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entrevista a dan karlan, allan lazar y jeremy salter, que seleccionaron a los lideres de opinion de la ficcion

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 10, 2006

Los 101 personajes más influyentes que nunca existieron

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El cowboy de Marlboro, Santa Claus, Gran Hermano y Rey Arturo encabezan el listado de los 101 hombres y mujeres que cambiaron la vida de los públicos según un best seller recién editado en Estados Unidos. En la Argentina, según un sondeo de Página/12, Mafalda, Manuelita y Patoruzú fueron los más citados como imágenes de un nuevo canon de la cultura popular.

¿El cowboy de Marlboro, amo y señor de la cultura occidental? Así lo decidió un ranking que, por estos días, es best seller en los Estados Unidos: se trata del libro Los 101 personajes más influyentes que nunca existieron, escrito por los periodistas Dan Karlan, Allan Lazar y Jeremy Salter que –entrevistados por Página/12– atribuirán a sus criaturas de ficción la condición de “compendio de la gente que mueve al mundo”. La novedad no es el ranking como género ya que hace rato que los estadounidenses se fascinan con los listados por orden jerárquico para elegir desde los próceres de la alta cultura (en los manuales de Harold Bloom sobre clásicos que hay que leer) a las 101 separaciones más escandalosas de la farándula en el canal E! Entertainment. Lo nuevo es el estatuto atribuido a la ficción: para los autores, estos seres cambiaron nuestras vidas, moldearon a su antojo la cultura occidental, marcaron tendencia e incidieron sobre hábitos de consumo, modos de vestirse y formas de amar. La paradoja es que no existieron nunca.

“Son creadores de tendencias que abonaron a nuestra cultura y a nuestras vidas, personajes influyentes pero que nunca vivieron: iconos amados, odiados, admirados que ayudaron a construir la civilización occidental”, definen los autores. Fueron elegidos según un método de consulta masiva a ciudadanos comunes y líderes de opinión de los Estados Unidos: llegan con el vicio que suele asociarse a la mirada situada demasiado en el centro. Aparecen desde el legendario nacionalista teutón Sigfrido (puesto 7, por “inspirador de dos guerras mundiales”) hasta Barbie (puesto 43), como standard para un estilo de belleza que se hizo dominante para las últimas tres generaciones de mujeres. “De Santa Claus a Buffy, la cazavampiros”, reza el discurso promocional, para que no queden dudas de que la cultura popular es una gran bolsa de gatos, allí donde conviven el mito y la protagonista de una serie masiva, y donde lo que une a todos es la condición de blanco para el cool hunter (cazador de tendencias, aquí más veterano de lo que se estila, ver foto). “Empezamos –señala Dan Karlan– seleccionando a aquellos personajes de ficción que fueron importantes para nosotros mismos.”

–¿Cómo determinaron el rango de la influencia?

D.K.: –Se necesitaba que provocaran un cambio contundente en la sociedad. Llegamos a tener una lista de más de 500; votamos sobre ese listado una y otra vez durante meses y fuimos separando lentamente a los personajes más importantes. Luego nos dimos cuenta de que algunos muy populares como Darth Vader no eran influyentes ya que su enseñanza como Lord nunca tuvo el éxito social esperado. Otros que, a primera vista, creíamos sólo populares, como Barbie, resultaron altamente influyentes ya que se consolidaron como modelo para millones de niñas y adolescentes.

–¿Cuál fue el criterio para seleccionar a las criaturas?

A.L.: –El ranking se hizo en base a tres métodos diferentes, todos subjetivos: elegimos a los que tienen una importancia contundente en la participación en conflictos bélicos o con personalidades que no podemos ignorar como Tío Tom y Sigfrido, o también Scrooge (cuyo autor es Charles Dickens) y Don Juan. Un segundo grupo corresponde a no humanos y fueron elegidos de acuerdo a consultas masivas, como King Kong y el Monstruo del Lago Ness, que nos recuerdan el inmenso poder de la naturaleza. Frankenstein y Godzilla, de un tercer sector, nos demuestran lo que puede pasar si llegamos demasiado lejos interviniendo sobre ella.

Hay una notoria incorrección en los resultados del trabajo de Karlan/ Lazar/ Salter: tomar al Marlboro man como paradigma del hombre más influyente del siglo XX implica desentenderse de la guerra antitabáquica que multiplica juicios por año en contra de las tabacaleras en los Estados Unidos y que, en la Argentina, logró la prohibición de fumar en bares y el cese de la publicidad en gráfica, radio y TV. ¿En qué términos es el más influyente que nunca existió aquel que –con la restricción publicitaria vigente– se invisibiliza hasta ser un desconocido entre las nuevas generaciones? En la contradicción –argumentan los electores– está su potencia. “Marlboro man encarna la fuerza más poderosa del poder publicitario en el planeta –dice Allan Lazar–. Viene del mundo de los avisos comerciales, tan importante en la Modernidad, y representa cualidades que admiramos: osadía e independencia. De todos los cowboys es uno de los más familiares y, además, promueve un hábito adictivo, el de fumar, que capturó a sus usuarios por muchas décadas. Por lo tanto es un personaje ambiguo: el gobierno y los médicos le atribuyen al cigarrillo miles de muertes, y Marlboro man nos perturba por ser el dueño de ese mensaje y, a la vez, nos despierta admiración.”

Si la selección local focaliza en nombres propios que provienen fundamentalmente de la historieta y los cuentos infantiles (ver aparte), el original se nutre de la épica y los relatos clásicos. Dice Allan Lazar que su favorito dentro del catálogo general es Helena de Troya “porque los antiguos griegos –explica– iniciaron una guerra de diez años para traerla de vuelta, poniendo en jaque al imperio troyano y además es la mujer más bella de la historia, aun en los días previos a la cirugía estética”. Jeremy Salter sintetiza su modelo en la figura de Luke Skywalker. “Porque me enseñó cómo abrir puertas con las palmas de mis manos –asume–. Y también elijo a Robinson Crusoe, que no sólo anticipó programas como La isla de Gilligan y Survivor sino que extendió la idea del buen salvaje que revolucionó a la sociedad europea y abrió caminos a la revolución americana.”

En cambio Dan Karlan fue influido especialmente por los personajes de Jack London. ¿Las razones? “Me demostró con El llamado de la selva que los animales podían tener sentimientos, lo cual me afectó profundamente.” Tras la lectura del listado completo de Los 101 sorprende el lugar relegado que ocupa Barbie, mucho más abajo en rango de influencia que Buffy la cazavampiros, Cenicienta o Lady Chatterley. ¿Acaso la influencia no se mide más en el influjo sobre hábitos de consumo (¡Barbie lo hizo!) que en la popularidad de un record de rating o cantidad de libros vendidos?

–¿A qué se debe la obsesión compulsiva de los estadounidenses por el consumo de rankings?

A.L.: –Estados Unidos sólo recientemente accedió a ser una sociedad multicultural, y mientras empezamos a asumir los cambios en el seno de nuestra cultura necesitamos comprobar mediante rankings que una parte importante de nuestra herencia personal mantiene valor y vigencia.

–¿Alguna idea de los más influyentes en Latinoamérica?

D.K.: –Don Quijote y Don Juan deben tener un merecido lugar en el tope de la lista. También el Zorro, el Coronel Buendía, y las chicas Venus y Pepa de Mujeres al borde de un ataque de nervios.

Dentro de la mayoría de hombres, se intuye que lo monstruoso se asocia inmediatamente a la influencia directa: tal vez estén pensando en la capacidad de asustar, o en la cualidad de inspirar modelos de vida alternativos. Lo cierto es que allí están, en todas las etapas del ranking: Frankenstein (puesto 6), Mr Hyde (puesto 10), Drácula (puesto 33), Godzilla (puesto 38), demostrando el impacto que produce la bestia sobre la masa (esa decisión mayoritaria indiferenciada, votos sin voz). Como compensación calculada, quizás, en el ranking del trío estadounidense a cada deforme le corresponde un inocente, como en un yin/yang de posibilidades que no dejan afuera a ninguno, o como resultado de un trabajoso estudio de marketing que privilegió los efectos sobre la representatividad.

Así es como figuran, intentando un equilibrio que no extreme a los freaks por encima de las dulces fantasías animadas: Santa Claus (puesto 4), Mickey (puesto 18), Cenicienta (puesto 26) y Alicia en el País de las Maravillas (puesto 34). Reafirmarían la tesis de que la verdadera influencia actúa sobre la infancia moldeando una personalidad o dejando abierta la puerta a la pregunta: ¿Cuáles son los verdaderos monstruos en la lista? Así como abundan los angloparlantes, también es notoria la falta de presencia latina (basta observar el carácter claramente hispánico de los nombres que los autores asocian a la Argentina y países vecinos). A la repregunta sobre algún nombre rioplatense, le sigue como extraña mención de Dan Karlan un restaurante de Puerto Madero donde se comería buena carne y un lugar tradicional para bailar el tango…

–¿Y por qué en la lista hay muchos más hombres que mujeres?

D.K.: –Nuestra sociedad y nuestra literatura focalizaron más en los hombres que en las mujeres: a excepción de un puñado de obras de Federico García Lorca, Aristófanes y Sófocles, existió una inequidad de roles que ha traído problemas a las actrices y a las compañías de los últimos 400 años. Pero las mujeres van ganando el lugar que les corresponde de la mano de personajes emblemáticos como Buffy, Ally Mc Beal, Xena, Nora Helmer, entre otras chicas.

–¿Y Barbie? ¿Por qué creen que ocupa el lugar 43 en el ranking?

D.K.: –Barbie ranquea recién después de los máximos exponentes de la política y la ciencia: ella está llena de posibilidades y es, a la vez, el blanco en el cual una chica puede proyectar lo que valora en una amiga. Cenicienta y Lady Chatterley son personajes muy desarrollados, con máxima influencia. Los personajes más influyentes son los más complejos, que a menudo nos indican qué hacer con problemas específicos o, mejor, lo que deberíamos haber hecho.

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ENTREVISTA A OMAR MORENO PALACIOS

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 10, 2006

“Nunca tuve dudas de mi vocación”


El guitarrero cumple 50 años con la música. Lo festejará mañana con una lujosa lista de invitados.

DE CHASCOMUS. Amante de la milonga surera y la guitarra, también fue un hombre de radio. Llegó a trabajar con Zitarrosa como locutor.

Lo primero que llama la atención de Omar Moreno Palacios son sus alpargatas: negras y bordadas con filos hilos rojo y verde. Lleva también una boina. El hombre nació en Chascomús, dice que siempre se quiso parecer a un gaucho y usa frases como “nervioso como chancho que vio un chorizo” o “liviano como caldo de tero”.

“Desde chico supe que quería vivir del canto, de la guitarra y de los caballos. Y así lo hice”, dice Moreno Palacios, que está preparando un recital para festejar los 50 años con la música. El debut fue el 10 de noviembre de 1946 en el Teatro Manuel Cobo de la localidad de Ledesma, provincia de Buenos Aires. Actuó como alumno de Mario Pardo, gran guitarrista, cantor y amigo de Carlos Gardel.

En estos años grabó una veintena de discos, cantó y mostró sus dotes de cuentista en las radios Carve, El espectador, Nacional, Belgrano y El Mundo, hizo televisión y sus obras fueron grabadas por intérpretes como Suna Rocha, Las Voces Blancas, Los Chalchaleros, Opus Cuatro y Hugo Díaz, entre otros.

“Me resulta increíble que pasaron 50 años desde mi debut. Lo recuerdo como si fuese ayer. En ese momento, tenía ocho años y toqué Nostalgias tucumanas, de Yupanqui. En aquellos años Antonio Tormo era el gran referente, el cantor de las cosas nuestras. Pese a mi corta edad, nunca tuve dudas sobre mi vocación”, cuenta el hombre que viene de familia de gauchos y guitarreros.

Con siete hermanos y padre lustrador de muebles y aficionado a la música, Moreno Palacios compuso su primera canción antes de los 10 años. “Estaba dedicaba a una yegua. Desde ese entonces, no dejé de componer. Siempre digo que cuento y canto historias de personajes o de situaciones”, analiza el músico que se crió escuchando cifras, milongas, valses y polcas.

Cuando le preguntan qué folcloristas actuales le gustan, Moreno Palacios contesta con una pregunta ácida. “¿Se hace folclore ahora? Salvo algunas excepciones —como Raúl Carnota, Teresa Parodi y el joven Juan Quintero—, el resto es livianito, como caldo de tero. Son propuestas que pueden llenar estadios, pero no dejan nada. Hay gente de mucho valor, pero no se le da lugar. Los directivos de los sellos deben darse cuenta de que lo bueno también vende”.

Además del canto y de su trabajo como criador de caballos criollos, Moreno Palacios tiene una larga trayectoria en radio, como conductor y “cantante de la fonoplatea”, como él dice. A fines de los 50, tuvo un ciclo en la radio uruguaya El Espectador; ese programa tenía un locutor joven y de voz grave, que todavía no se había dedicado al canto: Alfredo Zitarrosa. “Conocí sus años de locutor; era un hombre muy alto, de buena presencia. Después le perdí el rastro”.

Actualmente, conduce el programa La Posta de Omar Moreno Palacios (viernes, de 21 a 22, por Radio Nacional), en el que “se combinan saberes históricos, conocimientos vividos sobre la esencia paisana y sutiles toques de humor”.

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Entrevista a Laura Fidalgo: “Siempre me banqué sola”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 10, 2006

Laura Fidalgo pegó el gran salto en su carrera: brilla en ‘Bailando por un sueño’ y se acercó a la popularidad. Sus peleas con Florencia de la V y Sofovich. Por qué eligió el camino más difícil

 

-Es el mejor año de tu vida?
Sí, definitivamente. Fue un gran acierto haber aceptado la oferta de Tinelli.

Digámoslo de entrada: Laura Fidalgo es frontal. Si por ser así, despierta amores y odios por igual, poco le preocupará a la morocha que pasa por un gran momento. No puede evitar ser tan directa. Libriana con ascendencia en acuario, dirá a modo de escueta explicación. Pero suelta frases y palabras a borbotones y a gran velocidad, tal como le salen. Y ahí uno entiende mejor. Laura tiene razón. La elección de participar en las tres ediciones de ‘Bailando por un sueño’ fue casi una estrategia. Pasó de bailarina y vedette con poco rating a ser una de las figuras claves del show más trascendente del año, casi como por banda ancha. Juzgó, peleó, bailó, brilló. Si es por dotes, debería ganar el certamen. Pero, usted entenderá, más que boba, la tele es una caja de sorpresas.

-El saltar del jurado a la pista, ¿fue un alivio para vos?
Un gran alivio. Cuando los veía bailar me tentaba estar del otro lado, porque era más fácil que estar hablando y pensando en el numerito. Me hubiera gustado primero bailar y después ser jurado. Aunque está bien que haya sido así porque soy bastante estructurada y disciplinada en la vida. No puede ser siempre todo tan ordenado. Es lo que me hacía falta. Me la jugué, ahora la popu me conoce…

-¿Eso era lo que buscabas?
Mirá, soy una mina re de barrio. No tengo esa cosa de elite por haberme formado en la danza. Tuve la posibilidad de trabajar en Europa y con esa plata hacerle la casa a mis viejos. Siempre viví en Flores y no me como ninguna, nada me marea. Por eso, este año fue muy fructífero por la popularidad que adquirí por estar en televisión. Venía del palo del teatro, donde el público es reducido…

-O sea que esperabas que el gran público llegara a tu vida.
Yo me propuse llevar la danza a este medio popular, hay que empezar a mostrar calidad en la tele. Y esto me lo dio ‘Bailando por un sueño’. Me lo gané.

-¿Marcelo Tinelli te convocó personalmente?
No, los productores ‘Chato’ Prada y Federico Hoppe. Primero dudé, porque prefería que me vieran bailar. Pero después dije qué bueno que confíen en mi criterio. Ser jurado es heavy, tenés que hablar con propiedad y responsabilidad. No estaba segura de mí, no me interesaba estar por estar.

-Y ahora que sos juzgada, ¿te cuesta aceptar las críticas?
No. Bueno sí, me cuesta. Pero no quiero más polémicas. Acepto que me digan que no les gusta como bailo, pero no la agresión, la ira, que me hieran. No tienen por qué hacerlo. No soporto la falta de respeto. Cuando vienen los comentarios sobradores, sí se me desfigura la cara porque me duele. Lo veo en el resultado, en el puntaje que me ponen.

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ENTREVISTA A HORACIO ROCA Y MARÍA ONETTO

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 10, 2006

Para Leticia y el cura de “Montecristo”, el sexo entre maduros casi no existe en la TV

Tras el primer encuentro íntimo entre sus personajes, esta semana, en la ficción de Montecristo, los actores evalúan el porqué de los espacios dados a los “maduros” en las tiras de televisión. Hablan acerca del mundo impuesto a una sociedad que privilegia la juventud y la belleza por sobre todas las cosas. Cómo se viven el sexo, el amor y las relaciones de pareja décadas después de dejar atrás el ímpetu propio de la adolescencia. Experiencias personales.

