Recoleta. Habrá allí una sala equipada especialmente para estudiantes, investigadores y público en general, en la que podrán hacerse consultas de los archivos. La producción está digitalizada y el acceso será por medio de computadoras instaladas en la sala. De cara al futuro, son bienvenidos, según explicó Karina Wroblewski a LA NACION, los aportes de los ciudadanos y los amantes de la literatura.

La audiovideoteca contiene, además, fragmentos de entrevistas, cronologías documentales de su vida y su obra, y homenajes a otros autores locales fallecidos. El sitio, al que se accede por el dominio electrónico www.audiovideotecaba.gov.ar , suma secciones con lecturas para chicos, recomendaciones de libros y más de 500 registros históricos con la imagen y la voz de intelectuales vernáculos del siglo XX y XXI.

El material tuvo difusión a través de Ciudad Abierta, la señal televisiva del gobierno porteño, y otras emisiones se conocieron por La 2 x 4, la emisora ciudadana dedicada al tango, que pertenece a Radio Ciudad.

Cuando el registro atesoraba 30 memorias, las realizadoras de la Audiovideoteca de Escritores consultaron a los autores, en una encuesta ad hoc , sobre sus 10 libros de cabecera. La idea, según cuenta Wroblewski, era conocer qué leen los que escriben. “Algunos eligieron puntualmente diez libros. Otros completaron ocho y no faltaron quienes eligieron hasta 13 títulos. Lo curioso fue saber que algunos escritores de procedencias, ideologías y obras muy disímiles coincidieron en la elección de más de un autor.”

Voto calificado

Los 30 autores consultados fueron Griselda Gambaro, Daniel Veronese, Eduardo Belgrano Rawson, Liliana Heker, Cristina Siscar, Guillermo Martínez, Tununa Mercado, Luis Gusmán, Germán García, Alan Pauls, Arnaldo Calveyra, Marcelo Cohen, Leónidas Lamborghini, Arturo Carrera, Juana Bignozzi, Alberto Laiseca, Hugo Padeletti, Abel Posse, Abelardo Castillo, Juan Sasturain, Juan José Manauta, Ana María Shúa, Jorge Boccanera, Luisa Valenzuela, Osvaldo Bayer, Guillermo Saccomano, Antonio Dal Masetto, Hugo Mujica, Daniel Samoilovich y Roberto Raschella.

Como no podía ser de otro modo, el escritor más leído resultó ser Jorge Luis Borges, seguido por Franz Kafka. Interesante coincidencia, si se recuerda que fue Borges el primer traductor del autor de El proceso . Si bien los escritores eligieron libros, en realidad votaron a los autores que más influyeron en su vida, porque son imposibles de olvidar, según comentó Wroblewski.

De Borges, los intelectuales, en su mayoría, prefirieron Ficciones , Antología de la poesía gauchesca e Historia de la eternidad , y Obra completa. Kafka cautivó con Los diarios , La metamorfosis , Ante la ley , El proceso y El castillo. De William Faulkner los elegidos fueron El sonido y la furia , Palmeras salvajes, ¡Absalón, Absalón! y Luz de agosto. Los títulos de Hemingway que resultaron más votados fueron El viejo y el mar, Adiós a las armas y Cuentos completos.

Robert Arlt cosechó adhesiones con Los siete locos , Los lanzallamas y su Obra completa. Del poeta peruano César Vallejo, los escritores eligieron su obra poética completa. De Hermann Melville, Moby Dick, y de Joseph Conrad, El espejo del mar y El corazón de las tinieblas.

En busca del tiempo perdido, de Marcel Proust,y El idiota , Los hermanos Karamazov y Crimen y castigo, de Fedor Dostoievski, completaron el ranking de los más votados. A estos escritores les siguieron la brasileña Clarice Lispector, con Agua viva, Un soplo de vida y sus cuentos, y el italiano Italo Calvino, con Las ciudades invisibles y Seis propuestas para el próximo milenio .

Preferencias

Los dramaturgos Griselda Gambaro y Daniel Veronese repartieron sus preferencias entre las novelas policiales, los ensayos sobre narrativa y la poesía. Borges, Kafka, Proust, Benjamin, Deleuze, Brecht, Barthes y Gombrowicz fueron los elegidos de Alan Pauls, en tanto para su contemporáneo Guillermo Martínez, los más influyentes resultaron Henry James, Lawrence Durres, Italo Svevo, Susan Sontag, además de los locales Borges y Roberto Arlt. La poetisa Juana Bignozzi eligió a Hans Christian Andersen, Cesare Pavese, Erich Fromm, y los franceses Honoré de Balzac y Paul Eluard. Para la narradora Luisa Valenzuela, los más influyentes son Borges, Kafka, Burroughs, Lispector y Cortázar.

Las entrevistas audiovisuales están editadas en tres formatos: video, audio y texto. Además, el equipo de la audiovideoteca trabaja en el inventariado de archivos audiovisuales que están dispersos en instituciones públicas y privadas, para constituir en el portal un archivo único en su tipo.

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CINE ARGENTINO

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Pionera. En una casona de fines del siglo XIX, en Tigre, se registraron las últimas escenas de ficción de Tierras prohibidas , documental sobre la vida de Cecilia Grierson (1859-1934), la primera mujer que se recibió de médica en nuestro país. Leonor Manso recrea el personaje de la doctora en su madurez (cuando tiene lugar un encuentro imaginario con la jóven Grierson, interpretada por Ana Yovino). La guionista Silvina Chague ( Cleopatra , Una modesta proposición , y Gambartes, verdades esenciales , entre otros títulos), hace su debut como directora con este largo, que combina pasajes de ficción con material de archivo y entrevistas actuales. El film, anticipa la realizadora, “recorre los momentos más significativos de la vida de Grierson, y a través de ellos, los temas que activaron las luchas de las mujeres argentinas por conquistar territorios del saber, la política y la economía, que resultaban vedados, en buena parte, sólo por una cuestión de género”.

Nueva etapa. Recién llegado de San Luis, donde filmó Tres de corazones , Sergio Renán inicia la posproducción del film, cuyo elenco reúne a Luis Luque, Mónica Ayos, Nicolás Cabré y China Zorrilla, entre otros actores. Según comentó el director a LA NACION, el lanzamiento de la película “está pensado para abril de 2007, pero la fecha se definirá más adelante”. Una novela de su amigo Juan José Saer inspiró el guión de Renán, acerca del triángulo amoroso entre un taxista, su jefe y una bella mujer.

Otro capítulo. XXY , ópera prima de Lucía Puenzo, también ingresó en la fase de posproducción. Esta historia sobre una adolescente hermafrodita, llegará a los cines argentinos en 2007, a través de Distribution Company. Ricardo Darín, Inés Efrón, Valeria Bertuccelli, Carolina Peleritti, Germán Palacios y Martín Piroyansky participan en esta coproducción argentino-española. El jueves último, en Palermo, la guionista y directora festejó con los actores y técnicos de XXY el final del rodaje, que se desarrolló en el balneario uruguayo de Piriápolis.

  • Para agendar. En el marco de la exposición de obras de Ernesto Deira, que presenta el Museo Nacional de Bellas Artes (Avenida del Libertador 1473), exhiben un documental biográfico sobre el artista, producido por el cineasta Eduardo Montes-Bradley. Por su parte, el Centro de Formación Profesional del Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina (Salta 1919), informó que a partir de mañana inscriben para sus cursos de verano y del primer cuatrimestre de 2007. Los interesados en obtener más información pueden escribir a
    cfp@sicaescuela.com.ar o ingresar a la página www.cfpsica.com.ar

En Pinamar. Varios títulos nacionales todavía inéditos en salas comerciales están programados en Pantalla Pinamar, cuya tercera edición arranca el sábado. La nómina incluye los preestrenos de El amor y la ciudad , de Teresa Costantini, El destino , de Miguel Pereira, La velocidad funda el olvido , de Marcelo Schapces, Arizona sur , opera prima de Daniel Pensa y Miguel Rocca, El color de los sentidos , codirigida por Liliana Romero y Norman Ruiz, y los documentales Argentina beat , de Hernán Gaffet, y Los próximos pasados , de Lorena Muñoz. Habrá también homenajes, por los cuales exhibirán La casa del ángel , Más allá del olvido , El exilio de Gardel , y Sentimientos (Mirta, de Liniers a Estambul) , y proyecciones de películas que participaron, este año, en diversos festivales internacionales ( El camino de San Diego , El custodio , y Derecho de familia , entre otras). Más el anticipo de varios films en vías de terminarse, incluidos en la sección Work in progress, donde se conocerán imágenes de Visitante de invierno , filmada en Pinamar por el debutante Sergio Esquenazi e interpretada  por Ana Cuerda, Pepe Novoa, Diego Alonso Gómez, y Sandra Ballesteros.

Elegidos. Además de Lucía Cedrón, seleccionada por Cordero de Dios , otro director de nuestro país que participará en el 2007 Sundance NHK International Filmmakers Awards, es Jorge Gaggero, por el proyecto de su tercer largo, La seguridad de los perros . Un jurado internacional elegirá los cuatro ganadores del premio (dotado de 10 mil dólares), que anunciarán en febrero, durante el festival de Sundance, que se realiza desde hace varios años en Utah, Estados Unidos. Además, el Sundance Institute trabajará en forma juntamente con los premiados para proveerlos de los recursos necesarios para obtener fondos para la producción y comercialización de sus películas.

Decisión. El Fondo Iberoamericano de Ayuda Ibermedia tenía previsto celebrar, el miércoles y jueves últimos, en Puerto Rico, su reunión para decidir los apoyos a distintos proyectos audiovisuales. Pero el encuentro se pospuso para el 17 y 18 de enero, y tendrá lugar en Panamá. Según informaron, la decisión de suspender la reunión de Puerto Rico, se tomó “con el acuerdo unánime de los países miembros del Programa Ibermedia, al no haberle sido concedido el visado al delegado cubano por parte del gobierno estadounidense”.


Leonor Manso en Tierras prohibidas, la ópera prima de la guionista Silvina Chague (Cleopatra)

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El cuarteto radicado en Europa debuta en la Argentina

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Contigo en la distancia

Quizá como una forma de resolver la distancia, el grupo Córdoba Reunión se juntó como un modo de no perder contacto con la música argentina.

Cuatro cordobeses con carreras artísticas propias que decidieron trabajar sobre una propuesta que tuviese un lenguaje construido por dos vocabularios que confluyen naturalmente.

Córdoba Reunión, con Javier Girotto en saxo soprano y flautas, Gerardo Di Giusto en piano, Carlos “Tero” Buschini en bajo eléctrico y Minino Garay en percusión, se presentará por primera vez en el país, el jueves y el viernes, a las 21.30, en Notorious, Callao 966.

El cuarteto viene a presentar Argentina Jazz, editado por Los Años Luz, trabajo que refleja la potencia creativa de esta propuesta que tiene como sello composiciones originales.

El grupo parece basarse en la potencia interpretativa e inspiración del saxofonista Javier Girotto, que asume una suerte de liderazgo natural, aunque la propuesta rítmica tiene tanta fuerza como la melódica.

Girotto vive en Roma desde fines de los años noventa y ha grabado 22 discos en siete años, un reflejo evidente de la actividad que desarrolla como artista.

Participó de los grupos de Enrico Rava y Roberto Gatto; fue músico invitado de la Orquesta Nacional de Jazz de Francia e interviene en Aires Tango, el Ensamble de Luciano Biondini y Paolo Silvestri, el trío con el cantante Peppe Servillo y Natalio Mangalavite, los Girotto & Six Sax, la Corvine & Iodice Roma Jazz Ensamble y su trabajo con el cuarteto de cuerdas Vertere.

Girotto es uno de esos artistas cuya historia es exitosa, pero a costa de trabajo. Desde Roma le contó a LA NACION que su trabajo tiene cada vez menos contacto con el mundo del jazz y más relación con su música. De todos modos, hace poco tiempo grabó en Nueva York un disco con el grupo del pianista venezolano Ed Simon, con Jeff Ballard en batería y Ben Street en contrabajo.

“Mi mundo musical reune al folklore con la improvisación. Siento que tocó música de mi tierra en la que tengo mis sentimientos. Hoy no estoy interesado en hacer jazz, en el sentido estricto de la palabra. Improviso y para ello necesito elementos que están asociados al jazz”, dijo el músico, recibido en la escuela Berklee, de Boston.

Su llegada a Estados Unidos fue el resultado de mucho años de trabajar para ello. Desde los 15 años quiso viajar; primero, a Francia, y ante la negativa de sus padres, decidió juntar el dinero con actuaciones.

Fue durante algunos años el saxo alto del grupo Chebere, rivales cuarteteros de la Mona Jiménez.

“Teníamos mucho trabajo con ese grupo y pude reunir el dinero para irme a Boston, además conseguí una media beca para Berklee”, recordó el músico.

Una vez recibido, decidió viajar a Nueva York y desde allí saltó a Roma, donde tiene su residencia.

Respecto de este retorno a la Argentina, admitió que le genera expectativas, pero que ya no queda familia en el país, lo cual también le quita razones para venir más seguido.

“Hace bastante tiempo que no estoy en la Argentina y más tiempo todavía que no actúo. Será un momento especial acercarme a mis amigos desde el escenario”, señaló Girotto.

“El jazz no me llega al corazón y es una de las razones por la que no lo toco tanto ya; en realidad interpreto mis raíces en el saxo como en los diferentes instrumentos de viento. Antes no podía afirmar de esta manera tan taxativa mis gustos, hoy, sí lo puedo hacer”, afirmó uno de los músicos más valorados de la escena musical del jazz en Italia.

La música que presentarán en su gira por la Argentina y Uruguay toma motivos folklóricos como trampolines para la improvisación y la creación de climas que van desde los marcadamente melódicos hasta las atmósferas de una pureza abstracta.

Córdoba Reunión comenzará su gira el jueves y el viernes, en Notorious; de allí se presentarán sábado en el Sheraton, de Colonia y el domingo, en Montevideo; el 11 y el 13, en el Teatro del Libertador, en Córdoba; 14 y 15, nuevamente, en Notorious; el 16, en Bahía Blanca; el 17, en La Plata y el 19, cerrarán el tour en Rosario.

“Es una gran oportunidad para hacer la música que tocamos en Italia y en Francia en nuestro propio país. Tenemos ganas de reencontrarnos”, concluyó el músico.

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Claude Jade

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

La musa de Truffaut, en Domicilio conyugal y El amor en fuga , y de Hitchcock, en Topaz , murió ayer en París, a los 58 años, por un cáncer. Además de trabajar en una treintena de films, incursionó en la TV.

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Para consumir “paco”, el 60% roba

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Es una de las drogas que generan más adicción y necesidad de repetir la experiencia; dramáticos testimonios de adictos

Jeremías Albano a los 19 años pesaba 46 kilos. Lo había consumido el “paco”. El chico había robado hasta las hojas de las carpetas del colegio a su hermana para venderlas y comprar más droga. Un juego de sábanas de su madre, María Rosa González, corrió la misma suerte. Una vez desarmó una heladera que funcionaba para vender el aluminio y seguir consumiendo. Cuando en su casa de Ciudad Oculta, en Mataderos, no pudo robar más, su madre supo que lo haría en el barrio.

“Varias veces robé para fumar… Siempre trataba de buscar plata en casa. Me ponía violento antes de consumir si no tenía plata”, relata otro adicto al “paco”, la droga más peligrosa que mina el conurbano bonaerense y los barrios del sur de la Capital. “El «paco» te mata”, canta la cumbia villera, por la rápida degradación que provoca en los pulmones y las neuronas, o directamente lleva al suicidio.

Seis de cada diez adictos al “paco” participaron de algún delito para poder fumar, según revela una etnografía realizada por la Subsecretaría de Atención de las Adicciones de la provincia de Buenos Aires, a cargo de Patricia Segovia, en un barrio muy humilde donde viven 2817 personas. El 47,2% de los encuestados, de entre 14 y 30 años, admitió consumir “paco”. Pero el consumo salió de las villas y cada vez más chicos de clase media lo usan. María Rosa los ve llegar en auto a Ciudad Oculta, bien vestidos, donde se quedan toda la noche fumando y salen vestidos con harapos, porque les robaron o entregaron la ropa a cambio de una dosis.

Se llama “paco” a tres cosas: a la pasta base de cocaína purificada, a la pasta semielaborada y a la cocaína adulterada preparada en pequeñas dosis. Su presencia en las villas habla de la existencia de “cocinas” que elaboran cocaína. Se lo consume en forma de papeles o pequeñas piedritas que se fuman en una pipa casera.

“A mi familia le hice desastres. Llegué a vender un celular de 800 pesos por 200 para consumir, además de ropa. Hacés desastres…”, relata otro chico que lucha por salir.

El “paco” es la droga que más se relaciona con el delito, por la adicción grave que provoca, que obliga a consumir a cada instante. A diferencia de otras drogas, el efecto del “paco” dura apenas dos minutos, por lo que el consumidor rápidamente quiere repetir la experiencia.

Buscar el “mambo”

La búsqueda del “mambo” requiere cierto aprendizaje. “Empecé a fumar base a los 25 años porque tenía un amigo que fumaba y me dijo que era igual que la «merca» [cocaína]. Yo «merca» tomaba desde los 15 años. Al principio, no me llamó la atención, hasta que me fui de mambo con la cocaína y terminé en el hospital. Así que ahí dejé la «merca» y empecé con el «paco». Una vez que me enganché, ya no podía bajar. Antes de la cocaína, me rescataba, pero con el «paco» ni ahí: no podés parar porque te pide más”, describe otro muchacho, entrevistado por los expertos de la provincia.

Otro lo describe por sus efectos inmediatos en comparación con la cocaína, que tarda en llegar al torrente sanguíneo: “Vos le estás dando fuego y ya ¡huy! ¡Te pegó! La cocaína tiene un límite. Esto, no. Es más potente”.

“Esto es rápido, instantáneo; apenas fumás una pitada, te pone arriba; te zumban la cabeza, los oídos; sentís que te elevás, pero de un golpe, y enseguida querés otra vez, porque es cortito el mambo. El flash lo sentís cuando subís; después viene la paranoia”, describe otro chico.

¿La droga de los pobres?

El precio del “paco” tradicionalmente fue de un peso la dosis. Pero ahora se sofisticó el producto y, según su calidad, se cotiza en dos, tres o cinco pesos, según confió un jefe policial que desarticuló una banda de vendedores mayoristas peruanos la semana última, en Pompeya, y secuestró 10 kilos de pasta base. Es tal la compulsión al consumo, que lo barato sale caro, porque el costo es mayor, dada la necesidad imperiosa de repetir la dosis.

“No, no es económico, porque es un peso cada cinco minutos. Más no dura el efecto; no es económico. A veces escucho que dicen: «La droga de los pobres». Pero ¿sabés cuánto gastás? Con la cocaína gastás 40 o 50 pesos de golpe, pero con esto gastás 50 pesos en un ratito”, repite otro consumidor.

“Me he llegado a fumar 100 pesos, 100 pacos, sí”, evoca otro, ya sin nostalgia, o una chica que recuerda sus peores tiempos, en los que fumaba de 30 a 100 pacos por día, todos los días.

“Me llegué a fumar 200 pacos en ocho horas. Ponía de a tres dosis en la pipa. Usaba caños de cortina para hacer la pipa y adentro le ponía cobre y cenizas. Me gastaba tres encendedores en esas ocho horas”, recuerda otro.

La inclinación a robar cualquier cosa para consumir, la repetición de dosis y la frecuencia del consumo son las características de esta droga. A tal punto que, en el estudio de la Subsecretaría de las Adicciones bonaerense, el 68% de los encuestados dijo consumirlo a diario, con valores que triplican la frecuencia en el uso diario de cocaína y duplican el de marihuana.

El efecto del “paco”, según describen sus consumidores, pasa por tres etapas: “locura, fisura y amargura”. Al final, está la muerte.

Una chica adicta cuenta: “Cuando quería fumar, me agarraba mucha ansiedad; iba a buscar cerca de mi casa con lo que levantaba del carro, 10 o 20 pesos. Y venía a mi casa corriendo desesperada. Antes de fumar, la sensación siempre es de ansiedad; durante, de tranquilidad, y, después, bajón, tristeza”. Los consumidores de “paco”, a diferencia de otros adictos, son fácilmente distinguibles. Se los conoce como los “muertos vivos”.

Son doblemente excluidos. De su propio grupo, en la villa, su comunidad y su familia los desprecian por su violencia y falta de lealtades, y, en segundo lugar, quedan afuera para aislarse en su consumo y en su condición de “paqueros”, según el estudio de la provincia liderado por el investigador del Conicet Hugo Míguez.

Se los reconoce porque andan descalzos, según cuenta María Rosa, porque hasta las ojotas venden para tomar. Ahora, junto con otras mujeres que pelean en otros barrios para que los chicos se internen, María Rosa formó las Madres del Paco, con el fin de evitar más muertes.

La opción del suicidio

“Estos chicos terminan todos de esta manera. Mi hijo intentó suicidarse: se quiso tirar debajo de un colectivo. Los chicos se quitan la vida ahorcándose en un árbol porque no tiene para consumir. Cristián se ahorcó hace una semana; la semana pasada, un chico mató a otro de 16 por la pasta base, y a otro lo mató el vendedor, que era su padrastro”, relata. “Los chicos me dicen: «Doña Rosa, o termino matándome o me matan»”, cuenta.

Suicidio, muerte por adicción o con un balazo, o un tajo como consecuencia de una mala “transa”. Este es el destino.

María Rosa se enfrentó con el dealer que le vendía a su hijo en Ciudad Oculta. “Se me rió en la cara. Cuando me iba, me di vuelta y lo vi a mi hijo comprando. Una vez le reclamé el juego de sábanas y me amenazó con un arma”, recuerda.

“Algunos chicos nos hacen caso y se internan, pero cada vez son más los que aparecen y cada vez son más chicos de 11 o 12 años”, dice.

-¿Y la policía?

-No sé. Ven que cada vez mueren más chicos, pero no paran ni a los autos que entran en la villa a comprar.

María Rosa logró sacar a su hijo de ese infierno: lo hizo internar con la orden de un juez. Se lo llevó en patrullero a una clínica. Hoy, un año después, con 20 años, Jeremías pesa 82 kilos, mide 1,81 y ya tiene el alta psiquiátrica, pero no quiere salir de la clínica porque no quiere volver al barrio, donde sabe que puede volver a caer.

GRACIAS Hernán C

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Madryn: polémico proyecto inmobiliario

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

En El Doradillo, en Chubut

Allí hay avistajes de ballenas en la costa

PUERTO MADRYN.- El intendente de esta localidad, Carlos Eliceche (PJ), suspendió por 120 días un loteo previsto en la zona de El Doradillo -a 15 kilómetros de Madryn, desde donde se realizan avistajes de ballenas francas- a raíz de una fuerte polémica que despertó un proyecto inmobiliario.

Según está previsto, se crearán dos comisiones que permitirán a funcionarios, ONG y vecinos analizar la futura venta de terrenos en esta zona, declarada área protegida y de una superficie aproximada de 7500 hectáreas. Y elaborar una norma sobre el ordenamiento.

Con pintadas y posicionamientos públicos, habitantes de Puerto Madryn y ONG abrieron la polémica cuando explicitaron su oposición a la ordenanza aprobada por los concejales de la ciudad, que, mediante la adhesión a la ley provincial 4149, promovía la generación de “áreas agrestes” dentro del territorio municipal, habilitando el fraccionamiento de grandes extensiones.

Se incluía por medio de esta norma al área de El Doradillo, cuya superficie está en manos de tres grandes propietarios privados.

Ante la polémica, Eliceche decidió suspender el loteo de los terrenos, que, según inmobiliarias de esta ciudad, ya se valuaban en el mercado a 100.000 pesos la hectárea, y cuyo principal destino eran viviendas particulares y emprendimientos turísticos.

“La voluntad es escuchar todas las opiniones para, entre todos, encontrar la mejor alternativa al desarrollo de la ciudad y la región”, dijo el jefe comunal.

Eliceche aclaró que el estatus de El Doradillo no será modificado. 

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“Kirchner no sabe lo que pasa en Formosa”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Nazar le sugirió que “no metiera la pata”

El párroco de Las Lomitas, Francisco Nazar, prefiere no criticar en forma directa a Néstor Kirchner, pero opina que el Presidente “metió la pata” en Misiones y le pide que no cometa el mismo error en Formosa. “Lo que yo veo es que tiene un desconocimiento de la provincia, a la que está volcando dinero desde hace años, muchos años, adonde viene y se abraza con este gobierno, y habla de amistades”, afirma.

-¿Por qué no quieren que siga Gildo Insfrán en el poder?

-Lo que queremos es que en la Constitución no exista una reelección indefinida. Una democracia requiere la alternancia. Porque los seres humanos corremos el riesgo de que el poder se nos vuelva en contra. Uno se puede creer el dueño o creerse lo que dice Roa Bastos, Yo, el supremo .

-¿Se puede repetir aquí el caso Misiones?

-Creo que sí. Aunque el pueblo formoseño es un pueblo muy sumiso, muy tranquilo, muy bueno, muy acogedor, que no tienen mucha experiencia como provincia.

-¿Dudó de lanzar esta iniciativa?

-Todos hemos tomado este momento como un momento muy oportuno, y esto es lo que la gente del gobierno [provincial] quiere desacreditar. Dicen que no es lo mismo Misiones que Formosa; que hay otra realidad, y eso no es así. Esto es un fenómeno nacional. Y no es en contra de nada; es en favor de la democracia, de romper la fragmentación que hay en nuestra sociedad, como la que produce la ley de lemas. El día de la elección, acá, más que una fiesta cívica, parece una danza de esclavitud, donde todos son llevados, son traídos, manejados como animales que vienen en camiones, transportados de la manera más cruel. Se los encierra, se les quitan los documentos Eso no es una fiesta cívica; eso no es una democracia; esto lo tiene que saber el país.

-¿Qué papel desempeña el presidente Néstor Kirchner en este escenario?

-Yo le pediría al Presidente que conociera verdaderamente qué es Formosa, porque me parece que le ha pasado lo mismo que con Misiones. En Misiones metió la pata.

-¿El Presidente no sabe lo que pasa, o sabe y acompaña?

-No sé, porque no puede juzgar su conciencia. Pero por lo que yo veo, tiene un desconocimiento de la provincia, a la que le está volcando dinero desde hace muchos años, adonde él viene y se abraza con este gobierno, y habla de amistades Si yo estoy con los derechos humanos, tengo que abrir los ojos y ver.

-¿Qué opina del gobierno nacional?

-No sé. Tengo alegría de que no esté Menem [Carlos] en el poder. Se está reconstruyendo todo lo que él destruyó. Veo que hay cosas buenas e interesantes de este gobierno, pero también se ven los riesgos del poder.

-¿Qué riesgos?

-El temor de que las políticas públicas sigan siendo clientelares. No veo cambios en eso. Me dio vergüenza que la ministra de Desarrollo Social de la Nación [Alicia Kirchner] estuviera en nombre del Presidente haciendo campaña. Y si el Presidente hace eso acá, en Formosa, como lo ha estado haciendo hasta ahora, nos humilla a todos. 

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Entrevista con Fernando Ruiz Díaz, cantante de la banda

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

En el anuario de Rolling Stone , que sale mañana, se incluyen sus declaraciones

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“Catupecu es un concepto móvil”

Si miro para atrás me doy cuenta de que siempre viví la vida como una película, y una película más cerca de David Lynch, mezcla con Tim Burton y Fitzcarraldo , que es una película en la que ya sabés todo lo que pasa.”

Quien reflexiona así sobre la vida es Fernando Ruiz Díaz, cantante de Catupecu Machu, en una entrevista para la edición de este mes de la revista Rolling Stone, que estará mañana en los quioscos. Lo hace como una suerte de balance de uno de los años más intensos y duros de su vida. El año del accidente de Gabriel, su hermano y compañero de banda, que se encuentra todavía en un estado vegetativo persistente en la clínica Fleni de Escobar; el año en el que tuvo que tomar las riendas de la banda para el regreso a los escenarios. Catupecu se presentó en Obras, en el festival Pepsi Music, en Creamfields, en Rosario, en Chile y en La Plata, pero no lo hará en el Cosquín Rock, según anunció el grupo en un comunicado esta semana, porque en la grilla del festival cordobés se incluyó a Callejeros; la misma actitud que tomó Divididos.

En la extensa entrevista realizada por el periodista Pablo Plotkin, el cantante y guitarrista habla de la banda (“Catupecu es un concepto móvil. No vive ni del pasado ni del presente. Vive de algo que no sé qué es”, dice entre otras cosas); de cómo resultaron esas presentaciones en las que la banda se completó con músicos que son también amigos (Zeta Bosio, el Zorrito von Quintiero, Wallas y los músicos de Cabezones, entre otros) y de las veladas pasadas en el hospital Fernández y las fuertes vivencias que experimentó allí.1)parent.siguiente();”>

Pero especialmente Fernando Ruiz Díaz habló de la particular relación que mantuvo y mantiene con su hermano. “Una cosa muy importante con Gabriel es que siempre fuimos parámetro uno del otro. Personas muy distintas, con una búsqueda en común pero métodos diferentes. Desde que pasó esto, el solo hecho de mirarlo me obliga a no quedarme quieto”, dice luego de contar el mantra de un libro budista que le cantó apenas lo vio tras el accidente. “La primera noche le canté ese mantra. Los médicos me decían que le cantara… Le puse música desde el primer momento”, cuenta.

Sombras y luces de un año especial, en el que surgieron también las contradicciones: “A mí Catupecu me generó más encrucijadas, más locuras, más dolores y más sufrimientos que felicidades. En términos de normalidad, yo era mucho más feliz antes de Catupecu. Era menos comprometido, no había llegado a la esencia de tantas cosas”.

Esta edición de la Rolling Stone trae también el anuario 2006, en el que se recorren muchos de los hechos que marcaron este año tanto en la música como en otros territorios cercanos a ella: cine, televisión, arte, libros y algunos aspectos de la vida política del país.

También hay varios reportajes fuertes a los que la revista califica como personajes del año. Con justicia, porque además de Ruiz Díaz, también se incluye una larga entrevista con Joaquín Sabina, antes de sus presentaciones del 16 y 17 en el estadio de Boca (Sabina, en versión pirata, es quien ilustra la tapa de este número); a Bob Dylan, en un gran año para el músico norteamericano en el que no sólo obtuvo excelentes críticas por su último trabajo, Modern Times , sino que también tomó otro tipo de contacto con su público, más allá de las presentaciones de su infatigable gira, gracias al programa radial Theme Time Radio Hour , y a Jack Nicholson, considerado, a los 69 años, el más legendario de los actores vivos de Hollywood. 

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Entrevista Stephen King

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

El prolífico y exitoso escritor, autor de decenas de novelas de terror, habla sin tapujos sobre Blair, Bush, el matrimonio, los hijos, el dinero. En la Argentina, acaba de aparecer Cell, su nueva historia

Más de una vez lo han llamado “el genio del terror”. Y Stephen King no parece demasiado inquieto por negarlo. Más bien hace un gesto parecido al desdén, se cruza de piernas y explica:

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–Sí, me dicen así por los temas que elijo, o mejor dicho, no por los temas, sino por los elementos. La gente me ha puesto una etiqueta; dicen: “Es un escritor de horror”. Mis editores ingleses han aprovechado eso, verdaderamente. Ponen esas cubiertas con sangre en las manos que salen de la tierra y todo eso en mis libros, y realmente es maravilloso: me ha permitido pagar la educación de mis hijos y las hipotecas, y dar mucho dinero a instituciones de caridad. Por eso, sinceramente, no tengo problema alguno en que me consideren así.

En cambio, Stephen King se muestra más preocupado al pensar en su visita a Inglaterra, adonde proyectaba viajar poco antes de conceder esta entrevista para presentar allí su último libro, Lisey’s story (La historia de Lisey), que aún no tiene fecha de publicación en América latina, pero que ya se ha conocido en los Estados Unidos y en varios países de Europa.

–Usted viaja a Inglaterra, pero no ha cruzado el Atlántico durante siete años…

–Creo que hace aún más tiempo.

–¿Desde el accidente automovilístico que sufrió en 1999?

–Más tiempo. Desde antes del accidente. Tendría que mirar en mi pasaporte, pero sí, fue antes de mi accidente.

–¿Cuánto tiempo piensa estar en Europa?

–Sólo voy a Inglaterra. Sólo a Inglaterra. Nunca “he hecho” Europa. Creo que, con el mundo en la situación en que está, ir tan sólo a Inglaterra es suficientemente malo. Me dan ganas de ir con una remera que diga: “No lo voté (a Bush). No es el tipo que elegí. No me culpen”. Creo que es un idiota. Pero también creo que Blair es un idiota, así que así estamos.

–¿Siempre pensó así?

–No. No tenía ninguna opinión sobre Tony Blair hasta que le besó…, bueno, ya sabe, hasta que se convirtió en un títere sobre la rodilla de George W. Me refiero a cómo interviene para aclarar. En las conferencias de prensa conjuntas, Tony es siempre el que parece estar diciendo: “George, ¿no es exactamente esto lo que quieres decir?” Parece mucho más coherente y articulado, alguien que verdaderamente tiene cerebro, algo que George no parece tener mayormente. Por suerte, nadie en mi distrito electoral me repudiará por decir esto. Y si lo hacen, que lo hagan. Mi esposa tiene una leyenda pegada en el auto que dice: “En algún lugar de Texas a un pueblo le falta un idiota”. Así que basta de política.

–Algunos críticos dicen que su último libro, Lisey’s Story (La historia de Lisey) es el más complejo que usted ha escrito…

–Bueno, es un libro especial, combina varias categorías. Hay un elemento “situacional” muy contundente que tiene que ver con los manuscritos. Siempre ha existido una conjetura interesante respecto de qué pasaría si un escritor famoso dejaba manuscritos inéditos y alguien los encontraba después. Saqué esa idea de historias que escuché durante toda mi vida.

Quién sabe si es cierto, pero dicen que J. D. Salinger aún está vivo y que, no hay dudas, está en New Hampshire, y también dicen que sigue escribiendo, que ha escrito no sé cuántos libros. Mi editor de Doubleday, Bill Thompson, me contó una historia según la cual Salinger habría ido al banco donde tiene una caja de seguridad llevando un paquete grande y una empleada le dijo: “Disculpe, señor Salinger, ¿eso que trae es un nuevo libro?”. Y él respondió: “Sí”. La mujer le preguntó: “¿Lo va a publicar?” Y supuestamente Salinger le contestó: “¿Para qué?”

Y cuando escuché la historia, se me ocurrió la idea de qué pasaba si había un escritor como él y alguien robaba el banco, no por dinero, sino para conseguir el manuscrito inédito. Nunca se escribió ese libro, pero pensé qué pasaría si moría un escritor famoso y alguna persona, bastante loca, quería los manuscritos inéditos. En este libro, ése era Dooley. Pero al final, ese elemento en particular resultó menos importante que la historia secundaria. La historia secundaria se convirtió en la historia principal del libro

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–¿Es una historia sobre el matrimonio?

–Sí y no. Cuando empecé Lisey’s Story pensé que sería una divertida historia humorística sobre aquello de que, como dicen, detrás de cada hombre exitoso hay una mujer exitosa. Por mi propia vida, sé que eso es a la vez falso y cierto. Pero el elemento cierto es éste: las esposas de la gente famosa suelen ser totalmente ignoradas; quedan completamente en la sombra, y sin embargo son muy pero muy importantes; y pensé qué pasaría si mostraba a esta mujer salvando a ese tipo, una y otra vez, sin que nadie más que ella lo viera.