COMPAÑEROS. La escena de sexo entre Pedro y Leticia fue para los dos la primera que les tocó interpretar en televisón. Muy realista.

COMPAÑEROS. La escena de sexo entre Pedro y Leticia fue para los dos la primera que les tocó interpretar en televisón. Muy realista.

A cara lavada y con el pelo suelto, María Onetto aparenta sus 40 y no los 50 y pico que –ella estima– tiene Leticia, su personaje en Montecristo. Vestido como el ex padre Pedro, a Horacio Roca es algo más difícil separarlo del papel. Deciden compartir el almuerzo, rápido, antes de empezar las grabaciones: una medialuna con jamón y queso, tamaño industrial.

De movida, el tema inquieta: “¿Así que fue novedoso ver una escena de sexo entre maduros?”, se sorprende Horacio. “Pasa que yo me olvido que soy grande”, remata, muy cómodo a sus 51. “¿Qué posición del Kama Sutra querés que hagamos?”, le pregunta, irónica, María al fotógrafo. Horacio se ríe y –jugando– la toma de la mano. Pero desiste ante la advertencia: “Vas a tener problemas con tu señora”. Ya caracterizados, se sueltan y se da un fuerte contraste con el tono tímido que tuvo su primer encuentro íntimo en la ficción, emitido el lunes pasado.

ONETTO: Lo había charlado con el director, y él también lo calificó como una escena adulta. La estética no pasó por un único signo, que sería la belleza de los cuerpos, o el erotismo, en relación con lo que visualmente pueda suceder con caras o piernas, sino por lo genuino de dos personas que están enamoradas y se animan a dar un paso que para ellos es muy importante. No era una escena cualquiera, sobre todo para el personaje de Horacio. Era iniciar una vida diferente. Para mi personaje también, algo que nunca le había sucedido hasta ahora.

—Evidentemente, la gente mayor de 50 tiene sexo. ¿Por qué creen que la televisión no lo estaba reflejando?
ROCA: Creo que debe tener que ver con algo más amplio. Una sociedad en la que un tipo de 40 o 45 es considerado viejo para el mercado de trabajo seguramente va a reproducir en otros lados ese criterio. Como en la ficción, fijate –aún más allá de nuestra edad– que no hay un programa en la tele donde el conflicto pase centralmente por gente de 60. Quizá desde el punto de vista del marketing es considerado que no gusta, no vende. Pero ¿cuántos años hace que en la tele no hay programas donde las historias pasen por jubilados? Como si no existieran. Hay directamente una franja de 20 o 30 años que desaparece del centro de la ficción. Eso habla de algo que está en la sociedad. 

O: Cuando pensaba la escena desde Leticia, sentía que es interesante que la tele sirva para algo más que contar una historia, que es también muy valioso. Esto que señala Horacio: fuera de las particularidades de los personajes, está la posibilidad de mostrar que existen personas que son más grandes, que tienen dificultades, que no son los reyes delsex appeal. Y sin embargo…

—¿Eso la distinguió de otras escenas de sexo que hayan interpretado antes en sus carreras?
R: Es que alguna vez había hecho otra, pero no de este tipo. En teatro, para una comedia, pero era como un juego, tapado bajo unas sábanas. No la recuerdo como una escena difícil ni comprometida en ese sentido. Casi diría que el debut de Pedro fue también mi primera vez.

Elogio de la madurez
“Quizás a los 20 uno es un poco indiscriminado –evalúa Roca–. Después te ponés más exigente, no sólo a nivel sexual. Pero me parece que no hay ninguna otra diferencia.” Onetto completa: “Yo creo que es un poco mejor. Una ha pasado más tiempo habitando su cuerpo y no está la presión hormonal que lleva a que no importe si estás con una mesa o una persona. Cuando se es más grande, está más sustentado en el vínculo, en lo que pasa con el otro”.

Padre a los 42, separado y nuevamente en pareja, él dice “haber ejercido largamente la soltería”. María sigue en ejercicio: “Vivo bien sola, me gusta. A veces pienso que si me enamoro tendría que encontrar una manera de mantener algunos aspectos de mi rutina actual que me parecen valiosos. Y cuidar que el vínculo no se intoxique con temas como pagar la cuenta de luz”.

Roca, en fin, se ilusiona: “La juventud no es necesariamente una etapa paradisíaca, no la extraño. Sí me gustaría que la película transcurriera de una manera un poco más lenta. Pero no por volver atrás, sino porque durara más. En el momento en el que estemos”.

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Entrevista a Alejandro Lerner

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 9, 2006

“Siempre trato de ayudar”

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Alejandro dialogó con dario cuyo , antes de su presentación en la provincia; la primera a nivel país luego de cinco conciertos en Chile.Cuando lleva más de 24 años generando música; Alejandro Lerner llega a San Juan para presentar su último disco “Canciones para Gente Niña” a las 22 en el Teatro Sarmiento; función para la que ayer ya se agotaron las localidades.

De regreso a los compromisos laborales, luego de un breve recreo en las playas de Cariló junto a su novia -con la que está en pareja desde hace casi dos años-, Alejandro dialogó con dierio cuyo , antes de su presentación en la provincia; la primera a nivel país luego de cinco conciertos en Chile.

“Estoy en medio de la ruta, voy manejando…”, dice mientras soporta que algún transeúnte, que descubrió su rostro detrás de la ventanilla de su auto, quiera “manguear” algún compacto. “La gente cree que llevo mis discos encima y manguea. A veces tengo, pero a veces no”, comenta vía celular, entre risas y evidentemente acostumbrado a ese tipo de situaciones.

Si bien, esta es su 18va. producción; para Lerner no es una placa más, sino un sueño hecho realidad para el que hizo las veces de compositor, cantante y tecladista, y produjo de manera independiente. “Canciones para…” fue inspirado en bocetos que elaboró en su juventud; y forma parte del programa Petrobras Energía para los Chicos, por el cual todo lo que se recaude con las ventas se donará a la Fundación del Hospital Garraham de Buenos Aires; siguiendo con la labor solidaria que cumple desde hace tiempo. Mientras anhela ganar el premio Grammy Latino que obtuvo hace unos días su colega Cachorro López a Mejor Productor, tras estar nominado en varias oportunidades.

- ¿Cómo surge la idea de hacer este material?

- Hacía mucho tiempo que tenía un cassette con las canciones de este disco que responde a un concepto; algunas con más de 15 o 20 años, otras un poco más recientes. Pero no las sacaba porque son una mezcla de historias y estilos que solo tienen sentido si van juntos.

- Y tiene una finalidad solidaria muy importante, así como otras que encaraste.

- En mi vida siempre trato de ayudar y de compartir otras realidades que no son solamente mi carrera y sacar discos. Por eso, también soy padrino de fundaciones que tienen que ver con la discapacidad en los niños como DISCAR, una Asociación de padres de chicos con síndrome de Williams y otra de chicos down; y del grupo Volver a Empezar para gente con problemas de adiciones.

- ¿De qué manera te enriquece poder colaborar con otras personas?

- Hay una parte de mi vocación que es espiritual. Doy gracias a Dios por poder juntar los dos mundos que amo: la música y la sensibilidad. Esa sensibilidad te lleva a ser solidario porque cuando tomás conciencia, no te queda otra. Ayudar es un derecho y una responsabilidad de todos los que tenemos algo para dar.

- ¿Tu carrera y tu función social no te dan la necesidad de desaparecer del mapa?

- Yo paso medio año en Los Angeles, ahí la gente no te para por ser famoso, ahí recobro el sentimiento de anonimato.

- ¿Y cuando volvés al país? ¿Qué pasa?

- No vivo con un sentimiento de fama. Tengo una vida familiar grande con mi madre, mi hermana, mis sobrinas y amigos de toda la vida que no son del ambiente; y tengo un espacio donde mantengo a mis afectos lejos del ritmo que te imprime la carrera.

- ¿Entre tus proyectos futuros pensás en formar tu propia familia?

- Creo que sí. Ya hice 18 discos… ahora me toca hacer otra cosa…

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entrevista al novelista horacio vazquez-rial

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 9, 2006

“La dictadura destrozó vidas y rompió destinos”

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El escritor argentino residente en España presenta su novela El camino del norte, ganadora del premio Norma, sobre la historia de un ex militante en busca de un amor de juventud.

El shock de regresar a Buenos Aires, y con el premio de novela Norma debajo del brazo por El camino del norte, lo dejó afónico. Horacio Vázquez-Rial abre la puerta del departamento de la calle Solís, pide disculpas por el desorden y promete hablar lo más alto que pueda, aunque la voz va y viene como si estuviera buscando acomodarse en algún sitio. “Siempre es emocionalmente fuerte volver a la Argentina. En esta casa están los primeros libros que leí en mi vida”, aclara mientras prepara café. “Sé que aquí hablo como español, pero allá nadie tiene la menor duda nunca de que soy argentino.” En una de las paredes hay una foto retrato restaurada, en blanco y negro, de la madre y el padre de uno de sus tatarabuelos, que es de 1860. El teléfono suena y el escritor arregla para cenar con un amigo en el primer piso de un restaurante cercano a la calle Corrientes, que tiene habilitado un sector para fumadores. “Está bien que se respete el derecho de los no fumadores, pero también respeten el mío”, se queja, y enciende el primer cigarrillo rubio. Vázquez-Rial vive entre Madrid y Barcelona desde noviembre de 1974. “Me fui por López Rega; un día me llamó un amigo mío, hijo de un general, y me dijo: ‘Tenés que irte ahora’. Le hice caso y una semana después apareció gente en la casa en la que vivía, que se identificó como coordinación federal –cuenta el escritor en la entrevista con Página/12–. Vine en el ’86 por primera vez, pero fue un viaje tremendo, demoledor, y después caí en una depresión terrible durante casi un año.”

En los años ’70, además de empezar las carreras de Medicina y de Sociología, Vázquez-Rial militaba en el ERP 22 de Agosto. “De mi grupo quedamos sólo dos vivos. Después de la muerte de Santucho, era evidente que no se podía esperar un éxito y que lo que había que hacer era sobrevivir.” En El camino del norte, Kramer es un médico y ex militante de una organización armada que intenta recuperar un amor de juventud, su prima Lucinda, justo en medio del tembladeral de diciembre del 2001. El escritor señala que no todas sus ficciones transcurren en la Argentina, pero algunas de las centrales sí, como Frontera sur o La capital del olvido, una novela negra sobre el tráfico de bebés durante la dictadura. Kramer y Bruno, los protagonistas de El camino del norte, vienen de esta historia. “Mi idea fue contar la vuelta a la vida de Kramer y, por otra parte, aprovechar el escenario de la caída de De la Rúa, esos días en que no hubo gobierno y el dinero no tenía valor”, explica el autor.

El escritor llegó días después de la caída de De la Rúa para hacer unos reportajes que terminaron publicados en el libro El enigma argentino cifrado para españoles. “Pero desgraciadamente me perdí el momento mismo de la caída, que en la novela está contado a partir de lo que me dijeron mi hermano y mi madre. Ellos estaban viendo desde el balcón pasar a la gente y de pronto decidieron bajar y sumarse y llegaron hasta Plaza de Mayo. Esto me hace acordar mucho a la escena final de El siglo de las luces, de Carpentier. Cuando Sofía, el 2 de mayo, en la rebelión de Madrid, frente a los franceses, simplemente se lanza a la calle con la gente, y ahí se termina la historia y no se sabe más qué pasa con ella.” Vázquez–Rial admite que en todas sus novelas hay muy poca participación de la voz narradora. “Cada vez tiendo más a delegar el relato de la historia en los personajes. El resultado me parece mucho más vivo y más intenso, y se lee mejor y con más fluidez.”

–¿Kramer está inspirado en algún militante que usted conoció?

–Sí, fue médico cirujano, un militante de Montoneros que desapareció justo en la transición entre el gobierno de Isabel y la dictadura. Mucha gente creyó que después del ’83 reaparecerían militantes que estaban en la clandestinidad. Me pasó de encontrarme con alguien que me decía que vio a fulanito hace poco y fulanito figuraba en la lista de desaparecidos. No podía haberlo visto nunca. Han quedado cosas en suspenso y creo que ése es el efecto terrible de la figura del desaparecido. Un muerto es un muerto, con nombre y apellido: hacés el duelo y pasás a otra cosa. El desaparecido está envuelto en una bruma y por eso nunca se puede completar el duelo. Para mí la mejor película sobre el tema de la represión es Kamchatka, precisamente porque los milicos no aparecen, pero están ahí, aunque no los vemos. La figura de la amenaza no aparece nunca y creo que fue realmente así como se vivió, porque si alguna vez los veías era porque te mataban, no había vuelta atrás. Es el mejor relato que se hizo hasta ahora; salí destrozado del cine, pero al mismo tiempo feliz de que alguien hubiera podido contar con tanta sabiduría y claridad psicológica cómo operaba el terror.

–¿El camino del norte podría ser entendida como una novela que refleja las secuelas que dejó la dictadura?

–Sí, sin duda, destrozó vidas, rompió familias y destinos. En mi caso, curiosamente, digo siempre que tuve la beca López Rega y otros tuvieron la beca Videla porque, al obligarnos a irnos, terminamos haciendo vida universitaria (soy doctor en Geografía e Historia), que a lo mejor no hubiéramos hecho nunca en la Argentina.

“Lo que buscamos todos es ser queridos –plantea el escritor–. Hay un momento en que uno se baja del caballo de la revolución, de cambiar el mundo, y sólo quiere que lo quieran. La revolución la dejo para mañana, si ahora hay una mina que me quiere.” Vázquez-Rial sostiene que con la edad todos tienden a volverse más conservadores. “Buñuel cuenta en sus memorias que cuando perdió el deseo sexual, empezó a vivir mucho más tranquilo, con mucho menos problemas.”

–¿La palabra revolución también se fue volviendo conservadora con el tiempo?

–Sí, la revolución es aquello que marcó nuestras vidas, pero de la que nos fuimos alejando felizmente, porque es posible que con un progreso más lento se puedan conseguir muchas más cosas que de un día para el otro. La revolución implica instaurar necesariamente una dictadura. ¿Querés tomar el poder? Preparate: hay que matar al zar y a toda su familia, hasta el bebé del zar, y hay que encontrar al compañero que se anime y mate al bebé. Tenés que tener monstruos en tu propio equipo porque va a haber mucha tarea sucia, y vas a tener que ser un dictador y fusilar gente. De esto parece que no nos dimos cuenta. Pensábamos que todo iba a ser un canto a la vida.

–Kramer, mientras hace un racconto de su pasado en los ’70, cuenta que hacía “una serie de cosas irracionales, injustificadas y a veces criminales a las que llamaba militancia”. ¿Coincide con esa definición de la militancia?

–Sí, estoy convencido de eso (se queda pensando varios segundos). Matamos gente, más o menos entre 2000 y 2500, entre ERP y Montoneros. Yo llevaba siempre un revólver pequeño encima porque lo que sabía, lo que tenía claro, porque ya había habido otras experiencias, es que era preferible que te mataran. Lo llevaba no para defenderme, sino para justificar que me mataran, porque la tortura era infinitamente peor. Y convivíamos con eso con naturalidad. Visto desde hoy, todo esto a mí me aterra. ¡Qué pelotudo insigne, jugando con la abstracción pura!

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Mariano Mores: “Creí que a Uno no lo iba a cantar nadie…”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 9, 2006

A los 88, no para. el viernes inicia una serie de conciertos al frente de su orquesta. habla de la trastienda de la composicion de sus tangos mas famosos. y presenta al nuevo integrante del “clan mores”: su sobrino, el cantor ariel mores.

Profusión de objetos, estatua, estatuita, tallas de madera, tallas de marfil, premios, cajitas. El estilo decorativo del living del maestro Mariano Mores es de un barroquismo extremo. Abundancia que se repite en las paredes: no hay espacio libre dónde agregar un cuadro. Uno pegado a otro se agrupan un Castagnino, un Quinquela Martín, un Soldi y varios del genial maestro uruguayo Pedro Figari, con sus negros del candombe.

“Soy un admirador de su pintura desde los años 50 cuando valía poca plata —cuenta Mores—. Hoy vale mucha, tanta que no la puedo pagar. También soy muy amigo de la familia y tengo la suerte de haber conquistado con orgullo el temperamento de ese pintor maravilloso, que para mí es un pintor internacional”.

A los 88 años (en febrero cumplirá 89) el autor de tangazos como Uno, Grisel, Tanguera, Sin palabras asegura que siempre le gustó el arte. “Si no hubiese sido músico quizás la pintura me hubiese gustado”, arriesga para agregar: “Viejo, menos mal que se me dio por la música, se salvaron los pintores”.