Después me puse serio porque me enamoré de ella y me enamoré del matrimonio, y pensé que no quería para nada escribir un libro gracioso. Quería escribir un libro sobre el matrimonio y las consecuencias del matrimonio, sobre el amor y la fidelidad y la parte buena del matrimonio y para qué sirve. Me parece que a cualquiera le resulta tan difícil comunicarse con otro y que tal vez el verdadero propósito de estar casados durante mucho tiempo es que la única manera de que dos personas pueden comunicarse es si pasan mucho tiempo juntas y mantienen el diálogo.

En realidad, uno desarrolla su propio lenguaje secreto, su propio reino secreto, y la gente de afuera no puede entender, y no tiene que hacerlo.

–¿Alguno de sus libros anteriores se ha centrado tanto en un tema mundano?

–Todos ellos se han centrado en cosas bastante mundanas. Pet Sematary (Cementerio de animales) es sobre criar hijos y la vida de familia y, en gran parte, Dolores Claiborne es un libro sobre la enfermería. Es sobre cómo hace uno para cuidar a alguien viejo y enfermo. Muchos de mis libros son sobre la vida cotidiana estadounidense, a pesar de que me consideren un escritor de terror.

En Lisey’s Story, cuando el protagonista, Scott Landon, está en la cama con Lisey, justo antes de pedirle matrimonio, le dice: “Sé que no te gustará mi tercer libro, se llama Empty Devils (Diablos vacíos), y la gente va a decir que es una novela de horror, y eso está bien”. Pero luego Landon agrega: “Pueden llamarme lo que se les antoje, siempre que no me llamen tarde para cenar”. Y ésa es, definitivamente, una filosofía típica de Stephen King, porque no dependo de esas etiquetas. La gente leerá este libro y dirá, más que de cualquiera de los otros: “Es autobiográfico”. Pero no lo es, es humo y espejo, porque uno empieza con lo que sabe, después se desvía, pero siempre tiene esa base sobre la que pueda construir y sentirse cómodo. Gerald’s Game (El juego de Gerald) es un libro sobre el abuso infantil. Es una historia muy común y oscura sobre una niña que es abusada por su padre y crece convirtiéndose en cierta clase de mujer que termina encadenada a la cama con su esposo muerto en el suelo y el perro comiéndose el cadáver, y ella está en medio del bosque, aislada, tiene que soltarse, pero está encadenada a la cama porque ha sido encadenada a cierta clase de vida debido a las cosas que le ocurrieron. ¿Entiende lo que le digo? Uno puede hacer eso porque la gente le ha puesto una etiqueta. Siempre me he sentido cómodo porque todo el mundo me llamó un escritor de horror.

–¿Y a cuántos de sus libros se los puede considerar con justicia exponentes del género de horror?

–A todos los que usted quiera; yo no pienso ponerles ninguna etiqueta.

–El primer libro suyo que leí fue The Dead Zone (La zona muerta). No es una novela de horror en ningún sentido.

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–Para nada.

–Y The Stand (Apocalipsis) no es una novela de horror: es más bien de ciencia ficción.

–Muchas tienen elementos de ciencia ficción. Recientemente leí algo que me encantó. Un escritor estadounidense de ciencia ficción, Spider Robinson, aparentemente reseñó The Stand y dijo que le gustaría que hubiera escritores de ciencia ficción en cada librería de EE.UU. para que les dijeran a los lectores que no compraran ese libro. Porque la idea de The Stand –y uno de los personajes lo dice directamente– es: “Al final de la tecnología, la tumba colectiva”. Tarde o temprano, si se le da a la gente suficiente tecnología, nuestra capacidad de controlar el cerebro –que es donde decimos “tenemos que matarlos a todos, no son de los nuestros”– será tal que vamos a matar a todo el mundo tarde o temprano, y ya lo estamos haciendo. Eso se ve en las noticias de cada noche.

Pero a Spider Robinson eso no le gustó porque él era un tipo enormemente tecnológico, había aprendido de Robert Heinlein, un gran creyente en el aspecto tecnológico de las cosas.

Cell (Celular) es lo mismo. Cell dice que cada vez que usted usa su teléfono celular y escucha a su amigo que está en la otra punta de la ciudad, alguien puede estar escuchando y puede ocurrir cualquier cosa, y en el transcurso del libro, ¿qué ocurre? Aparece Bush y resulta que está escuchando a todo el mundo. “Hola, ¿qué tal? ¿Saben qué?, estoy escuchándolos a todos –dice por TV–, porque al-Qaeda está hablando, y queremos saber de qué”. Y alguien seguramente está diciéndome que, como seres humanos, tarde o temprano, alguien dirá: “Sólo queremos escuchar para saber lo que están diciendo de nosotros políticamente. No nos interesa quién se acuesta con quién, sino quién está en contra de nosotros, políticamente”, o algo así. Es la naturaleza humana, ¿entiende? Si se le da demasiada soga a la gente, tarde o temprano empezarán a hacer esas cosas.

Así es como somos.

Una de las razones por las que me pusieron la etiqueta de escritor de horror es porque, cuando se la considera en general, mi visión de la humanidad es bastante oscura. Cuando veo a la gente en general siempre veo un modelo. Cuando lo veo a usted, solo, creo que es un buen tipo. Pero cuando veo a la gente para la que usted escribe, leyendo colectivamente, digo: “Mierda, hombre, si escribe lo correcto todos se me vendrán encima”.

Una de las cosas que suelo pensar cuando accedo a estas entrevistas es: “Cuidado con lo que dices, porque si dices algo equivocado te la verás muy mal”. ¿Tiene sentido eso?

–Sí, lo tiene. Lisey’s Story me pareció un libro triste.

–Es un libro triste.

– ¿Es por causa de su accidente?

–Bueno, tuve el accidente y me golpearon de este costado y todo se quebró, incluyendo mis costillas. Tuve neumonía y estuve dos meses en el hospital, en 2001, y en realidad fue en el hospital donde se me ocurrió la idea de Lisey’s Story. Mientras me recuperaba de la neumonía, dejé de tomar analgésicos y empecé a tener la mente clara. Y esa claridad inundó mi visión y pienso que en parte quise escribir sobre alguien que estaba solo, ponerme en esa posición. Pero en gran parte quería escribir algo que expresara el dolor, la esencial soledad de la gente que puede amar, pero, tarde o temprano, todo termina. La gente es mortal.

Eso es lo mejor que puedo hacer. Y quería que tuviera el sentimiento de una de esas canciones de Hank Williams, las verdaderamente desgarradoras.

Diré otra cosa. Una de mis tareas como escritor es asaltar sus emociones y atraparlo… y para eso usaré todas las herramientas que tenga a mano.

Tal vez lo logre asustándolo, pero también puede ser de una manera más subversiva, haciendo que se sienta triste. Si logro que usted se sienta triste, eso es bueno. Si puedo hacerlo reír, eso es bueno. Gritar, llorar, reír. No me importa qué, cualquier cosa para que a usted lo involucre, para que cuando deje ese libro en el anaquel no diga “bueno, ya está, otro más”, sin ninguna reacción. Aborrezco eso. Quiero que usted se dé cuenta de que yo estuve allí.

–Usted ya tenía niños pequeños cuando publicó por primera vez. Recuerdo haber leído Pet Sematary y fue el primero de sus libros que realmente me horrorizó.

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–A mí también me horrorizó.

–¿Su actitud cambió a medida que sus hijos crecieron?, ¿le empezó a resultar más difícil escribir sobre cosas que les ocurren a los niños? Cuando uno tiene hijos, esas cosas parecen mucho peores.

–Nunca escribí sobre niños por sadismo o por ira. Era más bien pensar que si escribía eso, no ocurriría. Era un intento de prevenir la maldición. Muchas cosas de Pet Sematary realmente ocurrieron.

Vivíamos en esa calle muy transitada. Realmente había un cementerio de animales detrás de la casa. Ya no está allí, porque los condenados cazadores de souvenirs vinieron a llevarse los carteles que conmemoraban a los pajaritos, a los perros, y todas esas cosas.

Ese cementerio estaba allí porque pasaban muchos camiones que aplastaban todo lo que encontraban a su paso. Y el tipo que vivía enfrente me dijo: “Tienes que vigilar a tus chicos porque por aquí pasan todos esos camiones cargados de productos químicos y esas cosas”.

Owen (su hijo mayor) era un niño pequeño y –no puedo creerlo, ya tiene 28 años y publicó su propio libro el año pasado– creyó que era muy divertido, así que corrió hacia la calle y yo escuché que venía un camión y lo atrapé a tiempo. Lo tackleé como un jugador de fútbol. Y pasó el camión. Cuando ocurre algo así, uno dice: ¿qué es lo peor que podría ocurrir? Ese libro salió de un verdadero agujero de mi psiquis.

Escribí ese libro y lo dejé a un lado. No podía imaginarme publicarlo… era un libro tan horrible. Tuve la misma reacción que usted. Terminó publicado solamente porque tenía un acuerdo contractual con la editorial, Doubleday. Me habían puesto en algo llamado Doubleday Investment Plan, y ponían todo el dinero de uno en ese fondo. Se quedaban con el interés y me pagaban 50.000 dólares al año y me decían que sólo tenía que pagar impuestos sobre esa suma, y que ellos se ocupaban del resto. Pero acumulé una enorme suma de dinero, y finalmente busqué a un contador que hiciera algo al respecto. Arthur Greene, que todavía está en Nueva York, vino y me dijo: “¿Sabes cuál es el problema? Que tienes todo ese dinero y no lo puedes tocar”, y lo volvía loco pensar que había dos o tres millones de dólares allí y que yo sólo recibía 50.000 al año. Arthur exprime cada dólar. Así que vino y me dijo: “Si te mueres, habrá que pagar impuestos por toda la suma completa”. Y yo le dije: “¿Y cómo hará mi esposa para pagarlo?” Y él me dijo: “No sé, pero será mejor que renegocies la cosa”. Así que Doubleday me dijo que liberaría el acuerdo si yo les daba otro libro. Y lo único que yo tenía era Pet Sematary. Así que lo publiqué y pensé que me matarían por ello. Y los fans lo adoraron. En EE.UU. y en Inglaterra.

–En una nota usted reconoce que tal vez no esté tan bien situado como para poder escribir lo que quiere. ¿Lo editan corrigiéndolo de manera agresiva, o demasiado?

–Todo el tiempo he sido editado agresivamente. Un tipo corrigió casi todos mis libros, salvo Lisey. Al principio, mi editor era Bill Thompson, de Doubleday, y cuando me trasladé a Viking tuve un editor llamado Alan Rowlins, y su asistente era un tipo llamado Chuck Verrill; en esa época Chuck era el que atendía el teléfono y hacía informes. Alan se fue a otro lado o se retiró y Chuck empezó a editar los libros.

En ese momento hubo algunas discusiones, porque Chuck era muy joven, pero yo dije que estaba bien. Así que Chuck y yo estamos juntos desde 1988 más o menos. Casi 30 años.

–¿Qué puede decirnos de Cell?

–Cell fue un libro instantáneo. Lo escribí en cuatro meses. Lo terminé en julio de 2005 y querían publicarlo en enero de 2006, porque Grisham no había entregado una novela y pensaron: “¡Caramba, hay un agujero en la línea de producción; tenemos que llenarlo!” Y me dijeron que debía tenerlo para octubre, y dije que sí.

Graham Greene solía dividir sus libros en novelas y entretenimientos –ambas clases son importantes para mí y los tomo seriamente–pero Cell me parecía un entretenimiento, así que lo corregí en la computadora, Chuck hizo sus cambios y los ingresé. Nunca más toqué el papel una vez que estuvo escrito.

–¿Prefiere los libros largos?

–A la única gente a la que le gustan los libros largos es a los lectores, y como escritor me dan ganas de decirles a algunos: “¿Acaso crees que yo quiero llevar conmigo esta monstruosidad a cualquier parte adonde vaya?”. Y es una expresión sincera, porque ahora estoy escribiendo otro, y no se da por vencido. No quiere terminarse. Ahora mismo tengo un manuscrito en casa, sobre el escritorio, que tiene 760 páginas y que no da ninguna señal de querer terminarse. Es así de alto, y resulta muy difícil de cargar, físicamente. Mi esposa quiere que vaya a comprar uno de esos discos auxiliares para la computadora, para que por lo menos pueda llevarlo encima. ¡Y el argumento! La semana pasada escribí algo y me resultó familiar: retrocedí 100 páginas y me di cuenta de que había repetido algo que ya había escrito. ¡El doctor Alzheimer! y después, cuando finalmente uno lo termina, y se ha quebrado la espalda durante un año para escribirlo, sale alguien a decir: “Bien, otro de los libros excesivamente largos de King”. Dos consejos: 1) no lo lea y 2) si lo lee, no lo deje caer sobre su pie.

–Algo de Lisey’s Story recuerda en parte a la biografía suya que aparece en Internet. En 1977 usted vino a Inglaterra para quedarse un año, pero interrumpió su estada.

–Vine a escribir un libro. Inglaterra es la cuna de los cuentos de fantasmas, y pensé que si viajaba se me ocurriría una. Pero nunca lo hice. Me quedé completamente seco tras cruzar el mar. Era como si me hubieran cortado el cordón umbilical, pero tuve una excelente relación con todo el mundo que conocí, no bebí demasiado, no me metí en ninguna pelea con mi casero ni nada por el estilo.

–Entonces, ¿no quedó profundamente insatisfecho con los ingleses?

–No, en absoluto. Los británicos fueron grandes anfitriones. Creo que tal vez tenga que volver a intentarlo… Vivíamos en una ciudad llamada Fleet, cerca de Aldershot… Y tal vez si encontráramos algún lugar…

–Los dos grandes trastornos que el público conoce de su vida, la bebida y el accidente que sufrió, ¿cambiaron su manera de escribir?

–Creo que escribía de una manera cuando bebía todo el tiempo, y de otra cuando dejé de beber. No creo que escriba tanto y creo que, en alguna medida, tuve que volver a aprender a escribir después de que dejé (la bebida y las drogas), porque hay muchas más cosas involucradas; no se trata sólo de beber.

Era un verdadero basurero: consumía todas las drogas que se le ocurran, y cuando se dejan es como que hay que reconectar el cerebro y volver al sitio donde estaba. Una vez que se logra, todo está bien. Simplemente, disminuí un poco la velocidad, algo más racional, y pude apreciar mejor lo que hacía, porque tenía la cabeza clara y podía releer algo y decirme: “¡Dios, todavía puedo hacerlo. No necesito pócimas mágicas, todavía puedo volar solo”, y fue una gran satisfacción descubrirlo.

Para saber más
www.stephenking.com

Su vida

Por Diana Fernández Irusta

Nació en Portland, Maine, en 1947. Su infancia estuvo marcada por la separación de sus padres, numerosas mudanzas y las dificultades económicas que debió afrontar Ruth, su madre, para criarlos a él y a su hermano David. Gran lector desde temprana edad, el joven Stephen ingresó en 1966 en la Universidad de Maine, donde estudió letras inglesas. Además de escribir una columna semanal en el periódico universitario, fue un activo participante en el centro de estudiantes y respaldó el movimiento contra la Guerra de Vietnam. Se casó con Tabitha Spruce en 1971. Tuvieron tres hijos (Naomi Rachel, Joe Hill y Owen Phillip) y hoy tienen tres nietos. Durante sus primeros años de casado, King enseñaba inglés y publicaba cuentos fantásticos en revistas dedicadas al público masculino. En la primavera de 1974 publicó Carrie, su primera novela (sobre una adolescente con poderes paranormales). Luego vendrían El resplandor, La zona muerta y Cementerio de animales, entre muchas otras. En todas sus historias de ficción juega con la irrupción de lo sobrenatural en la vida cotidiana. Para muchos críticos, su estilo es deudor del de autores tales como H.P. Lovecraft y Edgard Allan Poe. En 1999 sufrió un accidente automovilístico que le costó una larga y dolorosa convalecencia.

Algunas obras

Carrie (1974), El resplandor (1977), La zona muerta (1979), Ojos de fuego (1980), Cujo (1981), Christine (1983), Cementerio de animales (1983), It (1986), Misery (1987) Apocalipsis (1990), Cell (2006), Lisey’s Store (2006). La mayoría fueron llevadas al cine.

La historia de Lisey

Lisey’s Story (La historia de Lisey) es considerada la más personal y poderosa novela de Stephen King, aún no editada entre nosotros y que en España será publicada en abril del año próximo.

Hace dos años, Lisey Debusher Landon perdió a su marido, Scott Landon, luego de un matrimonio de 25 años caracterizado por un profundo y por momentos escalofriante nivel de intimidad.

Scott era novelista, ganador de premios y escritor de best sellers, pero también un hombre muy complicado. Antes del casamiento, Lisey tuvo que comprender los vericuetos de su alma, tan torturada.

Al morir Scott, Lisey debe enfrentar esos demonios por donde transitaba la compleja imaginación de su marido. Lo que comienza como el esfuerzo de una viuda por recuperar los manuscritos de su célebre esposo se convierte en un casi fatal viaje a las oscuridades en las que él habitaba: la creatividad, la tentación de la locura, el lenguaje secreto del amor.

En 2007 se editará en España.

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Avant la page

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

El mallorquín Miguel Fluxa cuenta orígenes y razones de Camper, una etiqueta de diseño forjada hace más de un siglo con valores que hoy empiezan a estar de moda: respeto por el medio ambiente, simplicidad y austeridad.

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Camina, no corras” es una premisa que debiéramos adoptar para ganar calidad de vida. Y que además puede ser clave de éxito económico. Esto que afirma Camper, la empresa española que tiene la frase como slogan, es emblema para los amantes del diseño y se jacta de no vender calzado (su negocio principal) sino un estilo de vida. Filosofía que por otra parte profesan desde hace más de 120 años cuando valores como el cuidado del medio ambiente, la austeridad y la simplicidad no estaban en boga.

Su creador, Antonio Fluxa, era un artesano zapatero de la Mallorca previa al boom turístico, cuando la región era bastante pobre. De ahí que su primer modelo fuera un fiel exponente del ahora mentado ecodesign, hecho de una especie de arpillera y suela de neumático. Fue Lorenzo, nieto de Antonio, quien apodara a la empresa Camper (campesino) allá por 1975, vigorizando los valores de su abuelo a través de otras señas particulares de la firma como nuevas tipologías de zapatos y elementos gráficos como dibujos en las suelas.

Desde entonces muchos de sus diseños dan cuenta de su filosofía. Por caso, varios de los conceptos más exitosos de la firma: el modelo Pelotas, hecho en cuero y suela de poliuretano con salientes en forma de bolas que masajean los pies, el Twins, asimétricos, inspirado en el arte, o uno más reciente, el Wabi, en versión silicona con fibra de coco o en yute de Bangladesh. Y por supuesto, la comunicación (bolsas, revistas, campañas) y la ambientación de los locales basados en nuevos conceptos como el de la tienda temporal que lanzaron con el catalán Martí Guixé y que consiste en montar locales a base de cajas de zapatos donde los clientes interactúan dejando mensajes en las paredes. O la última en Londres, que encargaron al reconocido diseñador español Jaime Hayón.

En 1981 abrieron el primer local en Barcelona, en 1992 comenzaron la expansión internacional con filiales en Inglaterra, Francia e Italia. Además ampliaron el negocio a un hotel Casa Camper en Barcelona, un edificio del siglo XIX restaurado por Fernando Amat y Jordi Tió en clave lujo esencial, con nada de ostentación, pura funcionalidad, materiales nobles y detalles que hablan de un estilo de vida como las bicicletas que cuelgan del hall de entrada para que cada huésped pasee por Barcelona con la suya. Y el restaurante FoodBALL, que como no podía ser de otro modo es un fiel exponente de los principios de la Slow Food (“Comida sana para la gente y limpia para el planeta”). Allí todo: desde las bolitas de verduras hasta los pufs de fibra vegetal para sentarse son amigables con el medio ambiente.

De paso por Buenos Aires, Miguel Fluxa, cuarta generación Camper, contó de primera mano a m2 algunas claves del suceso que para felicidad de los amantes locales de esta etiqueta se está acercando al Sur (acaban de abrir local en San Pablo).

–¿Cómo nace esta conciencia y valores como el cuidado del medio ambiente?

–Camper, que significa campesino en mallorquín, nace en un entorno que sin dudas condiciona sus valores. Mallorca era una isla humilde hasta la llegada del turismo a mediados de los ’60. De hecho, el primer zapato Camper fue un zapato reciclado que utilizaban los campesinos de la isla. Un calzado con historia hecho artesanalmente con retazos de toldos de carruajes, trozos de piel recuperados de la fabricación de calzado y suelas de neumáticos usados. Un reciclaje auténtico, basado en la necesidad y no en la abundancia.

–¿Qué visión cree que tuvo su bisabuelo para poder crear una empresa de la nada?

–La verdad es que no lo sé. Seguramente era un hombre con muchas inquietudes que se interesó por la Revolución Industrial que estaba ocurriendo en Inglaterra durante su época.

–¿Qué rol ocupa el diseño en Camper?

–Camper nace en 1975, aunque sus orígenes se remontan a 1877 cuando mi bisabuelo funda la primera fábrica de calzado mecanizada de España. La firma incorpora el diseño a esa herencia industrial de productos de calidad. En el ’75 acaba la dictadura en España y son épocas de cambios profundos en los que había muchas ansias de modernidad y de que las cosas cambiaran. Y el diseño ha sido un elemento clave desde los orígenes, ya sea en el producto, la arquitectura, la gráfica y la comunicación.

–Decía que son fundamentales para ustedes los gráficos. ¿Por qué?

–Todas las facetas del diseño han sido importantes en Camper desde sus inicios, incluyendo el diseño gráfico aplicado a la comunicación, tiendas, las cajas de los zapatos, las bolsas y el propio producto. Tenemos una historia gráfica muy interesante y que nos caracteriza con colaboradores de la talla de Carlos Rolando, Martí Guixé, Mariscal, América Sánchez, Oscar Mariné, Menphis, entre otros.

–¿Cómo surge la idea de sumar un restaurante y un hotel?

–La idea del hotel surge de la necesidad de evolucionar la marca y de la voluntad de hacer las cosas diferentes. Cuando la marca empieza a ser reconocida en España y en el exterior, empiezan a surgir propuestas de licenciarla en distintos productos como anteojos, ropa o relojes. Como no creemos demasiado en las licencias, ya que es cierto que puedes perder un poco el control del producto con ellas, surgió la idea de hacer algo completamente diferente como puede ser un hotel o un concepto de comida sana, pero absolutamente alineado a nuestra filosofía.

–¿Cuáles son y en qué consisten los proyectos sociales que manejan?

–La mayor responsabilidad de una empresa es crear buenos puestos de trabajo. A partir de ahí, colaboramos con distintas organizaciones en proyectos sociales en el tercer mundo y sobre todo en proyectos medioambientales. Esto de rescatar técnicas y materiales olvidados. Además, tenemos una escuela de campesinos en Mallorca en la que enseñamos a cultivar con métodos de agricultura orgánica.

–¿Cuáles se ven reflejados en los productos?

–La línea de zapatos denominada Wabi intenta desde su concepción y diseño tener en cuenta aspectos medioambientales. En este caso se trata de un zapato lanzado en el año 2000, compuesto solamente por tres elementos: un protector reciclable (compuesto por un solo material), una plantilla biodegradable hecha de coco y látex, y un calcetín termorregulable de algodón orgánico. Con este mismo concepto trabajamos con comunidades en Bangladesh y Sudamérica, donde cooperamos con artesanos utilizando sus diseños y materiales locales y sustentables como el yute, plátano o el sisal.

–¿Le dan valor a la artesanía?

–La artesanía es un elemento esencial de nuestra cultura. A pesar de que somos una empresa industrial llevamos a cabo proyectos de colaboración con artesanos de distintos países.

–¿Cuáles son los casos de las líneas más exitosas?

–El Pelotas ha sido nuestro gran referente y el producto más conocido de Camper. Es un producto que el año pasado cumplió diez años, lo que refleja nuestra voluntad de crear productos con buen diseño que puedan durar muchos años y no productos de moda.

–¿Y las más innovadoras?

–El Wabi, por todo el concepto que hay detrás. Es un producto revolucionario, hecho a partir de tres elementos.

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Corralito de oro

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Hace hoy cinco años, entraba en vigencia el corralito, que implicó la reprogramación de vencimientos de depósitos por un total de 55.000 millones de pesos. Aunque suene increíble, para muchos ahorristas el corralito fue un buen negocio. El dinero que les quedó atrapado en los bancos les dejó, pasados cinco años, más dólares en los bolsillos que si no hubiese existido la crisis

Parece imposible pero no lo es. Aunque suene increíble, para muchos ahorristas el corralito fue un buen negocio. El dinero que les quedó atrapado en los bancos les dejó, pasados cinco años, más dólares en los bolsillos que si no hubiese existido la crisis. Los que más satisfechos quedaron fueron quienes aceptaron la última oferta que Roberto Lavagna les hizo para saltar el cerco. Un inversor que en noviembre de 2001 tenía 10.000 pesos/dólares en un plazo fijo en el banco, quedó en el corralito y en abril de 2003 adhirió al denominado Canje 3 aceptando Boden 2013 como parte de pago, ahora posee 15.300 dólares. En el supuesto caso de que la convertibilidad se hubiese mantenido en pie, el mismo ahorrista, con su plazo fijo rindiendo un 7 por ciento anual en dólares –renta usual en el uno a uno– tendría hoy 14.026 dólares. Un total de 1274 dólares menos. Los depositantes que se plegaron a los dos canjes anteriores también salieron bien parados, mientras que los grandes derrotados fueron aquellos que rechazaron los sucesivos convites y permanecieron encerrados con sus Cedros hasta el final.

Hace justo hoy cinco años entraba en vigencia el corralito. Con los números a la vista, la promesa de Eduardo Duhalde en las primeras horas de 2002 fue alcanzada por la mayoría de los acorralados, aunque no como lo había previsto el entonces titular del Poder Ejecutivo. La recuperación de todos los dólares fue para quienes adhirieron a los sucesivos canjes y para aquellos que tuvieron un amparo a su favor (ver recuadro aparte). Lo que no estaba claro por entonces y que ahora quedó a la luz es que la alegría de los depositantes tuvo un elevado costo que pagó el resto de la sociedad. Los Boden 2012 y 2013 que se emitieron para complacerlos forman parte de la todavía pesada deuda que carga la mochila del país.

También quedó en evidencia que en aquel 3 de diciembre de 2001, con la instauración del corralito, se iniciaba el fin de una época. Más de un millón de ahorristas quedaban impedidos de reencontrarse con sus ahorros. Fernando de la Rúa y Domingo Cavallo intentaban aferrarse con desesperación a lo que quedaba de la convertibilidad. Pero la fuga de capitales, en medio de la creciente desconfianza, era imposible de frenar. Por cadena nacional, el ex ministro de Economía intentaba, en vano, convencer a los argentinos de que la imposibilidad de contar con más de 250 pesos semanales en efectivo era una medida que favorecería la bancarización y la superación de la crisis. Los cacerolazos taparon su discurso desde un estudio de televisión. Tampoco nadie le creyó que el corralito duraría nada más que 90 días. Los escépticos tuvieron razón: la última criatura de Cavallo se extinguió recién 1356 días después. De diferentes maneras, los ahorristas fueron recuperando, ya sea totalmente o en parte, su dinero. A un lustro de aquel infierno, la Corte Suprema está a punto de convalidar la pesificación. Es el último paso que resta para la normalización total de la economía.

El corralito implicó la reprogramación de vencimientos de depósitos por un total de 55.000 millones de pesos. Fue el golpe para frenar la huida de capitales. Durante aquel 2001, el derrape de plazos fijos había alcanzado a 29.000 millones de pesos/dólares. Las reservas del Banco Central habían caído en 19.000 millones de dólares. Los bancos fueron totalmente cubiertos por láminas de metal que rápidamente recibieron martillazos y pintadas. Eran receptoras del odio de los ahorristas. Afuera había filas interminables de los clientes que querían realizar una transferencia electrónica o con el fin de abrir nuevas cuentas a la vista para apresurar la recuperación de los depósitos. Era una carrera caótica contra la bomba de tiempo en que se había convertido el uno a uno. En medio de sucesivos feriados bancarios y cambiarios, la indignación se potenciaba, y ese triste panorama se convirtió en una clásica postal de aquel fin de año inolvidable.

Pasaron dos meses y medio hasta que los ahorristas pudieron comenzar a recuperar su dinero. De la Rúa y otros tres presidentes de la Nación se sucedieron caóticamente por la Casa Rosada en ese período. Y el edificio de avenida Del Libertador donde vive Cavallo era uno de los centros de convocatoria de los caceroleros.

A mediados de febrero de 2002, cuando la devaluación ya se había precipitado, algunos inversores adhirieron a la alternativa que les acercaron Eduardo Duhalde y Jorge Remes Lenicov: la utilización de los certificados de depósitos para adquirir inmuebles, maquinaria agrícola e industrial y automóviles cero kilómetro. En ese momento también hubo desprogramaciones para los denominados “casos especiales”: personas mayores de 75 años, indemnizaciones por despido, el pago de los seguros de vida o por accidentes y aquellos que necesitaban un tratamiento médico.

En simultáneo, otros inversores habían encontrado un atajo legal para saltar el corralito: los amparos judiciales. Las medidas cautelares dictadas por los magistrados se convirtieron en protagonistas centrales de la historia. El goteo era incesante y el volumen crecía día a día, para desesperación de los funcionarios. Durante aquel 2002, los jueces avalaron la salida de entre 1200 y 1500 millones de pesos mensuales. En diciembre de aquel año se quebró el record, con una fuga de 2100 millones de pesos. El temor del gobierno era que ese flujo de dinero alimentara una disparada de la cotización del dólar y de la inflación.

No hubo una regla para los amparos. Hubo jueces que habilitaban el amparo al tipo de cambio del día, pero hubo casos en donde se ordenó cotizar a cuatro pesos por dólar. Algunos ordenaban la devolución total del depósitos, pero otros habilitaron la restitución de sólo una parte. En ABA, la asociación de bancos extranjeros, se guarda celosamente una carpeta con toda la documentación de aquellas jornadas. La cuestión vuelve a tomar dimensión ahora, que la Corte Suprema está a punto de volcarse a favor de la pesificación. Una decisión del alto tribunal definirá la suerte de unos 50 mil juicios entablados por ahorristas que quedaron atrapados en el corralito y reclamaban por sus fondos.

En la city están entusiasmados con un fallo definitivo de la Corte. Banqueros consultados por Cash no descartaron un intento por cobrarse la diferencia entre lo que marque el dictamen del tribunal y lo efectivamente cobrado por los amparistas. Los financistas ya le pusieron un número a ese eventual polémico reclamo: 9700 millones de pesos.

El corralito se extinguió hace 15 meses. Exactamente el 21 de agosto de 2005, cuando venció la última reprogramación de Cedros. Pero la recuperación del sistema financiero se había iniciado mucho antes. Desde el estallido de 2001, los depósitos totales escalaron desde un piso de 67.500 millones a los actuales 160.000 millones de pesos. Los plazos fijos, que tocaron un mínimo de 27.000 millones, justo antes de las restricciones, ya saltaron a 74.500 millones de pesos. La mejora no es un dato novedoso. Contra algunos augurios apocalípticos, los ahorristas ya habían vuelto a confiar en las instituciones a partir de agosto de 2002. Habían pasado apenas ocho meses desde la explosión de la crisis. En aquel momento, las entidades financieras pagaban amparos por una ventanilla y recibían depósitos por otra, de parte de inversores que no querían perderse los elevados rendimientos de los nuevos depósitos. Por un plazo fijo de entre 15.000 y 20.000 pesos se ofrecía una tasa de interés promedio del 60 por ciento anual.

Bajo ese escenario ya empezaban a desmoronarse las predicciones de algunos gurúes de la city. No hubo una división entre la banca “transaccional” (que se dedicaría exclusivamente a brindar servicios básicos, como el cobro de servicios o el otorgamiento de tarjetas de crédito) y de “inversión” (dirigida a tomar depósitos y dar créditos). A cinco años del corralito, la realidad es totalmente distinta. Con el paso del tiempo, las entidades financieras se fueron aggiornando a la nueva situación: ofrecieron cajas de seguridad e impulsaron la utilización de las tarjetas de débito y de crédito, en este último caso sellando acuerdos con empresas de primera línea para ofrecer descuentos especiales a sus clientes. En el 2006, con los préstamos al consumo creciendo a un ritmo anual del 45 por ciento, con tasas promedio del 40 por ciento, y cobrando sus costos cada vez más onerosos, los bancos están mostrando balances robustos. Ganan cada vez más dinero y viven su propia fiesta (ver recuadro).

A cinco años del corralito, en un contexto de euforia que contrasta con el depresivo 2001, hasta algunos vocablos que se habían puesto de moda también fueron enterrados junto con la crisis: Cedros y amparos forman parte de esa triste pero recordada nómina.

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A diez años de la muerte de polo

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

La cámara de los comunes

Fabián Polosecki, creador y conductor de programas como El otro lado y El visitante, inauguró un

El 3 de diciembre de 1996, Fabián Polosecki dio su vida por terminada. Tal vez por eso, Polo sea el periodista más recordado de la historia contemporánea televisiva. Cada lustro, cada aniversario, cada documental o ciclo que se haya preciado de recorrer su breve pero poderosamente influyente carrera, es motivo para volver a mencionarlo. Muchos pueden pensar que es eso lo que tiene la muerte joven: el visionario se queda en el comienzo de sus pasos profesionales. A decir verdad, muchos periodistas gustan de escribir sobre la obra de este solitario. Por muchos motivos. Uno: en la vorágine de la fiesta menemista, Polosecki era un cable a tierra. Dos: el programa El otro lado inauguró en 1993 una manera de narrar en televisión. Un modo de contar que sería continuado en el segundo ciclo del programa, en el ’94, hasta emitir El visitante en el ’95, siempre por ATC. Tres: la idea de encontrarle “otro lado” a las cosas que “se ven” pareciera ser inherente al ejercicio periodístico. Cuatro: Polo era un periodista de televisión que hablaba poco, y no gritaba.

La narración de El otro lado no sólo influyó en la manera de contar sus programas (hasta su suicidio), sino también creando una línea de continuidad estética y argumentativa que salpicaría prácticamente todo el espectro televisivo (que es bastante amplio): en el ’97 llegaría con Zoo de la mano de Juan Castro y Dolores Cahen D’Anvers por América; y de manera directa seguiría con el propio Kaos en la ciudad de Castro en Canal 13. Todos ellos, en su momento, mostraban aquello que el país no miraba. Pero el crédito de El otro lado parecía estar centrado en historias marginales (aun a pesar de lo que pensaba su creador), o en la posibilidad de ingresar a mundos aparentemente cotidianos redescubriendo aquello que estaba demasiado cercano como para ser visto. El visitante, en cambio, inauguró una forma de contar que no necesitaba de formatos convencionales: no había un comienzo ni un final. Todo simplemente sucedía. La cámara acompañaba en un lugar y Polo (en verdad, su personaje) sacaba a relucir su oficio de “preguntador” y su capacidad para manejar los silencios.

Zoo convirtió en periodístico un formato inaugurado por Polosecki, aunque agregó rigor informativo y chequeo de fuentes. Pero había también una intención de retratar esos mundos desde un lugar más cercano: como si la cámara quisiese vivir aquellas vidas que no le pertenecían. Pero recién unos años después, con Kaos en la ciudad y en un país que parecía levantarse del derrumbe, un conductor y su micrófono (en un formato cercano al magazine de frivolidades) mostraban los retazos que habían quedado de la Argentina. Y luego vendría Ser urbano, con Gastón Pauls y la producción de Ideas del Sur de Marcelo Tinelli, personaje para nada interesado en los márgenes. Hasta el periodístico PuntoDoc se animó con la non fiction. Algunos recursos (historias cotidianas, cámaras íntimas, aventuras del entrevistador) invadirían la pantalla de manera transversal, más allá del tipo de programa. La non fiction rompe la cabeza informativa, usa recursos de la ficción con rigor periodístico, encuentra formas noveladas de contar sin perder el objetivo de mostrar eso que algunos llaman “realidad”.