Bromista, lúcido, obsesivo, capaz de corregir la pronunciación del apellido de un pintor, y con la energía suficiente como para permanecer durante todo el tiempo en el escenario cada vez que realiza una presentación. Como sucederá a partir del viernes durante las seis funciones (10, 11, 12, 17, 18 y 19) que dará en el teatro Astral.

Allí estará acompañado de su “banda familiar” formada por su hija, la cantante Silvia Mores (mamá de Mariana Fabbiani), su nieto Gabriel (hijo de Nito, fallecido en 1984 a los 39 años) y una flamante incorporación: su sobrino Ariel Mores de 27 años, cantor, hijo de su hermano menor, Osvaldo.

“Me parece que ya está como para poder presentarlo, tiene grandes condiciones”, opina Mariano Mores.

Silvia Mores: Yo, que lo venía escuchando y siguiendo de cerca, le dije a papá: “Quiero que lo pruebes a Ariel porque me parece que está para cantar”. Y además es muy joven y es re buen mozo…

Ariel: (riéndose) Lo decís porque sos mi prima.

Silvia: No, no es por eso. Ariel viene estudiando mucho, porque él lo hizo estudiar, no te creas que es así nomás.

Mariano: Sí, lo hice estudiar y le está yendo bastante bien, claro que es el público quien tiene que decidir si sigue o no cantando.

Ariel: Me probó, y arduos ensayos después, quedé. Fue muy, muy difícil.

¿Y qué le marcaba en los ensayos?

Mariano: Le marcaba lo que un maestro le tiene que decir al alumno si tiene lo que él no siente, para transmitirle ese don.

Ariel: Sobre todo la expresión y la forma de decir el tango, porque yo cantaba mucho bolero y el tango es difícil decirlo. También me enseñó a sentir la música como la siente él.

Exigente y obsesivo hasta le recomendó profesora de música, quien al escucharlo hacer el solfeo le señaló: “¡Pero vos cantás muy bien!”.

Silvia: Mi papá siempre dice que el secreto es el solfeo cantado y habrá que hacerle caso. A él se lo decía su abuelo que era violinista. Yo me enteré el otro día que su abuelo era violinista.

Los resultados podrán verse en el Teatro Astral, “un teatro de muchos éxitos para mí —explica Mores— y para consagrados que ya no están, como Francisco Canaro, Fresedo, Troilo, ese gran artista del bandoneón”.

Hablando de grandes compositores, ¿qué pasaba cada vez que se estrenaba un tango nuevo, cómo eran las expectativas?, ¿se lo mostraban entre colegas?

Mariano: Simplemente puedo decir que había grandes orquestas que hoy ya no están. Y esa difusión era masiva porque todas las orquesta tocaban un tango del compositor que estaba de moda.

¿Y en cuánto tiempo se podía saber si era un éxito?

Mariano: Y, en tres o cuatro meses ya se distinguía un éxito.

¿Alguna vez esperó que un tango nuevo fuera un éxito y no sucedió?

Mariano: No, porque cada tema que hice en mi vida siempre tuvo un porqué, nació por algo. Cuarti to azul

sabemos que nació dedicado a mi primera novia que hoy es la abuela de mis nietos, la bisabuela preciosa y en aquel entonces era un jovencita y con su hermana hizo un dúo, el dúo famoso de las hermanas Mores.¿”Cafetín de Buenos Aires”, por ejemplo, cómo surgió?

Mariano: Surgió a raíz de la primer película que hice como protagonista, Corrientes, calle de ensueño.

Silvia: Es que en esa época lo querían hacer galán. Y él siempre dice que no lo ayudó la voz. No quiso seguir actuando porque tenía una voz muy aflautada.

Mariano: Exacto, la tengo fina todavía, pero en aquel entonces parecía una mujer cuando hablaba y no me gustaba la voz y así fue que…

Silvia: Bueno, pero no nos vayamos del tema.

Mariano: (obediente) Le dije a Discépolo, con quien éramos muy amigos, que si le gustaba la música y quería ponerle letra, yo consideraba que sería un éxito. Y así fue. Me acuerdo que cuando fui a su casa a mostrárselo, él estaba argumentando un episodio de televisión con un gran actor, Arturo de Córdoba. Se lo mostré y en ocho días me hizo la letra. En vez, para el tango Uno demoró tres años. Se lo di en abril del 40 y recién nació en el 43.

Mores recuerda que a los 15 días le preguntó por primera vez qué le parecía la melodía. “Me gusta mucho, vas a ver qué lindo va a ser esto”, le respondió tranquilo Discépolo. Al mes Mores insistió: “¿Y qué te parece la música?, ¿no querés que cambie algo?”. “No, no”.

Mariano: Pasaron tres meses y ya me obligaba a no preguntarle nada. Podía perfectamente ocurrir que no le gustara la música ¿por qué no?

Cumplido un año Mores sigue componiendo con José María Contursi. Y a pesar de que uno de los frutos de esa unión (En esta tarde gris) ya se había puesto de moda, Mores seguía preguntándose qué ocurriría con Discépolo y ese tango al que él le había puesto un nombre provisorio: Tango argentino. Claro que la demora no impedía que siguieran siendo muy amigos.

Mariano: En 1943 me dio el premio de la letra consumada. Me acuerdo que era muy larga y yo digo ¿pero esto quién lo va a cantar? Porque en ese momento se usaban las letras cortas, los refranes casi en los tangos. Yo creía que Uno no lo iba a cantar nadie. Se lo di a Canaro a ver qué le parecía y me dijo “ah, esto es muy bueno, va a ser un gran éxito”. Y fue un éxito consagrado en todas partes. Primero en Argentina, después en México…

Silvia: Discépolo lo terminó para su mujer Tania.

¿Y nunca le dijo por qué tardó tanto?

Mariano: No, ni le pregunté tampoco.

Información

El maestro Mariano Mores se presentará, junto a su orquesta y ballet, el 10, 11, 12, 17, 18 y 19 en el Teatro Astral. Estará acompañado por los cantantes Daniel Cortés, Silvia Mores (su hija) y Gabriel Mores (su nieto), a quienes se suma, su sobrino, el cantante Ariel Mores.

Además se espera un final interactivo con una selección de tangos conocidísimos para que todo el público pueda cantar o bailar si así lo desea. Y el consabido homenaje a su hijo Nito.

En el verano realizará una serie de actuaciones en Mar del Plata.

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“Ahora quiero parar la pelota”, La Sole

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 8, 2006



Con 26 años cumplidos el 12 de octubre, Soledad Pastorutti está preparando su gran despedida:la de su soltería.

-¿Cómo te preparás para tu nueva vida de casada?

-Con Jeremías siempre vivimos muy cerca uno del otro pero nunca convivimos. Yo estoy dispuesta a asumir todo lo que viene con la convivencia. Además uno nunca se imagina lo malo. Eso sí, un punto a discutir es el cigarrillo porque Jere fuma y yo odio el cigarrillo. Pero es ordenado, sabe cocinar, lavar, no es el típico nene de mamá y se lo agradezco a mi suegra. Yo me caso porque lo siento, porque si hacés demasiadas cuentas o análisis, no sé si te animás. En nuestro caso parece todo muy perfecto y ordenadito pero yo sé que eso no es garantía de nada. Sí sé que lo quiero y él me quiere.

-Haber cumplido diez años de carrera a los 25, suena fuerte, ¿no?

-Creo que ha sido un momento de reconocimiento. No es poco lo que hice hasta acá pero no me conformo. Es el momento de ver dónde estoy parada. Cuando yo exploté como boom no me daba cuenta de nada, era muy chica y después me di cuenta de que el verdadero éxito es el que se va desarrollando con los años, el paso a paso. Entender eso me costó algunas lágrimas. Además soy bastante desconfiada. Es más: cuando todo está muy bien, soy de pensar ¡uy, qué pasa!, porque tampoco me gusta dormirme en los laureles. Por suerte, me siguen pasando cosas muy fuertes con el público, sobre todo en el interior, y eso es lo que a mí me sostiene.

-¿Estás pensando en darle un cambio a tu carrera?

-Después del show y del verano trabajando en festivales, tengo ganas de parar un poco la pelota. Y pensar en el exterior que fue algo que tuve relegado por mis compromisos acá. Ahora voy a Chile, Bolivia, los países limítrofes donde la gente responde, hay una conexión fuerte. Pero muchas veces me han invitado de Israel, de Rumania, lugares donde hay mucho interés por lo latino, y tengo ganas de rumbear para ese lado.

-¿Te sentís más segura con tu desempeño profesional?

-Lo que tengo creo que es interesante, pero no es mi techo. Sí me está dejando más conforme lo que hago. Logré asentarme en el escenario. Además, el setenta por ciento de mi repertorio sigue siendo folclore, con matices. Pero también hay otras cosas y la gente la pasa bien. Yo siento que mi lugar para mostrarme no es tanto el disco, sí el vivo. A mí dame un escenario y ahí es donde me siento mejor, no sé que es lo que pasa, siento que me transformo. Será porque me acostumbré de chica, desde los 8 años estoy actuando en escenarios de todo tipo. Para mí es el mejor momento de todos.

-¿En qué cosas creciste?

-Bueno, ahora estoy escribiendo más, humildemente. Me gusta ir probando de a poco. Y también estoy con clases de guitarra y quiero hacer más cosas. Tengo ganas de empezar un disco nuevo pero por el momento tengo que dejar que ruede un poco más éste. Y ver qué viene después.

Soledad está más grande, se nota. Se la ve más suelta, más sexy y segura de sí misma. Pero no deja de ser la chica de Arequito que se compra a todo el mundo cuando sube a cantar a un escenario y despliega lo suyo.

-¿Cómo fue el encuentro con Mercedes Sosa?

-Hermoso. Me invitó a su casa. Yo nunca había hablado con ella. La gente siempre armó entre nosotras como un River-Boca que nunca existió. Y fue muy lindo encuentro, ella es un camino a imitar. Fuimos con mi familia, le llevamos un regalo de un artesano y yo estaba muy nerviosa, imaginate. Nos contó anécdotas, habló muchísimo, comimos empanadas. Me contó que sigue estudiando canto.

-¿Te dio consejos?

-No, yo creo que el mayor consejo es verla a ella.

Aquella nena que revoleaba ponchos y arengaba desde el escenario con naturalidad es la misma que hoy confiesa que “los artistas tenemos muchas inseguridades. Y está bueno encontrar a alguien que también se siente un bicho raro, y compartir esa sensación. En el folclore somos una gran familia”. Y es la misma que nunca se olvida de nombrar a su hermana Natalia. “Siempre me ayuda a organizarme, es genial. Yo la consulto mucho, ella es dos años más chica pero parece más grande por su forma de ser. Tenemos una relación especial, de mucho cariño, sin invadirnos ni ser pegotes. Bueno, ahora me va a matar porque me dejó encargado ponerle suavizante a la ropa y me olvidé”.

-El 2007 va a ser especial: te casás y después te tomás casi un año sabático.

-Bueno, en realidad, todo lo que aguante, no sé. Pero tomarme varios meses va a ser saludable. El año pasado hice un año de Facultad, Ciencias Políticas, pero no viví porque seguía laburando. Aunque tengo en mente retomar la carrera en algún momento. Pero lo que estoy segura es que nunca voy a dejar de cantar. Igual, yo soy cero problema, no estoy todo el día sonriendo pero no me involucro demasiado en rollos de divismo y esas cosas. Por ahora, por lo menos (risas).

-¿No podrías ser la diva del folclore?

-¡Ja, la diva de los ponchos! Estaría bueno que el folclore tuviera sus diva, ¿por qué no darle un poco de glamour? No… no me lo imagino, pero todo puede pasar. No, en serio, mirá, a mí me dieron con un caño cuando arranqué, por experimentar. Pero la música no se puede rotular, y además, poca gente se hace cargo de ciertas cosas que escucha. Por suerte hay muchas mezclas y cruces y hay espacio para todos. Yo estoy convencida de que el folclore siempre va a necesitar de un José Larralde, un Horacio Guarany, una Mercedes Sosa. Pero también va a necesitar de sus Nocheros y de su Soledad

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Entrevista con el escritor mexicano Paco Ignacio Taibo II

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 7, 2006

“La izquierda naufragó, pero resiste”

El autor presenta su biografía del revolucionario Pancho Villa y vaticina el regreso del heroísmo

 Pancho Villa revive en la pluma de Paco Ignacio Taibo II, un escritor que lo cuenta todo con esa monumentalidad tan mexicana. Su Pancho Villa. Una biografía narrativa (Planeta) es un volumen de casi 900 páginas en las que el autor desbroza las falsedades, pule los datos verídicos, explica las versiones contrapuestas y revela, en definitiva, al mayor mito popular mexicano.

Villa fue un hombre con reglas sagradas a pesar de vivir a los tiros, dice el autor en una charla con LA NACION, durante la cual queda claro que aún sigue fascinado por el personaje, que hace un mes lo sumergió en una gira latinoamericana. Quien no haya nacido en esta región leerá como ficción la historia de Villa -uno de los principales caudillos de la Revolución Mexicana de principios del siglo XX-, jalonada por acontecimientos increíbles.

Paco Ignacio Taibo II, hombre de izquierda e hijo de un exiliado de la Guerra Civil Española, dice que cuando los ecos de esta biografía se apaguen pondrá las manos en una historia sobre “la batalla de El Alamo, para derribar el último bastión de la épica norteamericana”.

-¿Por qué Pancho Villa?

-Porque me persiguió durante años, dándome pataditas en la cama mientras me decía: “¡Cuéntame!”. Porque a los mitos hay que mirarlos a la cara y contarlos bien. Porque es uno de los más grandes personajes de la historia de América latina. Es la venganza popular contra el abuso y el agravio. Es un personaje de una intensidad total, tan loco, tan rico que nunca te lo acabas de creer y se deja contar más allá de la ficción, porque ésta lo debilita.

-¿Qué fue lo nuevo del material que reunió?

-Mientras iba poniendo en orden toda la información, a partir de cientos de fuentes directas acumuladas durante muchos años, me fascinó la coherencia del personaje. Y de pronto, en mitad de esa coherencia, los destellos. Por ejemplo, descubrí que Pancho Villa no era alcohólico, sino que odiaba las cantinas y el alcoholismo. Decía que éste era uno de los grandes males de los pobres mexicanos. Le gustaba beber malteadas de fresa, que son las famosas milkshakes . Eso era muy contradictorio con su imagen de macho, revolucionario, con dos pares de cananas (pistolas) y sombrero que jamás se quitaba. Imagínate a Pancho Villa en una cantina de El Paso, Texas, pidiendo: “Deme una malteada de fresas”. No te lo crees. Se casó 27 veces y dos lo hizo con la misma mujer, porque se le había olvidado. Descorchaba a tiros botellas de cerveza a 50 metros de distancia y hasta vendado podía encontrar agua. Lo primero que piensas es que se trata de una hipérbole literaria. Pero Villa fue un personaje legendario y te desloma de felicidad. Su vida es pura épica. Hablaba con palabras inventadas y neologismos y tenía una ortografía marciana. Fue un hombre con cero educación y ni un día de escuela, pero cuando gobernó Chihuahua construyó 51 escuelas en un mes y a sus 30 hijos les dio educación.

-¿Cuál es la moral de Villa?

-Fue un bandolero de los 13 a los 30 años. Fue asaltante, ladrón de caballos y vacas, pero la iluminación de San Pablo en el camino a Damasco le llegó a los 30 años con la revolución. Tenía estas reglas: si das tu palabra, la cumples; a un compadre nunca lo traicionas; a las viudas hay que protegerlas y a los huérfanos hay que educarlos. Este “hiperbásico” se transformó cuando se convirtió en revolucionario y le agregó: “A los oligarcas hay que romperles el culo a patadas”. Pensaba que había que destruir el poder de la oligarquía, que es muy envenenado y ha convertido a los pobres en gente muy agraviada por el abuso. A la vez, es el gran mito popular mexicano.

-¿Qué hay de las biografías anteriores?

-Tres de esos biógrafos fueron sus secretarios, a los que Villa les dictó. Había una leyenda negra, de sus enemigos, y otra blanca, de sus seguidores. Además, cada vez que contaba una historia Villa la mejoraba, como buen narrador oral. Contó la muerte de su madre de tres maneras distintas. Tuve que separar la leyenda de la realidad.

-¿Y qué pasa cuando la justicia es sustituida por la venganza?

-La venganza es la forma de justicia cuando ésta no existe. Villa representa la venganza contra el abuso de poder.

-¿Y cuando existe justicia?

-La venganza se diluye porque se ejerce a través de la justicia. Vengar un agravio es repararlo.

-Ese es un enfoque romántico.