El otro lado contaba historias. Pero tanto el entrevistado como el entrevistador (Polo) se dejaban llevar por largas horas de conversaciones. Los entrevistados eran desconocidos, generalmente marginales: prostitutas, barrenderos, basureros, conductores de trenes, ladrones. Mientras el país se embarcaba en el sueño neoliberal, Polo se dedicaba a conversar con aquellos que se estaban perdiendo la fiesta menemista. Era la cámara de los comunes. Por otro lado, El visitante consistía en visitar un lugar acotado y definido para descubrir quiénes eran los personajes del barrio, a veces imaginario, otras real.

Muchos creen que El otro lado y El visitante fueron los programas más influyentes de la televisión desde la vuelta de la democracia. Fabián Polosecki cambió la historia de la televisión como una prolongación de su militancia política que había tenido en la Fede, la juventud del Partido Comunista. Su forma de encarar los temas, su postura política frente a la vida: existe coherencia entre las notas que el autor escribía en Sur y en Página/12, donde trabajó entre 1989 y 1992, y el enfoque ideológico de sus programas. La influencia de Polosecki en los modos de hacer televisión ha traspasado fronteras durante años, en revistas, diarios, estudiantes de comunicación, bellas artes, artes visuales, periodismo y televisión.

Polo había pasado por Radiolandia, donde aprendió a inventar noticias antes que a hacer periodismo. “Desarrollás la cualidad de poder hablar una hora sobre algo que no te importa, hasta que la tipa tenga ganas de decirte lo que vos estás esperando desde el principio. No es aplicable a lo que hago en El otro lado, pero me la paso esperando a que un desconocido se afloje y me cuente algo que jamás pensó contarle a nadie”, decía Polosecki. Trabajó en la revista El Primer Tajo, intentó en periodismo de espectáculos hasta que en 1993 comenzaría en ATC El otro lado, por el que ganó tres Martín Fierro entre 1994 y 1995.

Fue Roberto Petinatto quien lo llevó por primera vez a la pantalla, para hacer una sección de Rebelde sin pausa (ATC). Al poco tiempo, el polémico interventor del gobierno menemista Gerardo Sofovich le propondría hacerse cargo de un ciclo. En apenas tres temporadas trasladó al formato periodístico los géneros de la narración cinematográfica, a veces con el acento en el documental, otras en la ficción. La televisión (desde noticieros a programas, magazines, investigaciones hasta los clips de Fútbol de Primera, entre otros) utilizaron una mezcla de lenguajes patentada por Polosecki. Y habría que rastrear incluso la relación entre esta idea y los usos y costumbres que adoptaría años después el llamado “nuevo cine argentino” (¿qué tipo de relatos propone si no Mundo grúa, El bonaerense o Un oso rojo, por dar algunos ejemplos?).

Polosecki veía más interesantes las conversaciones de las personas “cuando son compañeras de trabajo. O cuando se juntan en un bar, o simplemente se conocen, son vecinos, se visitan circunstancialmente, se aman circunstancialmente o cualquier cosa circunstancialmente, que cuando tienen la ambición de preguntarse o responder sobre cosas importantes y que después figure en algún tipo de texto periodístico”, contó una vez. Para él, la idea de implementar una especie de ficción televisada tenía que ver con esa posibilidad de acercarse a la realidad.

Aquellos dos programas de Polo propusieron contar historias de gente común. Entre los más emblemáticos pueden encontrarse “Policías y ladrones”, “La vaca”, “Agua de puerto”, “Reyes de la noche” y “Ciudad abajo”, donde trabajaron los directores Nacho Garasino, Daniel Lazlo y Diego Lublinsky, el guionista Pablo De Santis, los investigadores Marcelo Birmajer, Ricardo Ragendorfer, Pablo Reyero, Ariel Barlaro y Gustavo Salem, y el camarógrafo Claudio Beiza, entre otros.

Su rol de conductor estaba en su personaje: Polo, que hacía preguntas, y trataba de obtener pasajes interesantes de la vida de una persona. El otro lado duró dos años. El visitante duró 13 capítulos e iba por ATC los viernes a las 23, y jamás fue visto por algún gerente de programación antes de emitirse. ¿Era o no era periodismo? A Polosecki no le importaba, él quería contar historias. No quería entrevistar a actores, sino a personas comunes que hicieran de actores.

De cualquier modo, Polo luchó contra esa idea de que su programa trataba temas marginales: “De alguna manera es un estigma que nos acompaña. Porque nosotros propiciamos eso: entrevistamos putas, linyeras, chorros, policías, ese tipo de cosas. Pero nunca fue la orientación del programa. Nunca pensamos en hacer un relevamiento del mundo marginal. Es un programa que cuenta situaciones de vida, que habla sobre las pasiones humanas. Me molesta porque me parece que se quedó fichada esa idea. Y me irrita a mí mismo que así sea”.

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Polo aplicó los códigos de la conversación cotidiana a la entrevista televisiva y obtuvo confesiones memorables.

a manera de narrar en la TV que luego renovaría desde el magazine al noticiero, demostrando la vigencia de su breve pero influyente carrera.

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hablan los creadores de “lo que surja”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

“El ambiente gay puede ser un auténtico infierno”

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Una serie española sobre sexo y amor entre homosexuales bate records en la web.

Ni especialmente bellos, ni demasiado sexies, ni musculosos trabajados en el gimnasio: su antieslogan produjo un éxito impensado que ya convocó a más de 70 mil personas a clickear la serie de temática gay que estos chicos subieron a Internet. Son estudiantes de Comunicación de la ciudad de Valencia, en España, y demuestran que el antihéroe cotiza alto, convocando a la identificación inmediata, al menos entre los visitantes que saturan día a día los videos de los cinco capítulos de Lo que surja, disponibles en el sitio http://www.loquesurja.es. Ya saturado el servidor de YouTube, desbordado el de Google videos, los seis chicos de 21 a 26 años se encuentran ahora mismo frente a su propio sueño español, invitados a realizar la segunda temporada en formato de TV digital, ya profesionalizados y con los lujos que no tuvieron cuando filmaron con la camarita casera de uno de los videastas repentinos. Desde España, donde Lo que surja es calificado como el Queer as Folk de la gente común, y donde estas aventuras amorosas se vinculan a las de Carrie & Co. en Sex & the City, José Lázaro (el director) y sus actores revelan la trastienda del fenómeno. ¿Cómo lo hicieron?

“Pues nos conocimos como la mayoría de los gays –dice Jordi González, que en la serie es Alex, el que se lleva a la cama a un chico distinto por fin de semana–, a través del chat y páginas de contactos. Rara vez se consigue, pero nosotros hemos tenido la fortuna de acabar reunidos y atados por una bonita amistad.” El proyecto tomó forma en el contexto de la facultad, el mismo día en que José Lázaro se compró una cámara digital y quiso encontrarle usos. En el principio, tenían pocos recursos pero una gran afinidad. Para narrar, decidieron detectar los arquetipos que encajarían en la personalidad de cada uno, para trabajar en un tono paródico los males que atribuyen al mundillo de la discoteca, de un protagónico absoluto en su educación sentimental. Se la ubica como epicentro de la trama coral: allí se produce el coming out del ingenuote Hugo, y se libra una bastardeada lucha entre el bien (Alex) y el mal (Borja) revisada como derivación de problemas de alcoba, y hasta se desata el lamento de un joven Werther en contexto equivocado (Edu) que pone en evidencia la hegemonía de la superficialidad del ámbito. “Por suerte o desgracia –dice Sergio Moya, que hace del tapado del grupo– nosotros mismos nos hemos curtido allí. Nuestros primeros amores, primeros engaños, primeros amigos y primeros enemigos han sido fruto de esos pubs y discotecas y la gente que los pueblan. Y, sinceramente, ojalá el ambiente fuera tal y como se lo imagina el personaje de Hugo (el actor Javier Llanes)… porque en muchas ocasiones es un auténtico infierno donde sólo sobrevive el más fuerte, o el más musculoso…”

–¿Qué faltaba contar antes de Lo que surja en el plano de las historias entre chicos gays?

Roberto Pérez (Alberto): –Hoy en día y gracias a Dios, la normalización del mundo gay respecto del punto de vista generalizado está avanzando. Cada vez vemos historias más cercanas, reales… Pero nosotros hemos querido ir un poco más allá: contar historias aún más cercanas, más reales, de a pie. Historias que nos ocurren a nosotros mismos, sucesos que vemos cada fin de semana en el ambiente. Eso es lo que creemos que hace falta: ser un poco más cercano.

José Lázaro (Edu): –De Queer as Folk, que nos encanta, nos diferencia eso mismo: la cercanía. En la serie americana vemos que las discotecas están llenas de musculosos apetecibles y sexualmente impresionantes, cuando en realidad las zonas de fiesta están repletas de gente de toda clase (musculosos, gordos, calvos, jóvenes, viejos, feos, guapos). Y con Sex and the City, que también nos apasiona, nos une hablar de ciertos pelos sin tapujos, sin prejuicios, sin miedo, simplemente como lo haríamos si estuviéramos hablando con nuestros amigos.

Para Javier Llanes (Hugo), Lo que surja es un éxito en todo el mundo hispanoparlante, más allá de España, porque “¿quién no ha tenido una cita por Internet? ¿Y quién no se ha acostado con un completo desconocido para quitarse una calentura? Son cosas uiversalmente gays. Da igual dónde te encuentres, ves la misma clase de gente, los mismos comportamientos, incluso las mismas plumas, por qué no decirlo…”. El malo, el inocente, el promiscuo, el rebotado: los arquetipos se suceden en la trama como si todo el asunto se tratara de llenar un catálogo de cupos disponibles, y así fue como empezaron a llegar a la página web las primeras críticas a la serie por apestar a topicazos (sic).

“Nosotros creemos –se cubre Miguel Cuevas– que si eso es verdad es a nosotros a quienes están llamando tópicos. Cada uno de los personajes bebe un poco de nosotros mismos. Y sí, es cierto que encarnamos a los típicos estereotipos, pero son esos mismos los que puedes encontrarte en cualquier ambiente gay (o chat). El promiscuo que busca sexo sin compromiso emocional, el enamoradizo tontorrón, el hétero con dudas, el tradicional de alta moral, el primerizo inocente y la rata arpía malvada, son los tipos de gays que creemos que mejor pueden representar nuestro alrededor.” El villano Borja, entre otras incorrecciones múltiples, dirá en el capítulo 3, caminando rumbo a la disco, que su barrio “apesta porque está lleno de sudacas”. Y ahora, durante la charla, José Lázaro es el que pregunta: “¿A vosotros, en la Argentina, les ha molestado?”.

–Se entiende que el registro es paródico…

–Lo que surja –insiste, como para que no queden dudas– existe para una valoración de las diferencias. Mal haríamos en favorecer otros tipos de discriminación.

–¿Cómo fue el episodio de censura sobre las escenas sexuales que les impuso YouTube?

Jordi González (Borja): –Es un tema peliagudo el del sexo. Está presente en nuestras vidas: el sexo con amor y sin amor. En los dos primeros capítulos Alex tiene dos escenas de sexo, una de ellas junto a Borja. En ella simulan un intento de penetración y YouTube consideró que ese material era de contenido inapropiado. En conclusión, nos censuraron esos capítulos. Al no ser actores nunca se nos ha ocurrido la idea de hacer sexo tan explícito como el que puede haber en Queer as Folk. Como mucho nos planteamos enseñar algún culo, pero nada más. Si la escena requiere sexo, lo habrá. Si no, preferimos que no sea gratuito.

–¿Cómo seguirá esta historia el año próximo, ya en un formato más profesional?

José Lázaro: –¿Qué decir? No sé si me llevaré una buena regañina por esto, pero creo que puedo decir que en el primer capítulo se develará qué hay dentro del DVD que Alberto le entrega a Borja, ¡muy, muy fuerte! Y sobre Pablo, nuestro querido hétero, ¿caerá en el lado oscuro? Eso sería develar demasiado. ¡Tendréis que esperar!

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se cumplen 25 años de la muerte de jaime davalos

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Aquel gran soñador de historias

Su poesía marcó un antes y un después en el folklore argentino. Por primera vez se publicarán las obras completas del poeta salteño, muchas hasta ahora inhallables.

No quiero endurecerme, ay, no lo quiero, ni ser mi padre ni tener sombrero. Quiero ser un cantor enamorado, andar como los bichos en la leña, llevar como una novia mi pobreza, y morirme del gusto y del capricho, de ser un animal que canta y sueña”, dijo Jaime Dávalos en su canción “Un animal que canta y sueña”. Quienes lo conocieron lo recuerdan como un hombre que cantó y soñó con intensidad, y describió con belleza no sólo el paisaje que amó, también a los hombres que lo habitan. Podría decirse que vivió como quería. Hoy se cumplen 25 años de la muerte de este poeta fundamental del cancionero, salteño hasta la médula, creador de hitos que marcaron un antes y un después en el folklore argentino.

Los homenajes (esos de los que Jaime se reiría, dicen sus familiares) parecen no alcanzar cuando ocurre lo que con muchos: su obra poética es hoy inhallable, dispersa en ediciones añosas de escasa tirada que ni los propios familiares lograron guardar en forma completa. Claro que obras como “Tonada del viejo amor” o “Canción del jangadero”, por citar algunas de las más bellas y conocidas, siempre estarán a mano en cualquier guitarreada, aunque no se sepa que son de Dávalos, quizás el mayor anhelo de un artista popular. Este aniversario redondo trae una buena noticia: la publicación, por vez primera, de sus Obras completas, que estarán listas en unos días. Y la reedición de su disco El nombrador y de Dávalos por Dávalos, donde Julia Elena rescata parte del cancionero de su padre.

En un trabajo de recopilación que reunió a sus siete hijos y a su última esposa, María Rosa Poggi, la preparación de las Obras completas llevó a sus familiares hasta a recordar letras que el salteño nunca había volcado al papel, pero fueron guardadas en la memoria por tradición oral, como la “Zamba a Carlos Paz” (con letra completada por su hija Julia Elena) o el romancillo “Asunción la bordadora”. “La poesía importante de Jaime estaba en libros que nunca nos llegaron; el primero, Rastro seco, no lo encontrábamos por ningún lado, hasta que María Rosa (Poggi, su última esposa) consiguió una fotocopia”, cuenta Julia Elena. La tarea de “rejuntar estrellas” de la familia se hace más ardua por la condición de “saltimbanqui divino” de Dávalos, alguien que se burlaba de los currículum y nunca se preocupó por dejar asientos formales de su obra. “Esta edición va a servir para que la poesía de papá vuelva a darse a conocer, porque mucha gente tiene la memoria de Suramérica, o de los temas más famosos, pero no conocen la obra en toda su profundidad”, se alegra la cantante.

La edición, con prólogo de Eduardo Falú, estará lista en pocos días, en dos tomos, a cargo de la Fundación Salta. El primer tomo incluirá la obra poética completa: Rastro seco (1947), El nombrador (1957), Poemas y canciones (1959), Solalto (1960), La estrella (1967), Cantos rodados (1974) y Coplas al vino (1987), entre otros poemarios y cancioneros. La edición también incluirá un libro con versos y canciones inéditas, y rescatará las tapas originales de los libros, con dibujos de Carlos Alonso y del mismo Dávalos. El segundo tomo buceará en la vida de Dávalos con fotos, disertaciones y artículos periodísticos.

Jaime Dávalos tuvo siete hijos: Julia Elena, Luz María, Jaime Arturo y Constanza, de su primer matrimonio con Rosa, y Marcelo, Valeria y Florencia del segundo matrimonio con María Rosa Poggi. De una manera u otra, todos se mantuvieron ligados a la música y al arte, continuando la tradición de una familia de artistas fuertemente marcada por la figura de Juan Carlos Dávalos, padre de Jaime y figura destacada de la literatura argentina.

Florencia, la menor de sus hijos (tenía 11 años cuando su padre murió), guarda recuerdos de un patio gigante en Zárate, adonde Jaime era un chico más jugando a las escondidas (nada de darles ventaja a sus hijos, nunca se dejaba encontrar) o hacía lucir sus oficios de titiritero y alfarero en tardes dedicadas a las artesanías. Recuerda, también, un proyecto que llevaba el sello de su padre y que marcó a la familia: el de la construcción de una casa en El Encon, cerca de Salta capital. “Fueron años construyendo esa casa, que era su reducto, yendo y viniendo de Zárate a Salta. Mientras la construía, vivíamos en un rancho, abajo del cerro”, cuenta Florencia. Allí, cuenta María Rosa Poggi, quien lo acompañó en aquel sueño, Dávalos quería levantar “El alto de las artesanías”, un lugar que pudiera propiciar la reunión de artistas de todas las disciplinas. Le había pedido ese terreno aislado al gobierno de Salta, que en ese momento estaba adjudicando lotes. El mismo Dávalos lo cuenta en una biografía publicada en la revista Cuestionario: “Recuerdo la impresión que causó que yo me dirigiera al gobierno en verso. No faltó un pinche que me contestara: ‘No corresponde hacer lugar al pedido, por no ser de estilo su nota’. Y tuve que hacer la nota en prosa. Había lotes cerca de la ciudad, y arriba del cerro. Yo elegí entonces arriba del cerro, porque a mí me gusta la gente, no de los arrabales sino de más afuera: los pequeños arrenderos que están solos, arriba, sin sindicatos ni nada: en el aire”.

Su comprovinciano Falú recuerda la forma en que nació su famosa dupla con Dávalos, con la “Zamba de la Candelaria”, que ahora se reconoce como un hito del cancionero, por la revolución poética que significó: “Estábamos acostumbrados a esas letritas pintorescas del folklore, que no decían nada. Jaime empezó a decir otras cosas y a usar figuras muy nuevas, que impactaron en la gente, y me impactaron a mí”, cuenta el guitarrista. A 25 años de la muerte de Dávalos, aquellas nuevas letras siguen sorprendiendo.