-¿Tienes algo en contra? Me gustan los enfoques románticos, y cada vez me gusta menos el posibilismo pragmático.

-Del México de Villa al actual, ¿qué prevalece?

-Hay 90 años en el medio, una reforma agraria importante, LA NACIONalización del petróleo, la educación superior y una oligarquía perversa pero industrializadora. Permanecen ciertos agravios, la nefasta tentación del fraude electoral, el autoritarismo gatillero expresado en Oaxaca, donde un gobernador dice que hay que matar a los maestros en caliente. Villa hubiera enfurecido. Le hubiera hecho una cruz en la frente y lo buscaría durante 10 años para fusilarlo. Ha crecido además el peso del imperio norteamericano sobre las espaldas de la gente. Villa lo intuyó. Después de ser muy pro norteamericano, en 1916 se volvió antinorteamericano. Dijo que había que cavar en la frontera una zanja de 100 metros de profundidad para impedir a los Estados Unidos entrar en nuestro país. Hay una leyenda que dice que el abuelo de Bush robó la cabeza de Pancho Villa en 1926 (Villa murió asesinado en 1923). Aunque no sea cierto, hay que seguir alimentándola y redoblar las peticiones de que la devuelvan.

-¿Qué pasó con esos mitos?

-Están en la larga distancia. Ya los reencontraremos. Hoy existen los empujadores de carritos en los supermercados, que piensan que la mayor hazaña en la vida es llegar al final de la fila con el carrito lleno y tener una tarjeta de crédito para pagar. Es el sentido de la épica de un sector de la sociedad que ha triunfado. Pero volverá a existir el heroísmo.

-¿Qué le pasó a la izquierda latinoamericana?

-La izquierda ha naufragado, pero resiste. Está tratando de encontrar la isla de Robinson Crusoe, hacia la que vamos nadando. El naufragio ha sido importante. Previo a ello hubo una derrota y una masacre. Ahora nadamos y no está mal, porque es un ejercicio de salud. Y resistimos contra el proyecto neoliberal. Por ejemplo, en Buenos Aires he comprado ahora cuatro libros sobre Rodolfo Walsh, a quien hay que contar mientras estén vivos los testigos, como a Paco Urondo. Hay que contar la gran independencia latinoamericana. Este libro es mi gran aporte al bolivarianismo.

-¿Al estilo Chávez?

-Al estilo de Simón Bolívar. Esto significa que el continente empieza en la Patagonia y termina en los grandes lagos, Hollywood incluido. E incluso las piscinas en Los Angeles nos pertenecen, porque los latinoamericanos somos quienes las limpiamos.

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Entrevista a Eduardo Aliverti

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 7, 2006

“Hay más libertad que en la tele”

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Mañana se entregan los Premios ETER 2006. El periodista analiza la actualidad del medio.

Por segundo año consecutivo, la radio volverá a tener su propia fiesta. Una ceremonia de premiación en la que el medio no será un invitado secundario, ingresando por la puerta de atrás como tantas veces, sino que se constituirá en el merecido protagonista de la noche. Es que mañana, a las 22, se llevará a cabo la segunda edición de los Premios ETER 2006; los hombres y mujeres de la radio premian al medio de más de 85 años de historia. Se autopremian, entonces, como debe ser. Organizado por la Escuela Terciaria de Estudios Radiofónicos (ETER), la ceremonia se realizará en el Teatro Regio, con transmisión en vivo y en directo de Canal 7 y radio ETER por Internet (www.radioeter.com.ar). Una inmejorable oportunidad para que los oyentes puedan descubrir muchos de los rostros de las voces con las que se informan, se divierten y reflexionan durante buena parte del día.

Con la votación de los oyentes, un jurado integrado por dos miembros de cada emisora y los alumnos y docentes de ETER, los protagonistas y ciclos más destacados de la AM y FM tendrán su reconocimiento a lo largo de 25 rubros. “Aunque el año próximo buscaremos federalizar el premio y atender las radios alternativas, lo más importante no es sólo que se vuelven a entregar, sino que en esta segunda edición la radio toda apoya la ceremonia”, le explica a Página/12 Eduardo Aliverti, director de ETER. “Si bien el año pasado también recibimos el apoyo de las emisoras AM y FM, esta vez el compromiso con el premio y la votación se dio naturalmente entre todas las radios. No hubo ni un pero ni una objeción, lo que da cuenta de la seriedad y transparencia que el premio posee entre los que hacemos la radio. Esa es la mayor satisfacción”, destaca el conductor de Marca de radio, el programa que en 2007 ya tiene confirmada una nueva temporada en las mañanas de La Red.

–Es una pena, sin embargo, que la única radio que no participa de la ceremonia sea Radio 10.

–Es lamentable. Se la invitó a participar, al igual que el año pasado y como a todas las emisoras, y ni siquiera contestaron para informar de su rechazo al premio. Ese tipo de actitudes son las que no le hacen bien al medio, ya que por más diferencias ideológicas que se tengan, se trata de un premio que reconoce la labor de todos los que hacen la radio. Si, incluso, hay candidatos que son de Radio 10, como Chiche Gelblung, por ejemplo. Además, todas las emisoras participaron, independientemente de sus líneas editoriales. Creo que Radio 10 se negó a participar porque yo alguna vez critiqué a González Oro por su despectiva y xenófoba manera con que se dirigió a la comunidad boliviana.

–¿Cómo percibe la actualidad del medio radiofónico?

–Por ser la hermanita menor de la televisión y el último orejón del tarro de los conglomerados multimediáticos, la radio es en la actualidad el medio de mayor libertad para decir cosas. Al estar menos “controlada”, la libertad de decir y opinar es mayor que la que existe en la televisión e, incluso, o al menos casi tanto, como los medios gráficos.

–Sin embargo, en materia de actualidad muchos ciclos matutinos parecieran funcionar como medio de resonancia de la gráfica, que marca la agenda informativa.

–Es cierto. Es paradójico que en la era de la tecnología, cuando los recursos tecnológicos desbordan por todos lados, en la radio cada vez haya menos ficción. Falta imaginación y creación artística, aun cuando las piezas o las cortinas de los ciclos son muy buenas y se han desarrollado. Debe ser parte de las consecuencias negativas del proceso de pobreza que inundó al medio luego de la crisis. Lo mismo ocurre con la investigación periodística en radio, que es casi inexistente por costos y por la premura mediatizada de que lo único que importa es llegar primero a la noticia.

–¿Cómo cree que afectarán a la radio el proceso de digitalización y las nuevas tecnologías?

–Las políticas comunicacionales de Argentina atrasan, por lo menos, unos veinte o treinta años. No se entiende, por ejemplo, cómo no se debate qué es lo que pasará con la expansión de frecuencias que trae aparejada la digitalización del medio. No se debate ni entre los dirigentes políticos ni en la organizaciones no gubernamentales. ¿En manos de quién van a quedar los nuevos espacios que permite la digitalización? Porque en donde hoy entran cinco emisoras entrarán, por lo menos, quince. ¿Cómo se licitarán esas frecuencias, si es que así se distribuirán, y bajo qué criterio y requisito? No sería muy lógico que los nuevos espacios se “entreguen” a quienes ya poseen emisoras y con meros fines de lucro. La comunicación es parte de un debate de los más importantes que se debe la democracia. Que esté vigente la ley 22.285 dictada por la dictadura es elocuente al respecto.

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REPORTAJE DE MAGDALENA A MAITENA

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 7, 2006

“¡Fui la primera en decir que las mujeres nos depilamos el bigote!”

EN ARMONÍA. Encontró su lugar en el mundo y una forma de trabajar que la hace feliz. Lo pudo hacer gracias al éxito de su pluma.

EN ARMONÍA. Encontró su lugar en el mundo y una forma de trabajar que la hace feliz. Lo pudo hacer gracias al éxito de su plum

 

Hija pródiga de familia numerosa, actualmente es la mayor dibujante mujer de la Argentina. Fue descubierta por el editor de una revista femenina y sus cómics de Mujeres alteradas la volvieron famosa también fuera del país. Reside en Uruguay, prepara un nuevo libro para 2008 y asegura que, papel y tinta mediante, no teme ser franca y directa.

EN ARMONÍA. Encontró su lugar en el mundo y una forma de trabajar que la hace feliz. Lo pudo hacer gracias al éxito de su pluma.

EN ARMONÍA. Encontró su lugar en el mundo y una forma de trabajar que la hace feliz. Lo pudo hacer gracias al éxito de su pluma

Dice la leyenda que los Burundarena eran tantos de familia que en la casa no se notaba si faltaba alguno.

—¿Es cierto, Maitena?
—Eso pasa en todas las familias numerosas –se ríe francamente–. Eramos siete hermanos. Bastante traviesos y rebeldes, además. Supongo que cuando faltaba uno, lo que había era un poquito menos de desastre y algo más de tranquilidad. Así es que si había seis en vez de siete, nadie se daba cuenta. ¡A mí me encantó esa escena de Mi pobre angelito, cuando los padres descubren en el avión que les falta el chico! La gente dice: “¡Mirá si recién ahí te vas a acordar del chico!”, y yo les contesto que sí es posible que eso ocurra.

—¿Y todos tenían tantas habilidades como vos?
—Mirá, mi madre es arquitecta y, cuando éramos chicos, la verdad es que estábamos muy estimulados. Siempre teníamos material de trabajo a mano: papel, lápices, crayones, témperas. Estaba bien visto que dibujáramos. Eso depende mucho de las casas. Fijate que el otro día una amiga de mi hija menor, la de 7 años, vino a casa y cuando le propusieron dibujar, preguntó : “¿Para qué?”. Me sorprendió porque, te repito, en casa el dibujo estaba muy bien visto. Además, a mí no sólo me gustaba dibujar, sino que era una buena manera de que no me llamaran para hacer otras cosas. Si mamá me veía con los lápices en la mano, ¡mandaba a otro hermano a buscar el pan! Y la verdad es que hoy pienso que esto era bueno, porque a mí me transmitió siempre la idea de que dibujar era algo muy importante. No era un juego…

Todos tus dibujos, tus mujeres alteradas, son infinitamente libres, reales y provocadoras. Muchos se preguntaron en su momento por qué una revista más bien conservadora como Para Ti  te contrató como humorista estrella…
—Bueno, yo también me sorprendí entonces. Imaginate que en ese momento yo estaba haciendo historietas eróticas en la revista Fierro, en Cerdos y Peces, en revistas francesas te diría que pornográficas. Con lo cual el perfil no daba ni ahí. También dibujaba para Sex-humor unos personajes que eran impresentables. Pero tenía un amigo periodista, Daniel Pliner, con el que habíamos trabajado en muchas revistas. Yo, claro, como ilustradora. A Daniel le interesaba la manera en que yo contaba el mundo de la mujer, hiciera lo que hiciera la protagonista. Yo ya había tenido una tira en Tiempo Argentino haciendo humor sobre una madre y una hija. Daniel dirigía entonces Para Ti y me dijo que pensara una tira semanal para la revista. ¡No te puedo decir mi sorpresa! “¿Yo?”, le pregunté, azorada. “Sí –me dijo–, vos lo podés hacer.”
—¡Qué ojo, Daniel Pliner!
—Eso se llama ser un buen editor. Yo me siento muy contenta de haber pertenecido a una época periodística de grandes editores. Pliner, por supuesto. También Chiche Gelblung en Gente. Hubo mucha gente con la que fue un placer trabajar. Tenían buenas ideas y eran audaces. ¿Sabés por qué? Porque tenían ojo, sabían ver, sabían inventar cosas, sabían por dónde pasaba el latido, el pulso de la gente. Porque fijate que fue muy agudo lo de Pliner, ¿eh? Cuando me dijo que yo podía hacer esa página en Para Ti, fue una revolución en mi vida, ¡porque a raíz de eso descubrí que sabía muchas cosas que yo no sabía que sabía! De repente, me puse a dibujar el mundo cotidiano de las mujeres. Imaginate: yo estaba separada, era un desastre, salía de noche, iba a los festivales de rock, ¡andaba en campera de cuero con los pelos todos parados!

—Como tus dibujos…
—Además, ya tenía dos hijos. Imaginate, fui madre a los 17 años. No tenía nada que ver con la típica “madre Para Ti . Parecía imposible, entonces, que yo pudiera contar algo creíble para ellas, que mi vida fuera parecida a la de esas madres. Y mirá lo que son las cosas: ése fue un prejuicio mío, un error muy grande, porque a través de esa experiencia aprendí mucho sobre mí misma y me di cuenta de que era mucho más parecida a esas mujeres de lo que yo pensaba. Se me hizo un clic y me puse a contar mi problema de mujer a raíz de lo que veía en las otras mujeres. Me di cuenta de que, más allá de que tuviéramos vidas diferentes, nos pasaban las mismas cosas. Eramos felices por los mismos motivos, y desgraciadas por las mismas causas. Nos interesaba el cuerpo, los hijos, lo profesional, la pareja. Nos sentíamos horribles si estábamos gordas y feas, y divinas si estábamos enamoradas.

Quizá lo tuyo consistió en tener la desfachatez de revelar todo eso, esa gran intimidad secreta.
—Algo de eso, sí. ¡ Yo fui la primera en decir que las mujeres nos depilamos el bigote! En hablar de nuestros amantes…También reconozco que fui muy desfachatada con el cuerpo. Avancé mucho con el tema del cuerpo, con la ropa interior, con la palabra “orgasmo”. Fui ganando terreno, ganando confianza, pero todo esto no lo hice sola. Lo que tiene de lindo Mujeres alteradas es que es un trabajo que pude hacer con las lectoras. Me animé a contar cada vez más cosas a medida que recibía la respuesta de las lectoras. Todas escribían (¡porque en aquel tiempo se mandaban cartas!): “A mí me pasa exactamente lo mismo que a vos”. Yo entraba a la Editorial Atlántida y en el ascensor ya me preguntaban: “¿Vos sos Maitena? Aaahh, tu página es tal cual lo que me pasa a mí”. Eso me dio mucha confianza porque me dije: “Yo no soy un marciano, y esto quiere decir que lo que me ocurre a mí les pasa también a las demás”. Me animé a contar cada vez más cosas pero con el retorno que me llegaba de las lectoras. Si no, ¿por qué iba a confesar que me depilaba los bigotes? Había que contar todo. No sólo las cosas maravillosas. Te repito que fue muy liberador para mí y fue así que pude sacarme muchas cosas de encima.

—¿Cosas de la infancia, de tu familia? Porque tu familia fue de criterio amplio, ¿no?
—Sí, sí. Pero me saqué de encima taras culturales. De esas que uno tiene como mujer. Me puse a pensar desde el lugar de otras mujeres.

—Vos también te animás con mucho coraje a plantear cosas como lo fea que una puede llegar a estar en determinados momentos.
—No sólo lo feas, ¡sino lo miserables que podemos ser! Porque en Mujeres alteradas yo también traté de que aparecieran muchas mujeres diferentes entre sí, de distinto tipo. Por eso, incluso, no hay un personaje fijo. De repente una muy buena mina y, al rato, una que es una mierda. Una mina que aprieta a un tipo; otra que le va a contar a la mujer de su amante que anda con el marido; otra que dice que toma anticonceptivos y no los toma para quedarse embarazada y engancharlo. Ese tipo de registro de cosas jodidas se da en muchas mujeres. Están las que le revisan el celular; las que, cuando él entra a la ducha, le escuchan los mensajes y le inspeccionan los bolsillos… En fin, empecé a contar eso que también es parte de la vida. Tuve allí un muy buen retorno de las lectoras considerando que lo que yo contaba era horrible. Algunas me escribían: “No digas eso”; “son cosas que no se cuentan” etcétera. Ahí me dije: “Eso es lo que justamente quiero contar”. Hablar de todo.

A Maitena le brillan los ojos verdes cuando explica con gran entusiasmo su notable aventura. Tiene la piel muy lisa y una delgadez armónica que se envuelve en uno de los guardapolvos camuflados que el talento de Churba ha creado para brindar trabajo a cientos de operarias. Cuando viaja desde Uruguay (una vez por mes), la espera un departamento emblemático de la belle epoque de Buenos Aires. Tiene ochavas y curvas que parecen deslizarse frente a la Iglesia del Salvador. Hasta el parqué de los pisos impecables sigue la curva de la construcción. El mármol de la entrada también muestra un diseño suave, sin aristas. Todo un mundo alejado de los tiempos de Maitena en el que ella, sin embargo, se mueve con absoluta naturalidad.

—No sé si me bancaría comer todos los días en un comedor pintado de rojo –explica con franqueza–. Pero como voy y vengo… En la cocina, en cambio, mirá, estoy con el modernismo.
Y, en efecto, el acero inoxidable y los colores laqueados hacen de esa habitación un paisaje de confort.
Hay un gran juego de contrastes en todo lo que rodea a Maitena. Cuando pensamos que sus Alteradas de Para Ti son best sellers en Grecia o Corea, no hay más remedio que rendirse a la evidencia de que el fenómeno humano no conoce fronteras en cuanto a sentimientos.

—¿Te das cuenta? ¡Hasta en Islandia me han publicado! –se alegra como una adolescente–. Por supuesto que no puedo controlar la traducción, pero supongo que si tiene un buen recibimiento es porque las islandesas deben reírse y temer a la vez las mismas cosas que nosotras. ¡Hay que creer en los editores! Si hay uno que leyó el material, le gustó y tiene ganas de comprarlo, es porque evidentemente encontró allí algo que luego va a vender. El que controla algunos idiomas es mi marido. Yo no hablo nada. ¡Incluso creo que ni siquiera hablo bien castellano!
Sudamericana acaba de editar (en un grueso volumen de tapas amarillas) Mujeres alteradas 1, 2, 3, 4, 5 y mientras nos deleitamos revisando sus páginas surge allí claramente el enorme monto de trabajo cumplido por Maitena:

—Qué emoción, ¿no? Es como si fuera el escaneo de tu vida…
—La verdad es que es muy fuerte tenerlo publicado todo junto. Vos sabés que me provocó una sensación muy especial. Escribí un prólogo para el libro, hice la tapa y cuando lo revisé íntegramente y miré el índice… bueno, me encontré con más de 400 historietas hablando de las mujeres y de las historias de todos los días de las mujeres. Y te aseguro que si me quedaba alguna culpa por haber dejado de trabajar… bueno, ¡¡¡se me fue!!! Me di cuenta frente a este libro de que he trabajado muchísimo. Que allí hay una cantidad impresionante de trabajo. 500 páginas de dibujitos… es muy lindo verlos todos juntos y advertir el proceso. La diferencia que hay entre los primeros y los últimos. Yo quiero mucho este libro. Además, porque Mujeres alteradas me cambió la vida.

—Bueno, vos hablás de la culpa por haber dejado de trabajar, pero en realidad…
—No dejo de hacer cosas, por supuesto. Lo que he dejado es esa obligación terrible de “entregar” a tiempo para el cierre semanal. Todos los viernes, la página. Todos los viernes, la página… como en un sinfín. Vos sabés cómo es el periodismo gráfico y ésta es la parte que genera mayor tensión. Para mí significa que uno siempre está debiendo algo. Entregar, entregar, entregar… Con mi manera de ser ya no me lo bancaba más. Eso de tener que ser inteligente, divertida, simpática, con el reloj en la mano, creo que, al fin, es negativo para el trabajo. En el apuro terminás entregando lo que te salió.

—No todos los creadores son tan… honestos, diría, en este tema. No todos reconocen lo que vos estás diciendo.
—Puede ser. Pero, te repito, había semanas en las que entregaba cosas que no me dejaban contenta, que yo normalmente no hubiera publicado y que eran el fruto de no tener nada especial que decir. En cambio, cuando se me ocurre algo bueno, desarrollo esa idea y me entrego. También dejé la entrega semanal porque me pareció que había cumplido un ciclo, agotado una temática. Revisando el índice me di cuenta de que allí he hablado de todo. Entonces diría que hubo algo personal, una necesidad de encontrar otra cosa. Yo no soy la clase de dibujante, de humorista o de artista que durante 25 años hace las mismas cosas. A mí me gusta mucho saltar a otro tema. Cuando Mujeres alteradas estuvo en su pico de éxito, lo dejé y me fui a La Nación a hacer Superadas . Cuando llegué, no me quería nadie. Me puteaban, las cartas que recibía eran horribles, todas en contra, y por eso fue un desafío. Anduvo muy bien y fue maravilloso. Cuando decidí irme, las cartas me retaban: “¿Cómo te vas a ir?”, decían. Después hice Curvas peligrosas, me fui a la revista (de La Nación) y me quedé allí cuatro años. Tampoco entendían en el diario que me fuera de la última página diaria del cuerpo central a la revista de los domingos. En eso soy muy honesta.

—¿Y cuándo decidiste irte a vivir a Rocha, en el Uruguay?
—Ya hace seis años que estoy allí en forma permanente. Venía de muchos veranos y me gustó tanto el estilo de vida que decidí quedarme. Qué sé yo. Realmente no sé qué me pasó. No es que yo pensé: “Ay, quiero esto”. No, fue al revés. Me fui quedando. Cada vez la pasé mejor y así encontré un lugar, ese lugar… Te repito: allí estoy muy bien. Con mi marido (Daniel Kon), con mi hija de 7 años, con mis hijos grandes que le llevan 20 años. Escribiendo, dibujando, leyendo y viendo cine. En Rocha empecé a encontrar tiempo para hacer cosas que en la ciudad resultaban imposibles. Fijate que la ciudad te fagocita. Siempre estás invitada a algo en donde no podés faltar: un vernissage de no sé quién; la muestra de no sé qué. Lo cierto es que no parás. Ya no tengo ganas de hacer tantas cosas, de conocer a tanta gente.

—Entonces, ¿cómo es ahora tu nuevo orden idílico?
—Ahora no trabajo –Maitena se ríe con todos sus dientes y sus ojos verdes–. En serio. Estoy haciendo un libro que va a salir en 2008. Lo estoy haciendo muy tranquila. Es un libro mitad escrito, mitad dibujado. Es un secreto. Lo único que te puedo anticipar es que es un manual lleno de relatos, de dibujos y de cosas. Me estoy divirtiendo. Trabajo solamente tres o cuatro horas por día, lo cual me parece ideal. Trabajo de 1 a 5 de la tarde. También es un buen horario para bajar mails, etcétera. Cada mañana salgo a caminar con los perros. Andamos 10 kilómetros. Tengo mi huerta, tomo mate. La paso tan bien…

—Pero convengamos que para que sea así es fundamental contar con una sólida historia de amor…
—Mirá, hay que tener dos cosas para vivir en un lugar tan alejado. Una, vida interior (cosas que te interesen y te ocupen), y la otra, sí estoy de acuerdo: una buena pareja. No son lugares para ir solos. Podés terminar muy borracha. Todos los solos terminan igual: ¡en pedo a las 4 de la tarde! Son lugares difíciles, ¿eh? El invierno es riguroso y tenés que tener una voluntad de hierro para no terminar mal. Son lugares que, poco digeridos, te tiran abajo. En invierno, todo está blanco y ni ves el mar. A mí me encanta. En mi casa tengo el estudio arriba y hay días que miro para afuera donde no se ve nada y tengo una sensación de aislamiento protegido que me produce mucho placer. Me da ganas de quedarme en mi estudio dibujando. No quiero ni bajar al comedor. ¡Imaginate si voy a tener ganas de que me llamen del diario para entregar algo!

Y para coronar esta crónica feliz, creo que es importante hablar de un cuadro, un óleo de Gorriarena que preside el living de Maitena. En la tela hay una pareja abrazada. Ella, pelirroja, podría ser Maitena, y él la estrecha en sus brazos con pasión y ternura. Tanto que diría que desborda el lienzo.

—Este cuadro fue un regalo romántico que le hice a mi marido –de nuevo le bailan los ojos y el pelo–. Fui al taller de Gorriarena a mirar cuadros. Vos sabés que su obra es politizada y muy densa. Me gusta mucho lo que él hace, pero en cuanto a lo romántico… era medio difícil. Me senté ahí y él me fue mostrando las obras. Fue un momento muy lindo, con Gorriarena trayendo los cuadros en la mano… Debo decir que eran todos medio densos. Como regalo de amor, no daba la ecuación. Hasta que, de pronto, apareció con este cuadro increíble, con esta pareja besándose en medio de un bosque y ¡con una mujer que se parece mucho a mí! Y el hombre se parece mucho a Daniel. Fijate qué impresionante: ¡ese día, yo tenía un pulóver azul con motitas negras, ¡igual al que lleva la mujer del cuadro! Gorriarena no lo podía creer y yo, bueno, por supuesto me di cuenta de que ése y ningún otro era mi regalo de amor.

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ENTREVISTA A AQUELARRE

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 5, 2006

Los discos de la buena memoria


La legendaria banda decidió reeditar su obra, que prácticamente estaba descatalogada. Hablan de aquellos discos, de la violencia de la década del 70. Y dudan entre volver a tocar o no.

Dspués de ese rayo fugaz y genial que fue Almendra, la diáspora maravillosa: Spinetta funda Pescado Rabioso, Edelmiro Molinari hace Color Humano y la base rítmica made in Belgrano de Rodolfo García y Emilio Del Guercio ilumina Aquelarre, una de las bandas más originales, coherentes y menos escuchadas del rock local.

El baterista y el bajista de Almendra convocaron a Héctor Starc (guitarra) y Hugo González Neira (teclados). Eran los comienzos de los 70, el rock progresivo sepultaba la década del 60 y los gestos contraculturales empezaban a diluirse para cumplir la sentencia de John Lennon: el sueño había terminado. En la Argentina el dictador Lanusse prepoteaba al Perón exiliado y ya se empezaba a oler la violencia social y política.

Todos estos elementos marcaron la extraordinaria música de Aquelarre. Treinta y cinco años después García, Starc, Del Guercio y González Neira se reúnen en un bar de San Telmo para celebrar la reedición de su obra, una obra breve y poderosa. Descatalogados, malditos, Aquelarre (1972), Candiles (1972), Brumas (1973), Siesta (1975) y Corazones del lado del fuego (1998, CD que registró su notable regreso en vivo) representan una muestra rotunda de sofisticación musical y actitud poética del rock argentino más elaborado.

La reedición, a cargo del sello Acqua Records, tiene dos etapas. La primera comprende los discos Aquelarre, Candiles y Corazones del lado del fuego, que ya están en la calle. La segunda, de Brumas y Siesta, sale el año próximo. “Nos propusimos recuperar nuestro material. Ahora, Aquelarre es de Aquelarre. Y los discos vuelven a estar en las bateas, al alcance de la gente. La gran novedad es Candiles, que nunca había sido editado en compacto”, dice García.

La voz cantante la lleva Rodolfo; Del Guercio aporta reflexión; Starc, alaridos y humor. González Neira rara vez quiebra una timidez casi invencible.

¿Por qué ahora esta reedición?

García: Nos encontramos con gente que pregunta qué pasa con los discos. Es curioso, pero Aquelarre se transformó en una banda de culto. Nos pareció oportuno. Además, en el 2007 se cumplen 35 años de nuestro primer disco.

Pregunta obligada: ¿van a presentar este lanzamiento en vivo?

Del Guercio: Por ahora no…

García: Creo que no tenemos el deseo, todavía.

Starc: Yo por ahí sí tengo ganas, pero el año que viene. Lo que pasa es que nos lleva mucho tiempo prepararnos. Para los últimos shows, de 1998, estuvimos dos años ensayando. Cada cual tiene sus obligaciones y algunos temas son complicados. Nosotros para tocar tenemos que sonar mejor que antes.

Del Guercio: Esa es la clave.

¿Por qué?

García: Un músico no es un futbolista: tiene que tocar mejor que cuando tenía 20. Y creo en la cosa superadora. A Emilio y a mí nos pasó después de Almendra: cuando terminó esa experiencia tan fuerte teníamos que hacer algo a la altura de Almendra. Después nos pasó con Aquellarre.

Del Guercio: Es así. Mi último disco es Pintada, que es de 1983. Me sigue pareciendo un buen disco, pero en el futuro no podés montar un proyecto que no esté a la altura de lo que ya hiciste.

Emilio, con los episodios de San Vicente muchos nos acordamos de tu canción “Violencia en el parque”. Vos militabas en el peronismo… ¿originalmente el tema refería a Ezeiza?

No, no. Lo escribí antes, a mediados del 72 más o menos. Era una violencia que estaba en el ambiente. El parque, para mí, era el país, la patria. También refería tangencialmente a las reuniones de Parque Centenario. Yo nunca escribí de un modo directo, usaba mucho el símbolo. Hay otros: Aves rapaces, por ejemplo, habla del golpe de Pinochet en 1973.

En 1975, un poco por asfixia política, otro poco por búsqueda artística, los Aquelarre se toman el buque con rumbo a España. Caen en Barcelona. “Fue como si llegara un plato volador”, dice García. “Pero estuvo bueno. Eso de que Aquelarre le enseñó el rock en castellano a los españoles es presuntuoso. Pero lo cierto es que todos cantaban en inglés. Nos iban a ver muchos músicos y periodistas, como los de Barón Rojo y el Mariscal Romero”

Starc: Al poco tiempo fue Moris. Podemos escribir un libro sobre historias de Moris en España…

Enseguida se enganchan a conversar entre ellos. Asoma alguna diferencia y una mayoría de complicidades. Se los ve bien. Discuten sobre el rock argentino actual, hablan de internet, de la industria discográfica. Y especulan sobre cómo los ve “la juventud”.

Dice Starc: “Quiero tocar, quiero que nos escuchen los pibes. Los quiero aplastar. Y que digan: Son cuatro viejos chotos… ¡Pero suenan como la puta madre!”.

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ENTREVISTA A LEONARDO DICAPRIO Y MARTIN SCORSESE

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 5, 2006

Los infiltrados: dos hombres en la línea de fuego


El actor de “Titanic” se reúne por tercera vez con el director de “Buenos muchachos” para protagonizar un thriller centrado en un policía infiltrado en un grupo mafioso liderado por Jack Nicholson. Aquí, ambos hablan de su experiencia en conjunto. Y de trabajar con Jack….

Leonardo DiCaprio actúa como Billy Costigan, un oficial encubierto asignado a infiltrarse en la mafia en el drama Los infiltrados, coprotagonizado por Matt Damon y dirigido por Martin Scorsese. El filme marca la tercera colaboración entre el realizador Martin Scorsese y el actor dos veces nominado al Oscar. Scorsese y DiCaprio trabajaron juntos anteriormente en Pandillas de Nueva York y El aviador, y según DiCaprio, se llevan tan bien porque tienen gustos parecidos en cine.

Sobre los dos personajes centrales de “Los infiltrados”: DiCaprio y Damon son espías en bandos opuestos de la ley, y aún así existen similitudes entre los dos personajes. “Son dos caras de la misma moneda, es verdad —explica el protagonista de Titanic—. Son productos de su entorno. Toman ciertas decisiones muy temprano en sus vidas que afectan todo lo que sucede en la película”.

Sus personajes son muy parecidos. Sin embargo, DiCaprio y Damon tuvieron que determinar cómo protagonizarlos sin el beneficio de compartir demasiado tiempo en pantalla. “Creo que la experiencia de trabajo fue interesante porque fue casi como si estuviéramos filmando dos películas diferentes —dice—. Se cruzan en determinados momentos, pero eran dos películas diferentes y fueron experiencias absolutamente distintas… Fue interesante mezclar las diferentes piezas y Marty (Scorsese) fue el encargado de hacerlo. Pero los momentos en que sí estuve con él fueron geniales. Es un actor increíble. Los disfruté mucho. Creo que hay muchos personajes muy interesantes en esta película. Es por eso que me gusta tanto el trabajo de Scorsese: no sólo le da la misma valoración a toda la película y a la construcción del filme, sino que realmente le permite a la audiencia engancharse con cada personaje. No importa lo pequeño que sea, cada personaje satisface”.

«9Sobre la decisión de ser parte de “Los infiltrados”: Fue una decisión relativamente simple para DiCaprio una vez que leyó el guión. “El trabajo de Bill Monahan aquí, este ensamble de piezas tan complejo y entramado, este thriller de gángsters, es muy raro en esta industria. Esta fue una de esas cosas que no pasan muy a menudo. Hubo un cierto trabajo, desarrollo de personajes, partes que quedaron afuera, cambios de diálogo, pero construir la historia ahí mismo y personajes realmente complejos ahí mismo, información, desinformación, giros en la trama, y que todo conduzca a un final satisfactorio es algo que rara vez se ve en este negocio. Yo sé que recibí el guión en el mismo momento que lo recibió Marty y nos hablamos. Fue una de esas cosas que no necesitan discusión. El quería hacerlo, yo quería hacerlo. El resto es historia”.

Sobre el filme original: Los infiltrados se basa en la película de Hong Kong Infernal Affairs, dirigida por Andrew Lau y protagonizada por Tony Leung. DiCaprio estaba familiarizado con esa película antes de filmar la versión de Scorsese. “Todos la vimos y nos gustó, pero pienso que tuvimos que separarnos de ese filme hasta un cierto punto. En verdad, la construcción y el esqueleto de la historia son muy similares en esta versión, pero se trata de abordar un submundo muy diferente. Se trata de norteamericanos de origen irlandés en Boston. Tuvimos que olvidarnos de muchos de elementos porque teníamos que inventar un filme absolutamente diferente”.