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Dávalos, una figura que vuelve a ser rescatada.

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El cierre de Estrella

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

El pianista y embajador argentino ante la Unesco, Miguel Angel Estrella, dará un concierto el martes próximo en el Ministerio de Educación, como cierre del Programa 30 años, que incluyó diversas actividades relacionadas con la memoria. El concierto comenzará a las 19.30, en el Galpón de la Memoria, del Palacio Sarmiento, ubicado en Montevideo 950

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Las razones de una pasión llamada Sabina

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

A pocos dias de una nueva visita, un analisis de como el español se convirtio en contraseña argentina

El morbo tiene su influencia, pero el “fenómeno Sabina” encuentra sus raíces en una multitud de hechos, actitudes y hasta casualidades que le dieron semejante estatura de ídolo. Y sobre todo las canciones, que terminan aglutinando a varios públicos diferentes: 27 años y 17 discos después de Inventario, Joaquín se apresta para reventar la Bombonera.

Pasaron 27 años y 17 discos desde la aparición en 1978, de Inventario, su debut, que en los ‘80 circulaba en la Argentina como tesoro de unos pocos, en forma de casetes truchos, copias de copias no editadas aquí. Pasaron 17 años desde su primera vez, en pleno romance entre Mentiras piadosas y un público propio en formación. Y, de repente, Joaquín Sabina explotó. Emprendió giras kilométricas, comenzó a agregar funciones, a vender cantidades record de entradas en tiempos igualmente record, amplió su público a más de una generación. En la Argentina, el fenómeno se hizo visible a principios de este año en las imágenes de fans que acamparon en el Gran Rex y tuvieron que volverse sin entrada. Sabina se transformó en otra cosa, en una figura que excede a la del atorrante ronco. No fue un proceso instantáneo, aunque la explosión que provocó su reaparición, tras superar un infarto cerebral, lesiones en las cuerdas vocales y una depresión importante, sorprende hasta a sus productores. Hay algo en este nuevo Sabina que genera euforia.

Lo distintivo es el artista masivo que, a la vez, sigue conservando el perfil “de culto”. Hace rato que Sabina no se parece al personaje que construyó, habitante de los bares y las noches que dejaba el cuerpo y el corazón en cada amor imposible. Las letras de Alivio de luto, su último disco, ya no parten de aquel adorable perdedor. Y si hay alguna canción de amor atormentado, se la dedica a su hija Rocío. “No podía fingir que estaba rodeado de putas, metiéndome coca e invitando una ronda tras otra, cuando no era verdad”, explicó a Página/12. Pero aquel personaje sigue resultando eficaz, sólo que fue adoptado por un público más amplio y heterogéneo que el de sus primeras épocas. A los seguidores de Física y química les habrá parecido rara la postal que dejó el Gran Rex: hordas de chicas adolescentes gritando las letras de todos los temas. Eso sí: unos y otros se declaran incondicionales de Joaquín “desde siempre”.

“Los argentinos estáis locos”, dijo él en su visita anterior, en marzo, jurando que es el primer sorprendido. Desde 2000 que no actuaba en Buenos Aires, y los ocho Gran Rex que llenó no alcanzaron para cubrir la demanda. En aquel momento dejó picando la posibilidad de volver a hacer “algo más grande, con un formato más rockero”. Pronto se supo que llegaba a Boca y, agotados los tickets en tiempo record, hubo que agregar otra fecha.

Este morbo es mío

Hay una hipótesis que repiten propios y ajenos: la del morbo argentino como factor desencadenante. Se tiene la sensación de que Sabina está, pero podría no estar. Ir a verlo es, también, sentirse parte de la historia, ser dueño una experiencia que permita decir “yo estuve” el día de mañana. El se encargó de contar lo que le pasó en sus años oscuros, en reportajes y en su disco, donde exorcizó aquella “Nube negra” en una canción. Lo suyo es un renacimiento al estilo Maradona, en plena forma y en actividad. El mismo Sabina se rió de su condición de “muerto vivo” en un capítulo que dedica a la Argentina la biografía En carne viva, “El culo más hermoso del mundo (historia de la más feroz sabinamanía)”: “Lo que está pasando también tiene que ver con el hecho de que los moribundos, los póstumos, los muertos cantan mucho mejor que los vivos. En este país y en toda Latinoamérica”, sentenció.

“Hay un antes y un después de su enfermedad. En ese tiempo que estuvo sin venir lo mantuvo vivo el recuerdo de los tributos, el boca a boca, pero la gente lo quería volver a ver. Pero la Argentina tiene mucho morbo”, admite Alberto Miguel, de Artes Group, la productora en Argentina, Uruguay y Chile, que trabaja con él desde su primera visita. “Lo más impresionante es que lo descubrieron los chicos, además de tanta gente que nunca lo vio en vivo. El público actual es una mezcla de intelectuales, modernosos, hippies, chicas, viejos…”, describe. Si tiene que marcar un dato que lo sorprendió y no termina de entender es, más que la cantidad, la velocidad con que se vendieron las entradas. “Más rápido que Robbie Williams, más rápido que U2”, alardearon en su momento los organizadores. La venta de una cancha de Boca en cuatro horas suena a imposible si no se tiene en cuenta que las formas de venta tradicionales cambiaron. “Por eso se logra esa velocidad: el 80 por ciento de las entradas se vendió por Internet y se cayó el sistema, igual que con los Stones. En ninguno de los 40 puntos de venta había más de media cuadra de cola. La gente quizá tuvo miedo por lo que había pasado con el Gran Rex”, explica el productor.

El hombre del
marketing natural

El romance del andaluz con la Argentina es de larga data, y se refuerza cuando se comprueba que conoce el código local y está al tanto del contexto del país. Tanto como para bromear sobre el hotel Faena de Puerto Madero, donde se alojó en su última visita, y asegurar que “para compensar vamos al comedor de Castells, que nos da hamburguesas gratis”. Si a eso se suma al atorrante capaz de decirle en la cara a Cecilia Bolocco, en el programa de Maradona, que “alguna boluda” le armó la agenda que luego lo llevaría a visitarla en Chile, se tendrá al auténtico argentino, con ese acento castizo que tanto gusta.

“Sabina tiene un marketing natural que es muy bueno: hace lo que le gusta y funciona. Iba al programa de Adolfo Castelo en Canal 7 porque era su amigo, y no iba a ningún otro lado. Lo pedían de la producción de Susana Giménez y no había forma de convencerlo. Tampoco es un artista que suene demasiado en radios ‘de formula’. El fenómeno nunca vino por la promoción”, analiza Miguel. El productor acerca un dato para explicar la construcción del fenómeno: “Todo el mundo cree que es un loquito y es un profesional, riguroso en los ensayos y la puntualidad para los shows”, destaca. “Si tenemos problemas en la Argentina es justamente por los horarios: él quiere ser puntual y la gente está acostumbrada a llegar más tarde. Sabina es muy trabajador, basta ver la cantidad de conciertos que lleva dados en esta gira. Y tiene todo programado como para saber cuándo se puede desbocar y cuándo no, cuándo puede hablar, cuándo puede salir a divertirse y cuándo parar. Eso se lo dio la madurez. Supongo que el haber pasado por un estado crítico le hizo ver las cosas de otra manera”.

Gracias al catálogo

Aunque provoque con declaraciones críticas sobre los sellos y se ría de la piratería con el nombre de su gira (ver recuadro), Sabina es, para la industria, un apetecible “artista de catálogo”: vende todo el tiempo, todos sus discos. En los rankings de Capif aparecen varios de sus CD entre los 100 más vendidos, algo que no ocurre con el resto de los artistas rankeados. El último reporte de ventas mayoristas, incluso, ubica a Nos sobran los motivos en el lugar 21o del repertorio popular, por encima del nuevo disco, Alivio de luto (39o). También figuran entre los más vendidos 19 días y 500 noches y Física y química. Cuando se aproximan los shows, las ventas suben. Sabina llegó a la Argentina por primera vez en 1998, cuando presentó en el Opera su primer disco en estas tierras, Mentiras piadosas. “Pensábamos regalar las entradas, pero al final vendimos 700 ti-

ckets, algo brutal para un día de semana y un artista con disco reciente”, recuerda el productor que lo trajo. El programa de aquel concierto se vende en Internet a $29. Fue el único show de Sabina en el Opera: a partir de allí hizo el Rex, pasó a Ferro, al Luna, hasta llegar a Boca y otros cuatro estadios en el país.

El éxito no se verifica sólo en la Argentina: “En España también arrasa. En Chile hasta ahora no había logrado entrar y ahora agotó todo. En México hizo dos Auditorios Nacionales…”, se entusiasma su productor. Pero queda claro que las escenas de fanatismo que se viven aquí son patrimonio nacional. En forma esquemática, la historia de Sabina recomendaría a cualquier cancionista principiante que se dedique a hundirse después de un par de discos, que calcule bien el filo de la muerte y vuelva de sus cenizas para contar que sigue vivo. Eso sí: el aspirante a semejante reality deberá, además, ser capaz de hacer y cantar canciones con las que todos se identifiquen, o quieran identificarse. Canciones perdurables que enamoraban a los padres y ahora enamoran a los hijos. Y eso no es algo que pueda asegurar ninguna fórmula.

No se puede mostrar la imagen “http://www.pagina12.com.ar/fotos/espectaculos/20061203/notas_e/NA33FO01.JPG” porque contiene errores.

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Cartagena de Indias viajes

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Gloriosa y eterna

Sus cinco siglos de historia lograron una alquimia atrapante entre lo mágico y lo real. Calles laberínticas, exuberante vegetación, recovecos misteriosos y colosales construcciones conviven en esta ciudad caribeña a la que siempre se quiere volver.

Tras el primer vistazo desde la avenida Santander, que comunica el aeropuerto con la ciudad, Cartagena parece pequeña, inmune al paso del tiempo y abarcable en unas pintorescas caminatas bajo el sol del Caribe. Sin embargo, las apariencias engañan y basta con penetrar en su riqueza histórica, sus calles laberínticas cargadas de flores -que la han hecho merecedora de un concurso anual de balcones- y la fascinante geografía para darse cuenta que su palpitar la convierte en una gran urbe, con atractivos que se multiplican paso a paso. Mágica, pero muy real, sus casi 500 años de existencia fueron prolíferos e impregnaron de misterio cada recoveco conservado intacto y que sólo puede ser descubierto sin prisa, con los ojos bien atentos y el espíritu dispuesto a la algarabía rumbera, propia de los colombianos.

Fundada en 1533 por Don Pedro Heredia, es la segunda ciudad más antigua de Colombia, después de Santa Marta. Sus habitantes, que hoy suman 1.200.000 en su mayoría mulatos, sostienen que la ciudad les ha quedado chica y para conocerla hay que tomar muy en serio esa opinión. Se la puede dividir en dos grandes polos: el casco histórico amurallado y la zona moderna donde están las tiendas de compras, los grandes hoteles, multiplicidad de restaurantes y las discos de la calle del Arsenal, alternados con la exuberante vegetación minada de almendros añosos. Tal vez los mismos que brindaban refugio a Florentino Ariza -mientras aguardaba el paso hacia el colegio de Fermina Daza- en las páginas de El amor en los tiempos del Cólera, la inolvidable novela de Gabriel García Márquez.

En los siglos XVI y XVII Cartagena fue el blanco predilecto de piratas y corsarios deseosos de arrebatar alguna de las tantas riquezas en oro y piedras preciosas que partían desde sus costas hacia el Viejo Mundo. Su vulnerabilidad impulsó a la corona del Nuevo Reino de Granada a construir una increíble muralla (aún en pie) de casi 11 km que encierra lo que hoy se denomina el Centro Histórico.

Frente a la colosal estructura de tres metros de espesor atrae la vista del viajero otro gigante de piedra: el Castillo de San Felipe de Barajas, la edificación militar española más grande en el Nuevo Mundo. Su construcción comenzó en 1536 y duró hasta 1657, y fue pensada para proteger a la ciudad del ataque de piratas porque permitía una estratégica vista de la bahía. Aún hoy están intactas sus torres y sus pasadizos donde los soldados se escondían para sorprender al enemigo. Otro atractivo es el Cerro de la Popa, a 186 m.s.n.m., que permite una vista panorámica de la ciudad y donde existe un convento construido por los frailes agustinos en honor a la Virgen de la Candelaria.

Quienes estén deseosos de más sol y playa, Cartagena también les brinda esa opción de esparcimiento. A sólo una hora de lancha y hacia el sur se encuentran las Islas del Rosario, donde se puede practicar snorkel y buceo en aguas increíblemente cálidas y transparentes, pasar un día en medio de una paz reparadora y deleitarse con algunos platos típicos de pescado, como el pargo rojo servido con arroz con coco y patacones (tortillas de plátano).

Ahora sí el paso siguiente, sin dudas, es acercarse a la muralla y zambullirse en la historia por alguno de los accesos. El más atractivo es la Torre del Reloj que fue en la colonia la única entrada al casco y actual lugar de encuentros y citas de enamorados. Al traspasar la arcada se encuentra la Plaza de Coches donde se practicaba el comercio de esclavos. Por ese espacio a cielo abierto desfilaron millones de negros traídos de lugares remotos como el Congo, Guinea, Angola en barcos llamados tumbeiros y apreciados por su altura y fuerza física con la que los españoles buscaban reemplazar a los caramarí, un grupo aborigen de la zona, muy guerrero y sin ninguna vocación de sumisión, que por su resistencia fue exterminado en poco tiempo.

El descomunal tráfico de carne humana generó la reacción de un jesuita llamado Pedro Claver, quien vivió en la iglesia que hoy lleva su nombre, hasta que el Parkinson le quitó el último aliento. Por su lucha humanitaria mereció el título de “esclavo de los esclavos” o “el apóstol de los negros”. A metros de la monumental edificación religiosa se encuentra la calle de la Amargura, llamada así porque era el último tramo que recorrían los condenados por la Inquisición. Los recuerdos de aquella época oscura aún se conservan en un museo dedicado al temido tribunal. Como el promedio de la temperatura anual ronda en los 32°C, antes de continuar el paseo conviene tomar un respiro y aprovechar para disfrutar algunas de las delicias locales que se ofrecen a viva voz en las calles. Alegrías de coco, tamarindo, papaya, mango y jugos de frutas tropicales son parte de las opciones, o bien tragos y cervezas servidos bajo las sombrillas de una de las tantas plazas como la de San Diego, San Pedro y Santo Domingo donde, a la vez, es imposible no toparse con vendedores ambulantes dispuestos a no dejar escapar a ningún comprador. Si uno se entrena rápido en la técnica del regateo, se pueden obtener lindísimos collares de piedras Tayrona y semillas de los lugares más remotos del país.

Más adelante, bordeando la muralla, se puede saciar la necesidad de comprar otros souvenires y objetos típicos. En lo que se llama Las Bóvedas, antiguo refugio militar y más tarde calabozos, funcionan pintorescos negocios donde hay desde camisas guayaberas, morrales tejidos y máscaras realizadas a mano, hasta esmeraldas cuyo brillo y belleza dejan sin habla -al igual que el precio- porque arrancan en los U$S2 y trepan hasta el valor de un O Km.

Como por suerte hay pocos autos que contaminen el paisaje, caminar por los adoquines de Cartagena es un placer inusual. Sin embargo, quienes no estén dispuestos a largas caminatas tienen la opción de recorrer el casco al trotecito, en uno de los tantos mateos que hay por la zona. Si se permite deambular libremente hay edificaciones que no conviene perderse: el Convento de San Agustín (sede de la universidad y con estilo florentino), la Plaza de la Aduana y el hotel Sofitel Santa Clara, reconocido como el más increíble de la ciudad y que ostenta el prestigio de haber sido en otra época convento, hospital y escuela.

En 1984, Cartagena fue nombrada por la UNESCO, Patrimonio Cultural de la Humanidad y este impulso le ha permitido conservar y restaurar aquellas casonas majestuosas que antes eran morada de condes y virreyes. Hoy las fachadas reviven las glorias del pasado en vibrantes violetas, amarillos, rosas y naranjas. Una postal que se imprime en la retina y se atesora en el corazón con la esperanza del regreso. Al despedirse del viajero con una sonrisa siempre bien dispuesta, los lugareños arrojan una certeza esperanzadora: “Hasta pronto, porque quien viene a Cartagena, siempre vuelve”, dicen. Que así sea.

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Maradona arengó a los jugadores en el vestuario

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

A pedido de los integrantes del equipo argentino, Maradona estuvo con ellos en los momentos previos a la jornada decisiva. Luego, se dirigió a las tribunas junto a su hermano “Lalo” y su ex esposa Claudia Villafañe.

Diego volvió a darle todo su apoyo al equipo argentino.

Diego volvió a darle todo su apoyo al equipo argentino.

sta vez, los jugadores argentinos necesitaban apoyo extra. Para empezar con el pie derecho el camino del milagro hacia la “Ensaladera de Plata”, no alcanzaba con el aliento desde las tribunas. Es por eso que David Nalbandian y compañía le pidieron a Diego Armando Maradona que estuviese con ellos en el vestuario antes de salir al estadio Olímpico de Moscú, donde intentarán dar vuelta la serie anre Rusia.

Diego llegó al estadio junto a su hermano Raúl “Lalo” Maradona y su ex esposa Claudia Villafañe y, por primera vez y a pedido de los tenistas, ingresó al vestuario argentino antes del partido entre Nalbandian y Nikolay Davydenko.

Una vez adentro del vestuario, el “Diez” hizo lo que todos esperaban: una arenga llena de palabras emotivas para que el cordobés y el resto del equipo salieran a dejar todo ante los rusos.

Luego del encuentro con los dirigidos por Alberto “Luli” Mancini, Diego se dirigió, como siempre, hacia las tribunas, donde junto a un grupo de unos 500 hinchas
En tanto, otra presencia destacada y habitual en cada presentación del equipo ruso es la del ex presidente del país Boris Yeltsin, quien ingresó al estadio custodiado por ocho guardaespaldas.
alientan al equipo nacional.