Sobre investigar el papel y llegar a conocer Boston: “No importa dónde hayamos crecido, todos experimentamos violencia de una manera u otra en nuestras vidas. Para mí tuvo que ver con conocer algunos de los tipos reales del sur de Boston, y tuve que pasar tiempo con un tipo en Los Angeles que conocía las tragedias de las calles. Me habló sobre lo que pasaba cuando él crecía y la violencia de las pandillas y ese tipo de submundo. No tenía que ver solamente con familiarizarme con el acento. Es un lugar enteramente diferente. Nunca había estado tanto tiempo en Boston y para mi fue importante pasar tiempo allí y escuchar las historias reales y los relatos verdaderos y conocer a algunos de los personajes reales”.

Sobre trabajar con Jack Nicholson: “Somos todos actores profesionales y todos estamos protagonizando algún papel, pero para mí representar un personaje de este tipo que tiene que transmitir a la audiencia este ataque de pánico constante, las 24 horas del día, que sufro en mi vida, rodeado de gente que literalmente me volaría la cabeza si les diera un indicio de quién soy, sumado al hecho de que estoy sentado a la mesa frente a un maníaco homicida que probablemente me prenda fuego, era fuerte. No me gusta decir que como actor te da miedo, pero como personaje sí te da una dinámica nueva. Alteró y modificó completamente la escena en una dirección totalmente diferente”.

Sobre la atracción de las películas de Scorsese: Como actor, ¿qué es lo que tiene Scorsese que atrae a DiCaprio a filmar con él? “Soy un admirador de su trabajo, es el número uno. Todo empezó cuando quería trabajar con él en Mi vida como hijo con Robert De Niro y familiarizarme con el trabajo suyo, y obviamente eso también implica el trabajo de Scorsese. Me volví su admirador cuando era chico. Si me preguntás con quién quería trabajar cuando empecé en la industria, habría sido él”.

“Tuve mucha suerte de trabajar con él en Pandillas… y creo que a partir de ahí lo pasamos bien trabajando juntos y tenemos gustos similares en cuanto al cine. El realmente amplió mi espectro en materia de historia del cine y la importancia del cine. Me llevó a diferentes niveles como actor. Lo veo como un mentor”.

 

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Herbert Vianna,”Sueño con volver a soñar ”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 5, 2006

A los 45 años y a cinco del accidente en el que murió su esposa y él quedó postrado,Herbert Vianna,el líder de la banda brasileña Paralamas,rasga su corazón herido en nuevas canciones.

Fue la primera vez que yo expresé algo después del accidente. Llevaba varios meses allí tirado,casi todo el tiempo en coma,conectado a máquinas de respiración, pero cuando lo vi,empecé a cantar para él Though I’ve tried before to tell her /Of the feelings I have for her in my heart /Everytime that I come near her…(Aunque he tratado antes de decirle lo que siento por ella cada vez que estoy cerca suyo …)”.

Está cantando ahora,con los ojos semicerrados aquello que su mamá recuerda como el hito de su vuelta al mundo de los vivos.Como la primera expresión consciente del hijo postrado tras el accidente.

“Había llegado José (Fortes), mi gran amigo desde la escuela y manager de Paralamas desde nuestros comienzos en la universidad en Río,a principios de los ’80,y empecé a cantarle Every little thing she does is magic (Cada pequeña cosa que ella hace es mágica )de Sting, que era el reflejo de la fuerza de nuestra amistad y de la intensidad de la turbulencia musical que yo sentía acá adentro.” Ahora,,Herbert Vianna se señala el pecho con las manos abiertas,en un gesto sobrecogedor.”El no hablaba casi nada y se puso a llorar.Entonces,agarré una guitarrita que tenía siempre a mi lado,en la cama,y seguí cantándole My sweet lord ,de George Harrison.” Sigue siendo un tipo alto,grandote y atractivo,a pesar de la lesión en la columna que lo sentó para siempre en una silla de ruedas.Pasaron ya cinco años.

“Yo no me acuerdo de eso,pero es una historia que siempre me cuentan en mi casa como ejemplo de la importancia que tuvo en ese momento de mi vida la música.” Los diarios y revistas titularon:Salvado de la muerte por el milagro de la música .Extraño náufrago que se siente a salvo del dolor en el escenario:”Yo diría que la energía puesta en expresar con la voz y la guitarra lo que siento en mi corazón me cambia los canales nerviosos.En los shows no sufro la sensación intensa y constante de la cintura para abajo…es como si la parte inferior de mi cuerpo estuviera colgada en una cámara de aire comprimido, siempre a punto de explotar.” Se toca con las manos los muslos,los pincha suavemente con las yemas y los pellizca,cubre las grandes rodillas con las palmas.”Nada “,frunce la boca y las cejas.

“En el escenario,cuando estoy cantando en la silla,quietito,sin transpirar ríos de sudor,como antes,puedo observar mucho más al público.Es…diría…como una droga celestial que me hace pensar.”

Empieza a hacer calor en el cubículo vidriado,moderno,que la compañía discográfica tiene en Barra de Tijuca,de una luminosidad incongruente,lejana de esa voz grave con la que habla mientras mira directamente al centro de los ojos. Por momentos parece perdido,buscando con la actitud contrariada de quien no sabe dónde puede estar eso que no encuentra.Una palabra. Alguna anécdota.Eso que hace segundos pensaba decir.Quedaron secuelas del accidente también en su memoria.

“Es increíble cómo cambia la perspectiva.Si todas las personas del mundo tuvieran,por un día solamente,que ver las cosas desde un poquito más abajo…Con la fuerza y la intensidad del golpe tan duro de la vida,con el accidente y una pérdida devastadora soy mucho más yo mismo.Mi música es mucho más personal ahora.”

Hoje ,el último disco de los 17 que grabó con Paralamas y los tres que editó solo,está hecho de dolor, de duelo,de pérdidas:”Me siento muy confiado como para rasgar mi corazón ante la gente “.

Herbert Lemos de Sousa Vianna,nacido el 4 de mayo de 1961 en Paraíba (al nordeste del Brasil), se pasa las manos por la cabeza,rapada.En la zona de la nuca,una sucesión de puntos,hileras de pequeñas cicatrices como pequeñas perlas,como pequeñas gotas.

Zapatillas Puma,pantalón cargo color caqui.Del cuello de la remera penden dos pares de anteojos, desnudando el rastro de una traqueotomía bajo la nuez.Unos oscuros,de sol,los otros para leer,recuerdan la miopía congénita que le impidió entrar a la aeronáutica tras los pasos de su padre,brigadier de la Fuerza Aérea brasileña.

Se quedó con el modesto gusto por pilotear pequeñas naves,como la que abordó aquella tarde del 4 de febrero de 2001 para regresar desde Angra dos Reis a Río,después de la fiesta de un amigo.Las pericias concluyeron que volaba a pocos metros del mar y que perdió el control del avión cuando giró para lejarse del agua.

Lucy Needham,su esposa y mamá de sus tres hijos,murió ahogada.Tenía 36 años y quedó presa del cinturón de seguridad.La patrulla de emergencia que lo rescató del mar le dio a él un mísero 10 por ciento de probabilidades de sobrevivir.Después de los primeros auxilios,lo llevaron en helicóptero a la exclusiva clínica Copa D ‘Or,en Copacabana,donde lo tomó como paciente el neurólogo Paulo Niemayer,sobrino del famoso arquitecto brasileño.

Una operación.Otra.Otra.Otra más.Mes y medio internado. Cuando todos esperaban el parte fatal,él comenzó a recuperarse. Entre sueños hablaba con Lucy y entre sueños ella le pedía que viviera para cuidar a los chicos.

Vianna es espiritista desde muy joven y cuando,ante la sorpresa general volvió a tocar en abril de 2002, lo hizo público.Dijo que mantenía contactos con su esposa muerta a través de médiums.”Siempre intenté que mis valores y mi visión del mundo no fueran vistos como algo snob.Para mí eso es tan verdadero y real que intento que el tema no llegue a personas necesitadas y frágiles que busquen en la religiosidad un escape.”

Dice que ahora ya no está en contacto espiritual con Lucy. “Tengo ahora un contacto mental. Siempre se me ocurren impresiones y visiones de cosas que le hacían latir el corazón,que le encantaban, nuestra unión era tan intensa y verdadera…”

Ella producía para la BBC A ruff guide (El guía rústico ,para jóvenes viajeros),con el que recorrió el mundo.Se conocieron cuando producía un programa sobre Brasil. Se casaron en el ’92.”Era de los Midlands,una parte remota y campestre de Inglaterra.Nació en su casa,por ejemplo.Muchos años después,cuando tuvimos a nuestro primer hijo,yo hice el trabajo de parto en casa porque los médicos llegaron tarde.Yo hacía con ella los ejercicios de preparación para el parto y venía a mi cabeza decirle cuándo contraer,en qué momentos aguantar la respiración.En cierto momento rompió la bolsa y yo empecé a decirle:’¡Che,lo veo!¡Seguí contrayendo!’.En un momento más estaba Luca afuera.”

Se emociona.Algunos relatos son catárticos siempre.

EL CORAZON MIRANDO AL SUR

A Herbert se lo considera el más argentino de los músicos brasileños. La anécdota que sigue lo confirma: “El nombre Luca tiene mucho que ver con nuestra conexión argentina,me recordaba mucho a Luca Prodan y a todo su bagaje multicultural.Cuando Lucy estaba embarazada,yo buscaba un nombre que tuviera exactamente el mismo sonido en inglés y portugués.Que no fuera como el mío que se pronuncia jerbert allá y acá évert .Son dos sonidos para una cosa tan profunda como tu propio nombre,¿no? Yo le decía:’Che,Luca es un nombre lindo que tiene exactamente el mismo sonido en las dos culturas ‘. Y como existe la tradición inglesa de tener un segundo o tercer nombre como referencias a raíces familiares u homenajes,le pusimos de segundo nombre Benedict,el Bendito,por mis convicciones religiosas.Y fue tan…bendito…un enviado de los mismos cielos.”

A Luca,ahora un adolescente de 14 años,le siguieron dos nenas.

“Cuando cuatro años después volvió a quedar embarazada empezamos a buscar nombres y elegimos Hope,esperanza.Pero éste es un nombre totalmente inglés así que le agregamos Isabel,que es el nombre de una abuela.Para la tercera, vi escrito Phoebe en un libro en inglés y le pregunté a Lucy cómo se pronunciaba.Ella me dijo:’Ese es un nombre lindo,se pronuncia fibi ‘.Cuando vino el tercer embarazo y vimos que era una chiquitita le pusimos así y de segundo nombre Rita, como mi otra abuela.”

Hope es la que expresa más parecidos con Lucy.”Tiene una clara naturaleza periodística:busca la información y saca conclusiones sensibles y bien ponderadas.Luca,en cambio,es más imaginativo y menos realista.Y Phoebe,de 7 años,es la mejor secretaria de Hope,que es un centro muy fuerte de decisiones y comandos de la casa.”

Tras el accidente,Teresa,su mamá,se mudó con él para ayudarlo con la crianza.También están las dos babysitters que trabajan desde el nacimiento de los chicos.”Ahora que tengo evoluciones en términos operacionales,mentales y prácticos y puedo manejar,los llevo y traigo de la escuela,paseamos y paso todo el tiempo con ellos. Nos separamos sólo para las giras.”

Lo enorgullece que los tres sean buenos alumnos,que vayan superando la muerte de la mamá y que vivan como gente común,a pesar de ser los hijos del líder de una de las bandas de rock más importantes de Brasil y de Latinoamérica. Dice que en ello es fundamental la conexión inglesa .”Allá somos unos turistas más.Nadie nos conoce.” Como Lucy tenía tres hermanas en distintos lugares del mundo,la familia se junta siempre para las Fiestas.Así,los chicos se enriquecen con la cultura de los demás primos:unos en Inglaterra,otros en Francia y otros en Hong Kong.

Mientras en su casa escucha y canta una y otra vez El amor después del amor ,de Fito Páez,que piensa incluir en su próximo disco, y se siente particularmente afectado por la canción que Eric Clapton escribió tras la muerte de su hijito (¿Recordarías mi nombre si me vieras en el cielo?,se traduce),sigue “rasgando su corazón ” en nuevas composiciones.Busca esa canción de amor que traiga paz sin culpa , como dice en De Perto .”Sonho em voltar a sonhar “,canta ahora.Y sigue recitando la letra que tiene escrita:Sueño con volver a soñar,que me dé valor,que me ayude a cantar y darme cuenta de lo que tengo …es una canción muy fuerte para mí.La canto todo el tiempo y me imagino que va a encontrar a otros corazones que están sintiendo lo mismo que siento hoy.”

¿Qué era lo que más amabas de Lucy?

La intensidad con la que se exponía a mi naturaleza latina,el brillo intenso de su apertura. En la primera canción de ‘Hoje ‘ decís que tu destino no te deja en paz.

¿Creés que va a hacerlo alguna vez?

No.Y no lo digo lamentándome.Lo digo como una constatación de que viví esas cosas que me hacen reflexionar y aprender mucho.Especialmente con una pérdida tan profunda,tan sentida y tan difícil de superar,porque te trae a la superficie las convicciones que te dan razones para seguir viviendo y valores emocionales en los que seguir educando a tus hijos.

También decís en esa canción ‘De corazón, no sé si puedo amar ‘.

Ojalá pueda.Ojalá que los vientos emocionales me toquen el alma y me lleven,como se lleva el viento mi música.Una combinación irracional de sueños,de voluntad,de ganas de reconstruir mi vida y de tener a alguien con quien cuidar de mis tres hijos.

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Reportaje a Renata Schussheim

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 4, 2006

“Hice cosas muy locas”

El reconocido filósofo y psicólogo asegura que los que mienten bien son más exitosos. Y que un mundo sin engaños “sería un caos”. Deshonestidad brutal.

Como hace veinte años, a Renata Schussheim de pronto le dan ataques de pudor y se encierra en un cuartito, lejos del público que camina fascinado entre su obra, lejos de los fans que le dicen que se ve bellísima y que su pelo es maravilloso.

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En aquel entonces, el escondite estaba en el Centro Cultural Recoleta y la exposición llegó a convocar a unas 160 mil personas. Hoy es una salita del Bellas Artes, museo donde la artista, escenógrafa y diseñadora de vestuario -que estudió con Carlos Alonso, cruzó su imaginación con los escenarios de Charly García, armó una dupla explosiva con Jean Francois Casanovas y otra inquebrantable con el coreógrafo Oscar Araiz, trabajó con Manuel Puig y es la favorita de Julio Bocca -, expone “Epifanía”, una muestra que recorre gran parte de su obra.

“Acá estoy mejor, además puedo fumar”, dice, antes de empezar con una suerte de retrospectiva personal. “Creo que es un privilegio tener una vocación definida, y yo la tuve: empecé a estudiar dibujo a los 9 años y al terminar la primaria entré en una escuela de Bellas Artes. Creo que también mis abuelos, inmigrantes polacos, tuvieron algo que ver: mi abuelo era periodista, muy bohemio, y mi abuela era una imitadora nata y en su casa se reunían artistas, pianistas, músicos… Blackie, por ejemplo, vino a mi cumpleaños de un año y me regaló un vestidito”.

Noticias: También lo conociste a Carlos Alonso de muy chica.
Renata Schussheim: Sí, tenía 14. Él no daba clases, pero como yo era una ladilla, y lo admiraba, logré que me supervisara mis trabajos. Y al poco tiempo apareció la posibilidad de exponer en una galería, el Laberinto, donde cumplí mis 16 años. Me transformé en profesional siendo muy chica. Cuando Alonso bajó la escalera y me saludó como desde un lugar distinto, sentí una emoción increíble.

Noticias: ¿Cómo entraste al mundo del teatro?
Renata: Me gustaba mucho y no sabía muy bien cómo meterme, hasta que lo conocí a Oscar Araiz: nuestro encuentro fue como una epifanía, casualmente. Él me propuso hacer el vestuario para “Romeo y Julieta”. Como siempre digo, el culpable de todo es Oscar.

Noticias: ¿Recordás la sensación de tener que imaginar un vestuario por primera vez?
Renata: Hice cosas muy locas, que hoy no haría, como ponerle al Freddy Romero, pobrecito, un bailarín que murió hace muy poquito, pieles pesadas. ¡Un día se desmayó por el calor al costado del escenario!

Noticias: ¿Eras muy delirante?
Renata: Era una mezcla rara: muy tímida por un lado y muy atrevida por otro. Quería conocer gente, que me conocieran. Iba a las reuniones de El Escarabajo de Oro con Abelardo Castillo; a lo de Julio Katz, donde se escuchaba música clásica y estaba lleno de psicoanalistas; estaba con la gente que después formó Les Luthiers… Y así como algunos dicen ‘yo iba a Hebraica’, bueno, yo iba al Bar Moderno porque todos paraban ahí: pintores, escritores, la bohemia.
Noticias: ¿A Víctor Laplace lo conociste en esa época?
Renata: Él estaba haciendo “Timón de Atenas” y yo era amiga de uno de los Les Luthiers y le dije ‘tenés que presentarme a ese hombre’. Después lo invité a una fiesta y él vino. Ahí fue nuestro flechazo. Hace muchísimo que nos separamos, pero nos llevamos muy bien.