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Los 60 años de José Carreras, el tenor solidario

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

El tenor español debió ser sometido a un exitoso autotrasplante de médula. Desde ese día su vida no fue la misma. Volvió a cantar y comenzó una cruzada solidaria. Un ejemplo.

El tenor José Carreras cumple 60 años. Un ejemplo de solidaridad tras haber superado un cuadro de leucemia.

El tenor José Carreras cumple 60 años. Un ejemplo de solidaridad tras haber superado un cuadro de leucemia

Madrid.- José Carreras nunca olvidará aquel 15 de julio de 1987. Con 40 años y en la cima de su carrera, al tenor español le era diagnosticada una leucemia linfoblástica aguda. Otros quizás hubieran claudicado, pero Carreras, con el mismo tesón con el que persiguió su sueño de ser cantante de ópera, se enfrentó a la enfermedad. “Si salgo de ésta y gano la batalla, volveré a cantar”, se decía entonces. Y lo logró.

Después de un autotrasplante de médula en Estados Unidos, al cual se sometió sin anestesia por temor a que la intubación le dañara las cuerdas vocales, y una terapia de rehabilitación, Carreras volvía a aparecer en público apenas un año después.

Fue en Barcelona, en un concierto gratuito ante 150.000 personas, entre ellas la Reina Sofía. Ahora, con 60 años -los cumple este martes, 5 de diciembre-, Carreras está curado y hace vida normal. Pero la experiencia cambió la vida de este tenor, gran intérprete de Verdi y Puccini y que ya antes de la enfermedad había cantado bajo la batuta de grandes directores como Herbert von Karajan, Leonard Bernstein o Claudio Abbado.

Con el objetivo de devolver de alguna manera todo el afecto que recibió durante su convalecencia y ayudar a quienes sufren la misma dolencia, en 1988 creó la Fundación Internacional José Carreras contra la Leucemia (www.fcarreras.es), una organización que apoya económicamente las investigaciones contra la enfermedad y que mantiene un banco de donantes de médula ósea. “Me sentí en deuda con la sociedad”, recuerda el tenor de aquella época.

La institución tiene su sede en Barcelona, su ciudad natal, pero también está presente en Estados Unidos, Suiza y Alemania. En este último país, donde es especialmente querido, Carreras organiza una gala benéfica que anualmente es retransmitida en la televisión pública y que desde 1995 ya ha recaudado unos 75 millones de euros (98 millones de dólares).

Pero la leucemia también cambió la vida artística de Carreras, quien admira a cantantes como Frank Sinatra o Tom Jones. Después de superada la enfermedad, redujo el ritmo de sus actuaciones, limitándose a unas 60 por año, entre conciertos y recitales, además de un par de óperas.

Para los críticos, Carreras encarna “el sonido del corazón”. Su voz es “de noble timbradura, de dorado sol mediterráneo, ricamente esmaltada, de suntuosidad armónica, abundante de volumen y extensión adecuada”, según la describía Fernando Fraga en la revista “Opera Actual”.

Pero el propio Carreras admitió alguna vez que hoy en día no podría con el “Otelo”, consecuencia de tantos años de exponer su voz en el duro mundo del belcanto. No es de extrañar, puesto que este tenor nacido en Barcelona el 5 de diciembre de 1946 sintió su vocación operística a muy temprana edad.

Con apenas ocho años hizo su primera presentación en público, interpretando “La donna e mobile” de Verdi en un programa de la radio española, y a los once tuvo un papel -de soprano- en la ópera de Manuel de Falla “El retablo de Maese Pedro” en el Liceo de Barcelona.

Carreras estudió en el Conservatorio Superior de Música de esa misma ópera. Fue allí donde debutó como tenor, en el papel del romano Flavio en “Norma”, de Bellini. Y lo hizo junto a la soprano española Montserrat Caballé, que se convertiría en su gran mentora y protectora. De Barcelona, Carreras dio el salto a Londres, Nueva York, Milán… Y en 1976 debutó en Salzburgo, interpretando el “Don Carlo” bajo la dirección de Karajan, de quien fue el tenor preferido.

Comercialmente, el gran éxito lo consiguió junto con Plácido Domingo y Luciano Pavarotti, formando parte del fenómeno “Los tres tenores”, surgido en 1990 con motivo del Mundial de Fútbol en Italia. Más de diez millones de copias de la grabación en directo de aquel concierto se han vendido hasta ahora.

Casado desde enero de este año en segundas nupcias con la ex azafata austríaca Jutta Jaeger y padre de dos hijos ya adultos, Carreras está todavía lejos de pensar en una retirada. “Cada quien elige el momento del adiós y yo sigo disfrutando mucho en el escenario”, dice.

 

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D’Elía contra Alberto Fernández: “”Expresa lo peor de la derecha reaccionaria, entreguista y cipaya”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

El líder piquetero sostuvo que el jefe de Gabinete representa “el cavallismo dentro del Gobierno”, aunque expresó su confianza en el presidente . “Soy soldado de Kirchner, Chávez, Lula y Evo Morales”, dijo.

El piquetero y ex funcionario kirchnerista Luis D’Elía fustigó con dureza al jefe de Gabinete, Alberto Fernández, al que acusó de que “nunca vacila en armar operativos contra otros miembros del Gobierno y expresa lo peor de la derecha reaccionaria, entreguista, cipaya”.

En un reportaje con el diario La República de San Luis, D’Elía volvió a defender el acto que realizó en defensa de Irán, en el marco de la causa por la AMIA, que precipitó su salida de la Subsecretaría de Tierras para el Hábitat Social, al indicar que obró “por convicción en un tema espinoso y de altísima gravedad geopolítica, estratégica, aún en el plano militar”.

En ese sentido, dijo estar dando una “disputa contra otro sector del Gobierno que tiene mucho poder, de estructura, de aparato. Creo que Alberto Fernández expresa la derecha de este gobierno. El es el cavallismo dentro de nuestro gobierno”.

Amplió que “es una persona que quiere llevar al Gobierno a una alianza con el Partido Demócrata norteamericano, que expresa el sector financiero mundial, con España y con (la presidenta de Chile, Michelle) Bachelet”

“Creo que es el líder de la derecha de nuestro gobierno. Además, nunca vacila en armar operativos contra otros miembros del Gobierno”, remató.

No obstante, afirmó que “a mí no me hace mella eso”, en referencia a la actitud del jefe de Gabinete, y mencionó que “mi problema con él es político, porque él expresa la derecha de los ’90, expresa la política marketinera, un mundo al que nosotros no queremos volver”.

D’Elía diferenció sin embargo aquella postura con la del mandatario Néstor Kirchner, al señalar: “Confío en el presidente de la República, confío en su capacidad de conducción política”.

Insistió en que “el líder de la derecha de este gobierno es Alberto Fernández. El empuja este tipo de situaciones y divisiones que son una regresión al pasado”.

Asimismo, se identificó como “un soldado de lo que sucede en la región. Soy soldado de Kirchner, de Chávez, de Lula, de Evo Morales, de todos los compañeros que quieren un destino para América latina que tenga crecimiento económico, distribución de la renta nacional, integración latinoamericana, integración política, económica, integración de los pueblos”.

Finalmente, negó que planee postularse en las elecciones por su distrito La Matanza, y dijo que “yo no quiero ser candidato a nada. Sí quiero que el gobierno de Néstor Kirchner avance. Voy a defender a este gobierno como dije alguna vez a los tiros y en la calle”.

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Uruguay teme que ex carapintadas argentinos o combatientes de Malvinas ataquen a Botnia

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Tabaré maneja 5 hipótesis de atentados y avanza con militarización

El presidente uruguayo fue alertado por sus servicios de inteligencia. Mencionan un posible sabotaje a la pastera y ataques por tierra, aire y agua. Le apuntan a la SIDE argentina.

El gobierno uruguayo teme ataques de todo tipo a la planta de Botnia, en Fray Bentos.

El gobierno uruguayo teme ataques de todo tipo a la planta de Botnia, en Fray Bentos.

El gobierno de Tabaré Vázquez suma preocupaciones en la ribera de Fray Bentos y avanza en su idea de desplegar tropas militares para defender la instalación de la planta de celulosa de la empresa finlandesa Botnia.

Los servicios de inteligencia uruguayos ya se encuentran dentro de la fábrica pastera en construcción, pues en las últimas horas habrían tenido indicios de la posibilidad de una sabotaje en la obra civil que se encuentra en pleno desarrollo.

La hipótesis del sabotaje fue confirmada por el propio subsecretario de Defensa de Uruguay, José Bayardi, que puso bajo sospecha a un grupo de obreros argentinos que se encuentran trabajando en el lugar. Incluso se llegó a mencionar que entre los trabajadores podría haber infiltrados de la SIDE de nuestro país.

Pero no es la única alternativa que inquieta al presidente Vázquez. Los informes de los organismos de inteligencia uruguayos apuntan a prevenir ataques que podrían llegar por aire, tierra o cruzando el mismo río Uruguay. Detrás de estas iniciativas estarían “grupos de ex militares argentinos relacionados con ex carapintadas y ex combatientes de Malvinas”,Diario Perfil.

El ofrecimiento militar fue realizado a los asambleístas de Gualeguaychú durante una marcha de protesta frente a la embajada de Finlandia en Buenos Aires. José Pouler, que se asume como uno de los “más radicalizados” opositores a la instalación de las pasteras, confirmó el contacto aunque aclaró que el suyo es un “movimiento pacífico”.  según lo publicado hoy por el

Se me acercaron dos hombres con pinta de militares. Uno tendría unos 60 años y se identificó como retirado. El otro, de unos 40, era ex combatiente. Me dijeron que la solución del conflicto debía ser drástica y contundente: tendría que caerse la torre y me dijeron que podían conseguir un misil y toda la logística necesaria”, contó el asambleísta Pouler.

 

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El campo comenzó su paro nacional de actividades

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Los productores no envían ganado y granos al mercado. Protestan porque los obligaron a transferir 3.300 millones de dólares de sus ganancias al Estado. El Gobierno rechazó la posibilidad de desabastecimiento

El campo inició hoy el paro de actividades a nivel nacional, que se extenderá durante nueve días, en protesta porque el Gobierno obligó a que transfieran 3.300 millones de dólares de sus ganancias a las arcas del Estado.

La medida, fuertemente cuestionada por la administración de Néstor Kirchner, incluye el no envío de ganado y granos al mercado, aunque el Gobierno garantizó que no faltará la carne. En cambio, está previsto que se trasladen a los puntos de venta lácteos, frutas y verduras.

El jefe de Gabinete, Alberto Fernández, denunció ayer que el paro agropecuario es ” una presión” para que los argentinos paguen el kilo de carne al mismo precio que en el mercado internacional.

En declaraciones por Radio Del Plata, Fernández sostuvo que la medida de fuerza “demuestra una formidable vocación de tener utilidades muy altas aún en desmedro de la gente”.
El jefe de Gabinete remarcó la “alta rentabilidad” que ganan los productores ganaderos, al reseñar que “el promedio del valor para producir un kilo de carne es de 1,30 pesos y lo venden en el mercado internacional a 13 dólares”.

Por su parte, el ministro del Interior, Aníbal Fernández, sostuvo que “acá hay dos partes: una, la que puede significar la rentabilidad, y otra, la medida política propiamente dicha”.

“De las cuatro entidades, Coninagro no adhiere y de la Sociedad Rural Argentina (SRA), de 28 directores, 15 votaron por el sí y 13 por el no. Esta es la parte política”, indicó Fernández a radio Rivadavia.

El funcionario remarcó que “lo que uno analiza es que habiendo muchos de los dirigentes ligados a determinados candidatos de la oposición apareciendo en los palcos de estos mismos, lo que precisamos nosotros es que es más un gesto político que otra cosa”.

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Rosario, la ciudad con mejor calidad de vida

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Viven mejor que los cordobeses y porteños

Lo determinó un estudio realizado por el Consejo de Competitividad de Córdoba. Destacan la infraestructura cultural, educativa y de esparcimiento, además de su mejor atención en materia de salud.

Rosario y sus alrededores es el conglomerado con mejor calidad de vida de Argentina, según lo determinó un estudio realizado en forma conjunta por facultades, entidades empresarias, fundaciones y municipalidad de la ciudad de Córdoba.

El resultado determinó que los rosarinos viven mejor que cordobeses y porteños, por su infraestructura cultural, educativa y de esparcimiento, además de una atención superior en materia de salud.

El estudio fue realizado por el Consejo de Competitividad de Córdoba, que está formado por la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad Nacional, la Bolsa de Comercio, la Municipalidad y el Instituto de Estudios perteneciente a la Fundación Mediterránea (IERAL), todas entidades de la Docta.

Según publica hoy el diarior osarino, las entidades midieron la competitividad de la capital cordobesa, lo que la ubicó con 3,48 puntos en una escala de 1 a 7. Pero además de este índice que es utilizado a nivel internacional para dar cuenta a la hora de producir, ganar mercados y crecer de manera sustentable, el consejo evaluó la calidad de vida y la comparó con otras urbes del país. 

En ese ranking es que el Gran Rosario se ubicó en el primer lugar con 5,96 puntos superando no sólo al Gran Córdoba (4,26), sino incluso a la Ciudad Autónoma de Buenos Aires (4,32) y al Gran Mendoza (3,16).

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ENTREVISTA A TOM WAITS

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Memorias del subsuelo


Grabó un álbum triple con canciones propias y ajenas. A los 56, habla de su pasado turbulento y de cómo salió de él.

POETA “Componer canciones es como capturar pájaros sin matarlos”, dice, tras grabar “Orphans”.

 

Cuando Tom Waits era chico, oía el mundo de otra manera. El crujido de un papel lo hacía dar un respingo. “Me asustaba. Pensaba que tenía una enfermedad mental”, dice.

¿Se lo contó a alguien? “Creo que se lo dije a mi mamá. Pensaba que se me iría al crecer, como el acné o la masturbación”. Y así fue, aunque la idea aún lo persigue. “Leí que otros artistas también sintieron una distorsión del mundo”.

A los 56 años, Tom Waits ha hecho carrera distorsionando el mundo de un modo a menudo perturbador. En su nuevo álbum, Orphans (Huérfanos), echa mano de canciones de otros. King Kong, de Daniel Johnston, se convierte en un aullido bestial de desesperación. Y Heigh Ho de la película Blancanieves, de Disney, en un cántico de esclavos. “Me gusta lo decrépito y la desintegración de todo”, señala Waits.

Y Orphans es un enorme mapa de desintegración, un álbum triple que contiene 54 canciones, treinta de las cuales son nuevas, mientras que el resto ha sido recolectado de diversos proyectos, bandas sonoras de películas y obras de teatro.

Hay una canción llamada Road to Peace que se refiere al conflicto de Oriente Medio. “Estaba enojado. Todo empezó con algo que leí en el diario sobre un chico que murió en un atentado suicida en un ómnibus de Israel”.

Seguramente le van a pegar duro, le digo, por el verso ¿Por qué armamos al ejército israelí con cañones y tanques y balas? Asiente. “Puede ser. Pero esta canción no habla de tomar partido; es una condena a ambas partes. Traté de ser equitativo”.

Waits habla como canta, con una voz áspera que arrastra las palabras y con sabiduría. “Componer canciones es como capturar pájaros sin matarlos”, dice. “A veces terminás con la boca llena de plumas y nada más”.

La primera vez que me topé con sus discos, todas sus canciones parecían ser sobre la bebida y sobre perder el camino. Desde su debut en 1973 fue un tipo de voz pedregosa y manchado de cerveza que les cantaba a los bares, un beatnik de nuestros días con problemas de hígado y corazón roto.

Durante mucho tiempo pareció que seguiría siendo una figura de culto, un trovador criado a base de whisky y Bukowski. Su música sugería y, en menor grado, todavía sugiere que los 60 le pasaron de largo, que en su universo cerrado los Beats fueron mucho más importantes que los Beatles y Sinatra que los Stones. “Uno imita aquello con lo que creció”, dice. “Si crecés con Sinatra, Crosby y Louis Armstrong, eso se te mete. Pero también me quedaron cosas de los 60″.

Nació bajo el nombre de Thomas Alan Waits en el estado de California, el 7 de diciembre de 1949. Sus padres eran maestros, pero su infancia de clase media se hizo añicos cuando éstos se divorciaron en 1960. Waits se obsesionó con encontrar un padre.

La salvación llegó con el descubrimiento de Kerouac y Ginsberg. Hasta la aparición de su esposa dos décadas más tarde, los escritores Beat fueron su influencia más importante. En Orphans los homenajea con una canción rutera de Kerouac y recitando el poema de Bukowski Nirvana: odas a la falta de raíces, el continuo trajinar, al fugaz momento en que las cosas podrían haber sido de otra manera

“Kerouac y Bukowski eran figuras paternas para mí”, dice. “Mi papá se fue cuando yo tenía 10 años y yo buscaba un padre”. Waits dejó su casa a los 15 años y trabajó un tiempo como cocinero y como patovica de una disco. Estaba siempre en movimiento e incluso vivió dentro de su auto.

En 1977, su vida se estaba cayendo a pedazos. “Tenía problemas con el alcohol. Mi mujer me salvó”. Kathleen Brennan era una guionista a quien Waits conoció en 1978 y que provocó un drástico cambio en su música. “No me casé solamente con una bella mujer. Me casé con una colección de discos”.

Las canciones que escribe con Kathleen a menudo están llenas de ecos de canciones más viejas. Un nuevo tema titulado Widow Grove empieza con una melodía tomada de la vieja canción irlandesa The Rose of Tralee. En Orphans, también se perciben las huellas de John Lee Hooker, John Mc Cormack, los Louvin Brothers y los Clancy Brothers. La colección de discos de Waits, y también la de Kathleen.

Aunque repite que su mujer le salvó literalmente la vida, Waits dice que “también sabía que había algo dentro de mí que me impediría irme a los caños”. ¿Fue difícil dejar la bebida? “Fue duro. Fui a Alcohólicos Anónimos. Una lucha”. Le pregunto si escribía otro tipo de canciones cuando tomaba. “No, no creo. Cuando tomás alcohol o drogas nunca estás seguro si los espíritus que pasan a través de vos son los de la botella o los tuyos. Esa es una de las cosas que impide que mucha gente deje la bebida, tiene miedo de descubrir que era el alcohol el que hablaba”.

 

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La acústica del Colón no se toca ..?

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Ante la posibilidad de que la excelente acústica se modificara por la remodelación, fueron convocados expertos en la materia. Aquí explican qué harán.

Arrese, Sanchez Quintana y Basso. El director de infraestructura del gobierno de la ciudad, y los dos especialistas acústicos.

Unas de las preguntas fundamentales que rondan en torno del Master Plan es cómo se garantizará la conservación de la acústica del Colón, cuya excepcionalidad no una presunción argentina sino un hecho reconocido en todo el mundo: un estudio realizado en 2000 por Leo Beranek —uno de los más destacados investigadores contemporáneos en acústica arquitectónica— y publicado en The Acoustical Society of America asegura que el Colón es el primer teatro de ópera del mundo; y en otro estudio publicado enActa Acústica de 2003 el mismo autor otorga al Colón el tercer puesto en la lista de los mejores 58 teatros para música sinfónica. Para dar respuesta a ese interrogante    el

 arquitecto Alvaro Arrese, Director General de Infraestructura del Gobierno de la Ciudad, y a los dos ingenieros que están a cargo del control acústico de las reformas y que son tal vez los dos mayores especialistas en acústica del país: Rafael Sánchez Quintana y Gustavo Basso, que además de sus cargos académicos es violinista en la orquesta del Argentino de La Plata.

“El punto absoluto de partida —explica Arrese— fue que la acústica del Colón no se altera, ya que es el patrimonio más valioso del teatro: después vienen todas las otras cosas, que tienen que ver con la acústica: las telas, la forma de la sala, etcétera, pero digamos que todas las características arquitectónicas vienen después de la acústica. En todas las intervenciones fuimos absolutamente cautelosos y lo primero que hicimos fue convocar los dos más grandes especialistas de acústica que me parece que hay en el país. Había demandas muy grandes de reforma escenotécnica, y fuimos progresivamente descartando todas las que suponíamos que podían alterar la acústica.”

¿Cuáles?

Arrese: Lo primero que se pidió fue corregir la pendiente del escenario.

Basso: Vinieron los arquitectos del Master Plan con un pedido de enderezar el escenario: hicimos un modelo por computadora, estudios, mediciones, y comprobamos que eso afectaría la acústica. No se volvió a hablar del tema.

Arrese: El escenario del Colón no tiene reserva hacia abajo, y en un momento se pensó en llevarlo para el costado. El escenario tiene pocos hombros y se pensó en voltear la pared lateral que da sobre la plaza y construir un edificio al lado, que era la propuesta de Capobianco. Llegamos a la conclusión, con nuestros especialistas, que una de las características excepcionales de la acústica del Colón era la reflexión temprana; que la calidad que tiene en los graves era producto de la solidez y el grosor de los muros, que no todos los teatros del mundo tiene. Dijimos: tampoco va la expansión lateral. Lo que quedaba era mejorar la conexión entre los talleres de escenografía y el escenario. Había un túnel bastante tortuoso y se podía podía construir un mejor montacargas. Respetamos la caja escénica en su totalidad y mantenemos el disco giratorio, que seguramente no hay otro de este tamaño en el mundo. Ahora bien, si quieren que entre un helicóptero en el escenario… no, no se puede. Hay que hacer otro teatro.

¿En qué medida la modificación de telas y superficies puede alterar la acústica?

Quintana: La acústica de la sala comprende, fundamentalmente, todas las reflexiones que produce su geometría. Nuestra primera meta fue que no se cambiara nada de la geometría de la sala ni del escenario. ¿Qué nos quedaba? Si no tocamos nada de la geometría, nos queda la absorción dentro de la sala; y si bien todo lo que hay en una sala es muy importante, tenemos que pensar que cuando las butacas están ocupadas lo que predomina es la persona que está sentada sobre ella. Pero igual debemos estudiar lo que pasa con los elementos textiles. Como está especificado en el pliego de especificaciones técnicas de la obra, antes de comenzar a desarmar la sala hemos hecho mediciones según la norma ISO 3382, que tiene en cuenta todo lo que es tiempo de reverberación y sus derivados: energías laterales y demás.

¿Qué y cómo se mide?:

Basso: Se coloca un dodecaedro, que es una especie de pelota con parlantes, que emite en una banda ancha, que ocupa todo el rango de una orquesta y apunta hacia todos lados. Se coloca en el escenario y en el foso. Y se miden más de cuarenta puntos, en palcos, plateas, cazuela, etcétera. Como dato, en La Fenice de Venecia se midieron sólo ocho puntos, y en el San Carlo de Nápoles, seis. Acá estamos en el límite de las posibilidades técnicas. Tenemos un diagnóstico muy preciso, más preciso que de lo que se hizo en la Scala de Milán. Es como una tomografía computada, lo más perfecto que se puede hacer hoy en el mundo como diagnóstico del comportamiento de la sala. Se va a ir desarmando la sala por etapas. Se van a retapizar las butacas con las telas seleccionadas, y hasta que la medición de las butacas con las nuevas telas no den los mismos valores que teníamos antes, el retapizado no se aprueba.

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Filman la vida de Miles Davis

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Gracias al éxito de las biografías fílmicas de Ray Charles y Johnny Cash, una demorada película sobre la compleja vida de Miles Davis está en camino.

UN GENIO CON UNA VIDA DIFICIL Según los productores, el filme mostrará todas las facetas del famoso trompetista de jazz.

Quince años después de su muerte, Miles Davis disfruta de una gira de reaparición. Una nueva campaña de marketing, que capitaliza el que hubiese sido su cumpleaños número 80, califica a Davis —trompetista, líder de banda y leyenda del jazz— de “arquetipo de lo cool”. Su música se está reeditando con un nuevo packaging. Y, como corresponde a un gigante de la música, la historia de su vida —que ha eludido a Hollywood durante largos años— finalmente parece estar marchando hacia la gran pantalla.

Luego de Ray y de Johnny & June, biografías musicales que obtuvieron buenos resultados comerciales y en las entregas de premios, los realizadores forman fila para retratar a Marvin Gaye, Janis Joplin y Bob Dylan. Ahora, con un par de proyectos que posiblemente compitan entre sí, le ha tocado el turno a Miles Davis.

El poeta y escritor Quincy Troupe, colaborador, amigo y protegido de Davis, adaptó como guión sus memorias de 2000, Miles and Me. “Habla de una amistad a la que fue difícil llegar entre dos hombres negros, ambos artistas”, explica Troupe. “A través de esa amistad, la película muestra la vida de Miles.”

El productor Rudy Langlais dijo que la financiación independiente para Miles and Me estará a cargo de Patriot Pictures y Beacon Pictures, y que ya hubo conversaciones con actores y directores.

“Estaremos en marcha el año que viene”, anticipa Langlais, cuyos trabajos anteriores comprenden El huracán, sobre el controvertido caso penal en que estuvo envuelto el boxeador Hurricane Carter, y películas para TV.

“Quincy pudo ver más allá de la cara exterior de Miles —explica Langlais—. Verán una película que aborda la vida interior de Miles Davis. Apuntamos a las verdades de Miles: sus temores, sus terrores, sus demonios.”

Entretanto, una biografía cinematográfica “autorizada” está siendo desarrollada por los herederos de Davis, entre ellos, algunos de sus hijos (pero no todos), un sobrino músico y un cuñado. Se ha mencionado a Don Cheadle como posible estrella, aunque un representante del actor se negó a hacer comentarios. Este proyecto —del cual Troupe, que colaboró con Davis en su autobiografía de 1989, antes fue consultor— ha visto ir y venir varios productores y guionistas.

Davis resultó un tema difícil, en parte porque su carrera abarcó casi medio siglo y estilos musicales diversos, y estuvo poblada por una serie algo incongruente de grandes figuras de la música. La lista de los más importantes incluye a Charlie Parker, John Coltrane, Cannonball Adderley, Bill Evans, Sonny Rollins, Thelonious Monk, Gil Evans, Quincy Jones y Herbie Hancock, además de Jimi Hendrix y Prince.

La escena del jazz también ha sido problemática para los cineastas, cuyas incursiones a menudo han errado el foco. Algunos sondearon el lado oscuro de las adicciones (como Clint Eastwood con Bird o Bertrand Tavernier con Round Midnight). Otros se extendieron en mostrar el medio (como Spike Lee con Más y mejores blues), a veces a expensas de la línea argumental.

Pero el factor más complicado bien podría ser el mismo Davis. El Príncipe de la Oscuridad, como se lo llamó, despotricaba tanto sobre la raza y los prejuicios que algunas amistades pensaban que era él el que tenía prejuicios raciales (aunque, como señaló Troupe, Davis nunca se opuso a trabajar con músicos blancos, y tuvo relaciones sentimentales con varias mujeres blancas.) A menudo, tocaba de espaldas al público, y regañaba a los admiradores que se atrevían a acercarse.

Famoso por su afición a los autos de moda y las mujeres atractivas, Davis tuvo una vida privada errática en la que no faltaron la adicción a la heroína,a la cocaína, el proxenetismo y el maltrato a su esposa. “Tuve que salir corriendo para que no me matara más de una vez”, recordó su ex esposa Frances Davis en una entrevista telefónica. Ahora dice que toda descripción cinematográfica debe ser fiel tanto a su arte como a su agresividad.

Dos años después, Troupe publicó su propio libro sobre Davis, y los derechos fueron adquiridos por Langlais. Tanto para el productor como para el escritor, el proyecto constituye la etapa final de un viaje que comenzó hace más de dos décadas, cuando Langlais, entonces editor ejecutivo de la revista Spin, le encomendó a Troupe entrevistar a Davis.

Troupe fue a la casa de Davis, “con mi grabadorcito en la mano”. “¿Cómo hacés para peinarte así?” le preguntó Davis y comenzó a jugar con una de las trencitas rasta de Troupe. “Le dije que había ido a hacer una entrevista, no a que invadieran mi espacio personal. Y Miles quedó estupefacto”, recordó Troupe.

“Estuve con él diez horas. Volví al día siguiente y estuve otras diez horas. Le dije a mi mujer ‘Algo está pasando.’” Troupe finalmente entregó un artículo de 45 páginas, que Spin publicó en dos largas entregas. Al año siguiente, Troupe recibió una llamada de un representante de Simon & Schuster: Miles Davis quería que trabajara con él en su autobiografía, con lo que comenzó una relación que perduraría hasta la muerte de Davis en 1991, a los 65 años.

Para Troupe, la imagen agresiva que a menudo se asociaba a Davis ocultaba un alma gentil. “Miles no era el monstruo que pintan todos —explica—. Era un tipo muy tímido que se inventaba un personaje hostil para que la gente no se le acercara. Miles no quería sonreír. No quería ser Louis Armstrong. Y en cuanto a si era racista, la última mujer con que estuvo era judía.”

Esa mujer era Jo Gelbard, una artista que enseñó a Davis a pintar. Más tarde colaboraron y se convirtieron en amantes. Davis estaba en sus brazos cuando murió. Posteriormente, sus herederos trataron de quitarle el control de las pinturas que ella y Davis habían hecho juntos. Después de siete años de juicio, ella logró conservarlas. La relación de Gelbard con Davis es el tema de un libro que ella ahora vende online.

Temerosa del enfoque de Hollywood, Gelbard dice: “Si no encuentran alguna luz en su vida, será sólo otra película sobre un adicto negro y las noches de Harlem. Sí, era complejo. Y no niego la violencia”. Pero, agrega, “debería haber algo de indulgencia y de reconocimiento al ser humano. Es hora de decir que fue un genio y de agradecerle su música.”

Varios proyectos frustrados de llevarlo al cine

El primer intento de hacer una película sobre Miles Davis, con Wesley Snipes en el rol protagónico, estuvo a cargo del ex director de CBS Records Walter Yetnikoff, que tuvo un papel clave en impulsar a Davis a grabar su inolvidable álbum Bitches Brew. Yetnikoff adquirió los derechos de la vida y la música de Davis, como también su autobiografía. “Pero no sabía cómo hacer una película” revela Yetnikoff. Cuando se extinguieron sus derechos, el productor Marvin Worth (Lenny, Malcolm X) llevó el proyecto a Columbia Pictures. Pero este quedó interrumpido con la muerte de Worth en 1998.

Información

Entre los proyectos biográficos de famosas figuras de la música sin duda el más peculiar es el centrado en Bob Dylan. El filme, que dirige Todd Haynes (“Lejos del paraíso”), se llama “I’m Not There” y tiene a seis actores interpretando a Bob, entre ellos Christian Bale, Heath Ledger, Richard Gere y… Cate Blanchett.

 

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“En el Colón vivía a laxantes” por Hernán Firpo

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en diciembre 3, 2006

Recuerda con ira su pasado de bailarina clásica. Y siente como una victoria personal el haber triunfado en el tango. Cuánto cobra por clase. Su vida, después del efecto Playboy.

Perdonen, pero hoy no puede decirse nada de la mujer que se desnudó en una revista porque, para la charla, Mora Godoy es una persona cabal que está detrás de una mesa, la cola contra el sillón, la espalda disciplinada como una viga, y unos jeans ni apretados ni sueltos, así que la parte que habría que dedicarle a sus piernas “esculpidas” bla-bla-bla o a la “diva lánguida y sensual” (¡uff!) quedará para otra ocasión. Esto es periodismo verdad y ahora la cosa evoluciona en torno a las facultades curativas del tango que, según parece, previene enfermedades cardíacas y disminuye la presión arterial. ¿Entonces? Entonces decimos que las academias deben tener alumnos que suscriben a dietas macrobióticas o que buscan disminuir su exceso de lípidos bailando con el CD de alguna orquesta típica.

Y ya habrás escuchado decir: “Pasé de cien abdominales, a pilates y ahora quiero probar con una técnica reductora llamada tango”.

Algo hay (se ríe con una boca grande y libre de emplomaduras). Mucha gente lo toma como un complemento deportivo y cultural. El tango es un buen ejercicio y también un lugar de encuentro. Te diría que se convirtió en un buen punto de encuentro para solos y solas. Acá (a su estudio) viene mucha gente que se pone de novios y deja…

Y desde que Robert Duvall puso de moda el tango en la Argentina, ¿sentís que tenés más trabajo?

Vos lo decís en broma, pero desde ya que fue importantísimo lo de Robert Duvall. Los argentinos somos de necesitar la aprobación de “afuera”. Es muy bueno que él esté en la primera fila de los Mundiales de Tango.

¿Los Mundiales de Tango no son medio truchos? Siempre se hacen acá, siempre ganan argentinos…

(Mora tiene un segunda risa más acuartelada y pudorosa) Este año ganaron colombianos… pero bueno, el Mundial no es ¡guau…! Hay mucho para mejorar. Me parece que deberían ordenar a los competidores por categorías y ver qué se evalúa: ¿la acrobacia?, ¿la técnica?

¿El tango electrónico es una consecuencia de ese boom, o es un invento para distribuir las pastillas de éxtasis que sobran de Creamfields?

Puede ser cualquiera de las dos variantes, pero aporta. Fijate que vas a un lugar fashion y te ponen tango electrónico. Los pibes escuchan eso.

Pasaste de la elite del Colón a ser considerada en un género popular. ¿Frustración o revancha?

El Colón me dio lo que soy en el tango. Me dicen: “Se nota que eras bailarina clásica”. Pero sí, fue una revancha. Ahora que veo el Colón cerrado y sin que sepan adónde van a hacer las obras del año que viene, mientras que yo hago 350 funciones al año…¿sabés qué? (alza los brazos como Rocky)… Victoria.

El consejo de Mora: curtirse en el Colón y terminar siendo bailarina de milonga.

Cuando yo empecé, no era una oportunidad. Era así: “Ay, nena, te fue mal en el Colón y te metiste en el tango…”.

Decílo fuerte: “Odio el Colón”

Sí, qué sé yo… Era medio peligroso el sistema. Yo tenía que tomar laxantes cada dos por tres, me pesaban todos los meses, como a las modelos. Egresé con 44 kilos.

¿Fuiste anoréxica o bulímica?

Tomaba laxantes todos los días, me cuidaba al extremo en las comidas, pero no llegué a eso.

Leí por ahí que te separaste de Diego Romay. ¿Esto fue antes o después de las fotos en Playboy?

Antes.

Y ahora que sos una ex, ¿podemos hablar mal de Don Alejandro Romay?

¡¿Mal?! Alejandro fue y es mi admirador número uno. Creo que porque llevé la carrera desde muy abajo. Ahí le entré en el corazón. Me quedó de él un recuerdo hermoso.

Bailarina, coreógrafa, dueña de una academia, compañía propia… Explicame, ¿para qué necesitaste desnudarte?

Necesitar, no necesitaba nada… Me gustó la idea. Yo no me dedico a hacer desnudos, fue algo puntual que no repetiría. Ya está, lo disfruté.

¿Fue el día en que le pusiste precio a tu cuerpo?

¡No! Yo no necesitaba la plata. Nunca acepté trabajos por una motivación económica.

¿Tuviste más notas por el desnudo o por el show de tango que diste para los Rolling Stones?

Por el desnudo.

“Ser”, según un pensador francés, “es ser visto en los medios”. ¿Qué opinás?

Yo tengo bajo perfil. Hago muchas notas, aunque nunca un conventillo. Yo voy al supermercadito chico, salgo, camino. Me encanta.

¿Cuánto cuesta tomar una clase de tango con vos?

La clase particular conmigo cuesta cien dólares y dura una hora.

¿Cobrás en dólares? No me quiero imaginar lo que le facturaste a los Stones.

Pero yo no les di clases, les hice un show.

¿Cuánto?

Eso no se dice. Pero ellos no se quejaron como vos.-

No se puede mostrar la imagen “http://www.clarin.com/diario/2006/12/03/thumb/e024lh04.jpg” porque contiene errores.

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