Noticias: ¿Cómo llegaste al mundillo del rock?
Renata: Fue por Charly; lo escuché con “La máquina de hacer pájaros” y le dije a Carlitos Cutaia, ‘me tenés que presentar a ese hombre’. Yo era tremenda: me aparecía y decía ‘tengo que ser tu amiga’.

Noticias: ¿Y se hicieron amigos?
Renata: Sí, muy rápido. Me pidió que hiciera el arte de tapa del disco “Bicicletas”, el vestuario, todo… Después hice algo para Serú Girán; no había un centavo y se me ocurrió armar toda una fronda, como un bosque en el escenario con restos de la poda de árboles. Es muy emocionante el mundo del rock, esa cosa colectiva y multitudinaria es una energía grossa.

Noticias: ¿A Casanovas donde lo conociste?
Renata: En Madrid, tenía amigos que vivían allá y me decían: ‘Hay un personaje que es para vos, que parece salido de tus dibujos’. Y fui a ver su show con un grupo increíble, estaban Piero, Marilina, todo el exilio…

Noticias: ¿Viajaste sola?
Renata: Sí, a mi hijo, que era chiquito, lo dejé con su padre, Víctor, que estaba exiliado con Nélida Lobato en México. Así que fui a ver a Jean François y me partió la cabeza. Me acerqué, también le dije ‘tenemos que ser amigos’, le volqué una cerveza encima y me miró diciendo ‘quién es esta loca’. Después lo empecé a perseguir, nos hicimos amigos y trabajamos juntos.

Noticias: Y lo dibujaste muchísimo.
Renata: Sí, fue como una especie de musa inspiradora, de “muso”.

La cara de Casanovas, su cuerpo histriónico, se reproducen en las paredes del Bellas Artes. También están Charly y Spinetta, tan jóvenes, posando para la cámara junto a Renata; hay bocetos de vestuarios muy osados y, un poco apartada, se esconde la sirena, esa que mira a un falso mar, de espaldas, y que sigue perturbando al público como lo hizo en el Recoleta a mediados de los ‘80. Renata, con un segundo cigarrillo en mano, y repasa sus recientes estrenos en París: “Trabajé para una obra de Rodríguez Arias en Versailles y a los pocos días estrené “El cantor de México”, en París, pero me tuve que venir. Sólo alcancé a leer la crítica de Le Monde. Decía que el vestuario era maravilloso, y me comparaban con espectáculos que fueron míticos en París en los ’80”.

Noticias: Trabajar en París tiene otro vértigo, ¿no?
Renata: Sí, es increíble. Había trabajado en Suiza, Madrid, Barcelona, Finlandia…

Noticias: ¿Finlandia?
Renata: Sí, por Oscar; a él le ofrecen obras y yo le digo que agarre, para viajar. Él odia el frío, entonces voy dos semanas, estoy divina, me vuelvo y digo ‘ay, Finlandia, qué lindo’, y él se queda un mes y medio odiándome.

Noticias: Y fuera del arte, ¿estás en pareja?
Renata: No, estoy bastante cómoda en mi vida, con muchos amigos, con ganas de tener más tiempo para mí.

Noticias: ¿Te sigue gustando el boxeo?
Renata: Sí. Veía mucho por televisión, porque tenía un novio que me enseñó mucho. Vi una pelea en el Luna y me dejó muy impresionada, especialmente por la violencia de las mujeres, que son las que más gritan. Son intensas y yo también.

Noticias: ¿Y por eso el pelo rojo?
Renata: Siempre lo quise tener rojo, siempre lo tuve rojo y nunca me voy a cansar.

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“Impovisaba, ahora actúo”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 4, 2006




Tras 15 años de trayectoria, Osqui Guzmán pasó del under a protagonizar ‘Hermanos y detectives’ en tevé. La obsesión por la tierra de sus padres.

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Su sonrisa tarda en aparecer, lo que un rayo de luz tarda en iluminar una habitación. Osqui Guzmán, así con q, cumplió los 35 años y está coprotagonizando el unitario ‘Hermanos y detectives’ junto a Rodrigo de la Serna y el chiquilín Rodrigo Noya, como un investigador torpe y encantador de apellido Mansilla.

Sin embargo, lejos está este de ser su primer trabajo en el mundo de la actuación.

Todo empezó por casualidad. Un curso del Conservatorio Nacional de arte dramático, fue el gancho que le sirvió para descubrir que lo histriónico era lo suyo.

“El teatro es pura metáfora, es una alegoría de la existencia del hombre”, explica apasionado.
A pesar de la seriedad de la frase, disfruta muchísimo haciendo reir. Fue parte de ‘La banda de la risa’, el grupo de improvisación ‘Sucesos argentinos’ y ahora integra con su esposa Leticia Gonzáles ‘Qué rompimos’.

De todos modos no se encasilla y lo demuestra en la obra dramática que ahora presenta, ‘El niño argentino’ en el teatro Alvear con Mike Amigorena y María Inés Sancerni, bajo la dirección de Mauricio Kartun.

DEL ESCENARIO AL SET.
“La verdad que este paso del teatro a la tele está muy bueno. El reconocimiento masivo de la gente por un trabajo bien hecho, te hace sentir muy bien”, cuenta y agrega muerto de risa“ antes también recibía halagos y cosas por la calle, pero no en la medida en que las recibo ahora. El otro día, subí a un taxi y el chofer me dice: ‘Muy bueno lo que hacías con Fantino. Ahora también estás bien, pibe. Estás actuando, te felicito’. Y lo único que se me ocurrió decirle, fue ‘Claro…antes imporvisaba, ahora actúo’”.

El azar también le dió un empujoncito a su gran talento, para su llegada al programa que marca casi siempre 23 puntos de rating, a pesar de las constantes variaciones en el fixture de la televisión por aire.

Osqui había sido llamado a participar de la película de Damián Szifrón, ‘Tiempos de valientes’ para hacer una escena muy chiquita de limpiador dentro del edificio de la SIDE.

“Casi no voy, porque la convocatoria era a las 6 de la mañana. Pero como se trataba de él, hice el esfuerzo y fuí. Sentado en un rincón dormitaba y preguntaba de vez en cuando si ya me tocaba grabar a mí. Cuando finalmente llegó el momento, hicimos la escena en cinco tomas y me fui contento por haber participado de la película. Y menos mal que fui”, narra gesticulando y con los ojitos chispeantes, como lo haría un chico que cuenta su mejor aventura.

“Hace unas semanas terminamos de grabar todos los capítulos y trabajar con Damián fue un placer. Él es muy meticuloso en todo lo que hace, muy riguroso y muchos pensaban que porque yo venía de la improvisación, iba a chocar con eso. Pero lo que esas personas no entienden, que la improvisación también es rigurosa y meticulosa”, agrega un poquito canchero.

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ENTREVISTA A ALEJANDRO SANZ

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 4, 2006

Alejandro Sanz Alejandro Sanz



Ha vendido un millón de discos en cuatro meses en españa, ha sido premiado como mejor solista nacional y ha batido el rÉcorD de permanencia en el número UNO de ventas que tenía julio iglesias. alejandro sánchez pizarro es el cantante español de los noventa. Por Ana Bueno. Fotografías de Juan Aldabaldetrecu

Alejandro Sanz Alejandro Sanz


Alejandro Sanz leía, de niño, mucha novela. Pío Baroja y Miguel Delibes sobre todo. Y de entonces, quizás, le queda ese aire costumbrista que se respira en su casa, su vida, su familia, sus canciones. Habla y bromea, casi al tiempo, desde su mecedora de cuadros, al fondo siempre La 2, a sus pies, un escabel y una manta Burberrys, a su espalda, la chimenea que suena y luce, y al atardecer, su madre, coquetona, que enciende las luces a tiempo. Porque ésta es una casa familiar, en la que viven los señores Sánchez Pizarro con sus dos hijos, y donde cada día cocina Puri. “La pena”, dice Alejandro, siempre con marcado acento andaluz,”es que mi madre, desde que trabaja en la peluquería que le puse, ya no cocina”.


“Mi éxito es amable, discreto, ni presuntuoso ni avasallador”


La peluquería se la puso él hace unos años. Hasta entonces María siempre fue ama de casa. “Nació en Alcalá de los Gazules y como buena gaditana no hay quien discuta con ella”, dice su hijo. “Cuando viene alguien a casa me pregunta `¿y ése quién es?’, yo le digo `el director general mamá’, o el que sea, y me dice `pues es horroroso hijo’”.


Emigrantes andaluces. María es la misma alcalaína campechana que en los años sesenta emigró de Cádiz a Madrid con su marido, Jesús, y un hijo en los brazos. Ya en la capital, el 18 de diciembre del revoltoso 1968, nació Alejandro que, haciendo honor a su año, pronto fue un rebelde. De los que recorría el barrio, primero Pueblo Nuevo, después Moratalaz, tirando postas y deslizándose en monopatín casero fabricado con rodamientos de camión. Su infancia fue de familia media “tirando a baja”, dice. Tras la escuela, un paso veloz por el instituto y a una academia de la Calle Mayor a estudiar administrativo. Allí llegó para que el director, amigo de la familia, lo “metiera en verea“. Y así lo hizo, siguiendo órdenes de Doña María y para orgullo del implicado que ahora lo recuerda así: “Fue una época bonita. Llegué a la academia cabreado con el mundo, rebelde sin causa y sin pausa y el director me quitó toda la pamplina, me habló en mi idioma y me hizo creer otra vez en la vida, me inculcó ilusiones y ese año fui el primero de la clase. Había espíritu de competencia sana, todos nos queríamos, amores de abril y mayo… En fin, como Fama“. Y aquel director que le habló en su idioma sigue siendo hoy su director. Porque aquel amigo de la familia es hoy quien “pone orden” en la vida del cantante: “Me lleva las cuentas, me aconseja, en fin, sigue siendo mi director”.

Entre familia y amigos, Alejandro tiene quien ponga orden en su vida. Él, mientras, compone, vende miles, ahora millones, de discos en España y medio mundo y bate récords. Ha despedido 1997 vendiendo un millón de copias de su quinto disco Más (Warner) en sólo cuatro meses y superando el récord de permanencia en el número uno de las listas de ventas de España que tenía Julio Iglesias con 16 semanas. Dos logros conseguidos en el mismo año en que le fueron concedidos los premios Amigo y Ondas al mejor solista nacional. Claro, que nada ha sido casual.


“Sólo me he dejado llevar por el instinto”


Alejandro es músico antes que cantante. Compositor de sus canciones y de las de muchos otros artistas y productor, por ejemplo, del disco que publicó hace dos años Niña Pastori, Entre dos puertos.

Su primer disco, Los chulos hay que cuidarlos, lo grabó con 16 años y pasó prácticamente desapercibido. Su carrera como solista arrancó en realidad en 1991, cuando tenía 22 años, con Viviendo deprisa. (7 discos de platino en España y más de un millón de copias en el mundo). Entonces todo un ejército de chicas jóvenes se acercó a su música y hubo quien dudo de su futuro: “Me llamaban cantante efímero. Pero me encanta ser un eterno efímero. La verdad es que con el primer disco la gente siempre es muy escéptica”.


Lento y seguro. Luego vinieron Si tú me miras (1993), Básico (1994), Alejandro Sanz III (1995) y Más (1997), del que ya han sonado dos singles, Y, ¿si fuera ella? y Corazón partío. Una carrera lenta pero segura. Afianzando los pasos hasta conseguir un disco que logra una instrumentación compleja, una producción excelente y un equilibro musical que crítica y público han alabado desde su salida. Su gira española de este año (junio, julio y agosto) será la confirmación. Las entradas para su concierto en el Palau de Sant Jordi de Barcelona el próximo 18 de junio ya se están vendiendo. De momento y hasta mayo, continúa su gira por Hispanoamérica y Europa.

Pero sobre todo, más que el millón de discos o la fama internacional de sus canciones, lo que entusiasma al artista es haber logrado salir del encasillamiento de cantante para fans. “Para vender tanto hay que tener un público muy variado. Eso es realmente lo que hace que un artista se consolide, más que una cifra en sí. Y eso se nota en las giras. He vivido todo un proceso, dando un poco más en cada disco, hasta que llega un momento en que concuerdas con un montón de gente, de diferentes edades y culturas. El secreto del éxito nadie lo sabe pero si de verdad haces algo interesante, lo bueno es que llegue a mucha gente. Y que cada uno aplique a las canciones sus historias particulares. Ése es el sentido de la música. Yo he sembrado un camino y he llegado a una meta, pero no ha sido premeditado. ¡Ojalá tuviera esa capacidad! Sólo me he dejado llevar por el instinto. Y ésta es la primera vez que tengo la sensación de que gusta todo el disco. Me alegro porque mientras se hace un disco se sufre mucho, yo por lo menos”.

Letras directas, cercanas. La vida misma. Así llega Alejandro Sanz a su gente. Mimando los corazones partíos, “y no partidos. Pasando de las formas. No digo desgarrado, digo partío, muy de la tierra, de la calle”. Y además, por si fuera poco, con la guitarra de Vicente Amigo.


“Me llamaban efímero. Me encanta ser un eterno efímero”


Lo ha aprendido muy bien de sus amigos los flamencos. El dolor es productivo. Lo dice Paco de Lucía, “y si lo que dice el Papa… En el flamenco es muy importante el sinvivir, incluso en los momentos álgidos cuando se dice `qué bueno y qué feliz soy, pero no sé lo que durará’. Hay sitios a los que sólo se llega a través de las heridas. Y, a veces, uno las provoca. Es verdad que el dolor te convierte en un ser atormentado y te hace perder el sentido del ridículo, ganar espontaneidad. Es muy diferente cantar sin cojones o con ellos. Sin vergüenza es como mejor se canta. Cuánto más vulnerable te sientes, más invulnerable eres”.

Así, casi sin llamar, sin miedo, contándolo todo y guiado por su instinto, se ha colado en los primeros puestos de la música española. Alejandro cree en ella. Sin complejos. “Llevamos muchos años intentando quitar prejuicios a la gente que oye música española, latina e incluso italiana. En esto me ayudó mucho mi amigo el cantautor gaditano Antonio Reguera. Él, que ama a Pat Metheny, me enseñó a amar también la música italiana. ¿Por qué hay que estar más cerca de Nirvana que de Ricardo Cocciante?”.


Éxito amable.Y además, campechano, sereno y, sobre todo, discreto. Alejandro Sanz no es carne de prensa del corazón. Ya le gustaría a más de uno. Pero él sabe que manteniéndose al margen de este tipo de prensa, se ha ganado el respeto. Prefiere vender su música y, como decíamos, sin molestar, su voz y sus baladas suenan en un millón de hogares.

-Y usted, ¿por qué cae bien?
-Quizás, porque mi éxito es bastante discreto. La música es más importante de lo que parece. A lo mejor, si se pregunta por la calle, la gente conoce más a Enrique Iglesias que a mí y cree que él vende más discos. Mi éxito es amable, ni presuntuoso, ni avasallador. Una cosa es tener éxito, otra, ser famoso, y otra, ser querido u odiado. Yo soy una persona con éxito pero mi fama es relativa. Espero que se siga hablando de mi vida profesional y no de la personal”.

Alejandro Sanz Alejandro Sanz


¿Cuántas novias ha tenido?
Una o ninguna, no sé. Unas cuantas.

¿Y ahora?
Unas cuantas.

El último desamor.
De eso no me gusta hablar.

Pero, ¿ha sufrido o no por desamor?
Sí, sí, sí.

Y tiene el corazón “partío”.
Claro, como el 90% de los españoles, como usted, y si no lo tiene, le quedan diez minutos. Pero eso también es bueno. Si hay desamor, es que ha habido amor y mucho.

Ahora, a por otro amor entonces.
No sé, a por otro, o a por el mismo. ¿Quién sabe?. No sé.

Es usted un clásico romántico.
Me falta la tuberculosis y poco más.

Cuando sufre, compone, ¿y cuando no?
Pues se hace un disco de villancicos.

¿Y por qué sufre?
Básicamente, por amor.

¿Es usted un poeta?
No. Jamás me gustaron ni los reformatorios ni los correccionales. Escribo poesía que nunca publicaré.

Ha llegado su momento.
Soy sagitario y dicen que tengo doce años de fortuna. Ni uno más ni uno menos.

¿Por qué ha vendido tanto?
Ante la posibilidad de vender menos dije no.

¿Qué es un millón de discos?
Diez veces el estadio Santiago Bernabéu lleno de personas con mi disco en la mano. Si lo pienso, me impresiono…

Cuando oye su música en alguna parte…
Me muero de la vergüenza.

¿Se atreve a entrar en un hipermercado?
No, hombre, no, no debería. Pero ni aquí enfrente ni en México. Uno aprende a qué sitios debe ir y a qué hora. Y si me disfrazo, me reconocen por los andares de pato.

Habrá ganado mucho dinero.
Sí, he ganado, sí.

¿Y qué hace con él?
Pagar muchos, muchos impuestos e invertir. Pero no me ocupo yo de los negocios. Mi padre y algunos amigos me echan un cable.

¿Vive con su familia?
Con mis padres y mi único hermano. ¡Y no hay manera de que se independicen oiga!

A diario, comida casera.
Hasta que le puse la peluquería a mi madre. Ahora la hace Puri, la chica.

¿Es flamenco vender un millón de discos?
¡Nooo! Debe de ser la única cosa no flamenca que he hecho.

Sus amigos sí lo son.
Ser amigo de Alejandro es ser flamenco.

¿Cuánto pesa?
Entre 65 y 70 kilos.

¿Y cuánto mide?
1,74 m. Ya podía haber llegado a 1,90 m. en vez de al millón de discos…

¿Le corta le pelo su madre, peluquera?
No, me lo corto yo con la maquinilla cuando me da el punto. Así lo llevo… Es genial para despistar al enemigo.

¿Y esa piedra que le cuelga del cuello?
Un trozo de cuarzo que se carga con la luna y te da energía. Me lo regalaron en Bali.

Su última borrachera.
Antesdeayer… En realidad, dejé de beber hace 4 ó 5 años. Estaba gordo y adelgacé 15 kilos. La noche es “mu” mala.

Su último llanto.
Ayer, viendo una película de los hermanos Marx.

¿Y el anterior?
Antesdeayer, en algún momento emotivo de telecomedia.

¿Cree en Dios?
Sí, pero no practico.

¿Habla con él?
Sí, pero sin intermediarios.

¿Y cuándo?
La verdad es que, como casi todo el mundo, cuando lo necesito.

Sus tres deseos para el año recién estrenado.
Para no ser egoísta seré tópico, pero sinceramente sé que no se cumplirán: justicia, mucha tranquilidad, que la gente está muy alterada, y salud.

Su peor enemigo.
Yo mismo y mis recuerdos. Siempre parece que lo pasado fue mejor. Esto me motiva y me hace trabajar más. Antes era feliz mirando un atardecer. Ahora me cuesta y me esfuerzo en conseguirlo.

El mejor consuelo.
La Berlanga… No, el mejor consuelo es conseguirlo.

Una virtud de Alejandro Sanz.
La constancia.

Y un defecto.
La visceralidad. Soy apasionado en mis reacciones, en mis arrebatos. A veces me levanto con el pie izquierdo.

¿Con qué ideología política se identifica?
Ninguna me satisface. Es difícil. Hubo un tiempo de ideologías contundentes. Era otra época diferente a la que me ha tocado vivir.

¿Monárquico o republicano?
Monárquico.

¿Por qué Sanz y no Sánchez?
No sé, pregúntele a Marylin Monroe. Es como el que se pone el mono para ir a trabajar.

Le acaban de sacar las muelas del juicio.
Dicen que según avanza el hombre tiene menos muelas del juicio, a mí me han sacado tres, seré muy cateto…

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Entrevista a Vicentico, que acaba de sacar su tercer cd solista, “los pajaros”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 4, 2006

“No concuerdo ideológicamente con el rock”

El ex Fabulosos Cadillacs desarticula el convencional discurso rockero cuando dice que le gustaría que con este disco “la gente baile”. En ese sentido, relativiza la protesta. “Si el mensaje de un tema es una bajada de línea, llega solamente al que está preparado para escuchar algo así”, señala.

La voz se adivina del otro lado de la puerta. Pero es un saludo ínfimo, difícil de asociar con los hits que andan dando vuelta por ahí. ¿Timidez? No necesariamente: Vicentico se aferra del picaporte con fuerza porque a los pocos segundos lo atropellan dos perrazos que vienen desde atrás para olfatear la entrada con desesperación. Mientras tranquiliza a los guardianes, el artista invita a pasar a su casa. Hay un Buda de piedra y un jardín con árboles, bajo cuya sombra corretean, como si descansaran de su rutina voladora, varios gorriones. “A mí me gusta ver grupos de animales, sobre todo aves”, anticipa el entrevistado mientras él, el fotógrafo y el cronista se dirigen –en grupo– hacia un sótano acondicionado como estudio. Una vez adentro de la sala, Guillermo Fernández Capello se sienta en el piso y empieza a desandar el camino que lo llevó a su flamante disco, que se llama, justamente, Los Pájaros.

“Fijate que las bandadas vuelan en forma de ‘V’, con una especie de sincronización”, se embala Vicentico. “Lo mismo pasa con los cardúmenes: ves mil peces que de pronto hacen ¡zup! y cambian de dirección todos al mismo tiempo. Esa conexión es un misterio, y a mí me genera muchas preguntas. Porque en general uno siente que el ser humano ha perdido esas formas de comunicación, pero es porque no se fija en cosas como la música y el baile. Este disco es un trabajo para recuperar eso, y contiene la propuesta de ser escuchado desde ese lugar.”

Las canciones del ex cantante de los Fabulosos Cadillacs se han convertido en parte del paisaje urbano, al punto de que en los trenes hace tiempo que los pasajeros se acostumbraron a escuchar niños tratando de ganarse la vida con versiones a capella de “Los caminos de la vida”. Vicentico asume los retos de ese carácter callejero. Por eso apostó otra vez por sonidos que parecen hechos para rodar por asfaltos y adoquines: “Me gustaría que con este trabajo la gente baile. No me estoy refiriendo a saltar alocadamente, prender bengalas y cagarnos a trompadas entre nosotros. En la danza hay algo importante que estamos dejando de lado. Mirá lo que pasa en los barrios con la cumbia. En cualquier reunión los muchachos ponen cumbia y la gente se junta a bailar. Eso es liberador”, define.

–De hecho, su nuevo disco tiene una canción, “El baile”, que dice: “Porque fue duro vamos a festejar/que el perro que robaba se tuvo que guardar”…

–Es que yo siento que ya se dio el gran cambio que yo esperaba. Percibo que me pasó algo de lo cual ya no hay vuelta atrás. A mucha gente le está sucediendo lo mismo: entendimos cómo funcionan las cosas en este pequeño barrio. Yo ya no me como más ninguna, ni política ni religiosa, ni nada.

–Suena nihilista. Pero la canción es alegre…

–Es que en el nihilismo hay una alegría muy grande. A mí me produce mucha felicidad el no recibir órdenes de nadie. Eso no significa que uno no haga las cosas con una conciencia profunda. Al contrario. Pero sí he aprendido que a veces, sin darte cuenta, vas haciendo pequeñas resignaciones. Al principio parece que tienen que ver con pelotudeces; pero se acumulan y te hunden. Trato de esquivar eso. Llamalo nihilismo, si querés.

–¿A qué se debió ese cambio en usted?

–A veces estás atento y te das cuenta de que cambiaste en algo importante. A veces estás desatento y vas haciendo la metamorfosis sin darte cuenta; y a veces te creés que cambiaste y no cambiaste un carajo. Esas cosas no tienen un momento preciso y no pasan solamente con la música. Yo lo siento, sin ir más lejos, con las modificaciones que se dan en mi cuerpo. Para mí el físico es muy importante, aunque no parezca…

Recostado, Vicentico se señala la barriga y ríe. Debe haber poca gente en el mundo del espectáculo capaz de hacer esa broma. “Muchas veces logro un estado ideal y creo que voy a poder mantenerlo –se sincera el ex Cadillac–; aunque después por ahí pasa un año en el que no hago absolutamente ningún ejercicio y vuelvo a la situación anterior.”

–Esas fluctuaciones de su panza, ¿tienen alguna influencia en su condición de cantante?

–Puede ser. En todo caso no me doy cuenta. Para mí el canto pasa por un lugar más hondo. Hay cosas que siento que me afectan más, como el hecho de poder tocar en vivo. Eso sí te va modificando: a pesar de que la experimentación en los conciertos puede exponerte al ridículo, también te enseña cosas que cuando se fijan, quedan para siempre.

–A esta altura, queda claro que muchos compositores destacados se están yendo del rock, y no solamente desde el punto de vista musical. ¿Acaso el género se ha convertido en una anacronía?

–En lo que yo no acuerdo con el rock es en lo ideológico, en eso de que “tenés que ser así o asá” porque si no quedás como “blando” o como no sé qué. Tampoco me sirve el rock de protesta. Me gusta Bersuit; pero las canciones de ellos que más me atraen son las que no hablan tanto de “lo social”. Si el mensaje de una canción es una bajada de línea, llega solamente al que está preparado para escuchar algo así. En cambio, cuando Cordera interpreta una canción tierna, modifica algo que tiene que ver con lo íntimo del que está escuchando. Yo me planteo llegar ahí…

–Al espacio personal, que también tiene una dimensión política…

–Claro, porque esas son las luchas más auténticas que una persona puede dar. Pelear por tu familia, por tu mujer, por tu casa. Los enfrentamientos más típicamente “políticos” son tramposos. Al principio empiezan más o menos, pero después se confunde todo.

–En esa búsqueda de simpleza parece estar también Andrés Calamaro, que de hecho tocó en “Felicidad”, uno de los temas nuevos…

–…Y fue uno de los momentos que más disfruté, porque conseguimos sonar salseros, algo que con LFC intentamos con resultados dispares. Sí, con Andrés me siento muy emparentado. Hay quien, aún con cariño, opina que las nuestras son canciones “fáciles”. Yo no estoy de acuerdo: me parece que esa es una perspectiva expresada desde cierta forma de escuchar música. Conseguir la simpleza es lo más difícil. Tranquilamente yo podría ponerme en “freak”, pero estoy a la pesca de otra cosa. Por otra parte, en mis tres discos solistas lo conceptual tiene un peso enorme. El concepto es: “Toca el mismo compositor haciendo canciones que para él tienen un significado juntas”.

–¿Qué influencia ha tenido en esas búsquedas su hijo? Con sus once años y después de haber tocado juntos varias veces, ya debe ser parte del equipo creativo…

–Florián me conecta con mi propia infancia. A veces, mientras estoy ensayando arriba, me llega lo que él está tocando abajo, y eso es muy inspirador. Siempre que un artista comparte el espacio con otro aparecen cosas nuevas, y en este caso es lindo zapar con un músico con el cual uno tiene un vínculo tan grosso.

Algunos señalan que la relación del entrevistado con su público en los conciertos no respeta ningún marco de amabilidad hipócrita. “A veces –explica Vicentico– veo en la tele a Mirtha Legrand puteando al que puso mal un cable. Lo primero que uno dice es ‘qué hija de puta que es esta vieja’ (risas). Pero yo después pienso ‘¡pero tiene razón La Señora!’. ¡Hace veinte años que pone la jeta todos los días y un pelotudo se tropieza y le tira todo!” De todas maneras, no está en los planes del muchacho nacido en 1964 empezar a conducir almuerzos ni ponerse irascible por demás. “Trato de pensar mi carrera como un oficio. Igual, cuando tenés mucho laburo, es cierto que podés andar un poco alterado”, aclara.

Está claro que fuera del escenario, el tipo que sigue hablando de rock, amigos y filosofía oriental desde el suelo no ha dejado de ser el que un día salió a jugar por primera vez en las calles de su Boedo natal. Tiene puesta una camisa que se arremanga permanentemente y confiesa que lo incomoda cuando alguna ropa lo hace sentir “un chanchito rosado”. Como cualquier hijo de vecino, intenta empilcharse un poco más cuando lo amerita la ocasión. “El otro día –cuenta– hice unas fotos de prensa y saqué del placard un saco. Cuando volví a casa me puse a ver un video de los Cadillacs de hace catorce años y me di cuenta de que tenía el mismo saco. Un bochorno… Después encima vi un diario viejo en el que presentábamos La marcha del golazo solitario ¡Otra vez la misma ropa! ¡Un horror!”

Invitados y amigos

El creador de Los Pájaros llega a su tercer disco solista con el aval de su trayectoria en los Cadillacs, más un álbum que llevó su nombre artístico y una confirmación casi inmediata de su senda en solitario, Los rayos. En las canciones nuevas hay invitados que sembraron guiños por muchos lugares. “Ayer”, un tango de Daniel Melingo que originalmente se editó en el CD Tangos Bajos, fue reinventada con la ayuda del ex Cadillac Flavio Cianciarulo, quien se sumó al autor, a Walter Arricau y a Hugo Lobo. Melingo y Cianciarulo participaron también en la grabación de “Las manos”, donde también pueden escucharse los teclados del pequeño Florián Fernández Capello. La conexión con Andrés Calamaro se vislumbra a través de sus aportes como vocalista en “Felicidad”. Cuando se le menciona que el disco con Andrés es un sueño de los fans, Vicentico jura que “hacer algo extendido con cualquiera de los que participaron en este laburo es algo que me encantaría. Pero somos muy parecidos; todos compositores y cantantes”.

 

Valeria y los árboles

Vicentico usa un colgante que simboliza la mitad de un corazón. La otra mitad la tiene la actriz Valeria Bertuccelli. Tanto romanticismo puede parecer un resabio juvenil, pero el cantante asegura creer “absolutamente” en las almas gemelas. “Con Valeria me pasa como con esta casa. Acá he plantado esos árboles que ves ahí, y no vendería el lugar ni por doscientos millones de dólares, porque quiero verlos crecer durante toda mi vida.” El amor cruza a Los Pájaros transversalmente, iluminando canciones como “Desapareció”, una especie de tributo a los Bee Gees que continúa la actitud desprejuiciada con la que en su momento se rescató “Algo contigo”. Otro de los puntos altos es “Si me dejan”, un tema que pertenece al linaje de “La parte de adelante”, canción de Calamaro que versionaron recientemente LFC.

–Vivir con una actriz, ¿influyó de alguna manera en la expresividad de su voz?

–Más que ser influido, creo que soy parte de un grupo de gente que trabaja en tareas afines. Soy hijo de un titiritero, por ejemplo; y me preocupo por presentar en tres o cuatro minutos una pequeña obrita de teatro, con su presentación, su desarrollo y su desenlace. Donde me ayuda mucho Valeria es en la parte más grande. A veces, frente a ciertos shows, una palabra de ella puede ser una ayuda grossa.

Pajaritos que vuelan alto

Por Eduardo Fabregat

¿Cómo no celebrar la salida –y sobre todo la escucha– de Los Pájaros, el nuevo disco de Gabriel Fernández Capello? En un medio atosigado por un rock ramplón, previsible y poco cultivado, en el que los mayores esfuerzos se ponen en el culto al aguante y los postulados más básicos del género; un medio en el que los rockers verdaderamente grandes y creativos en ese género –Divididos, La Renga, Los Piojos, Las Pelotas, Skay, el Indio–- hicieron este año silencio de disco, es necesario que un puñado de artistas venga a recordar que lo que hizo original al rock argentino, lo que le dio identidad y potencia, son las canciones y no la cáscara. Vicentico, como Calamaro, como Cerati, como Spinetta o Estelares (quienes sí editaron este año), es un sensible artesano de melodías, no un mero replicador de lugares comunes o un burócrata del pentagrama. Y si Los rayos había dado pruebas de que el Cadillac iba más allá de la prolija producción de su debut, estas diez canciones aladas lo confirman como un artista no sólo disfrutable, sino también necesario.

Con la experiencia de años de ruta y estudio, además, en este disco Vicentico supo no sólo componer, sino también producir. Eso se advierte en el aire general de Los Pájaros pero también en el modo en que fluye, desde el hit inicial –“El árbol de la plaza”, tan potente como “Los caminos de la vida” pero con firma propia– hasta el climático cierre de “Las manos”. En el medio, el cantante entrega canciones sencillas (que no es lo mismo que “fáciles”) y redondas, apoyadas en su afinada antena melódica y su personalísima voz, que siempre se apoyó en una notable expresividad antes que en la técnica. Apelando a un solo cover, la preciosa versión de “Ayer” de Daniel Melingo, Vicentico brilla en “Si me dejan”, especie de prima hermana de “La parte de adelante” (versionada por LFC en Calamaro querido!), el aire centroamericano de “Felicidad” junto a Calamaro, la placidez de “La deuda” y el demoledor ataque mariachi de “El fantasma”, llamado a la fiesta a tequilazo puro. Con el desprejuicio estilístico que pregonó más una vez, además, se anima al cumbiazo con “El baile” y revisita el soul alla Bee Gees en “Desapareció”, y el registro final hace que ninguna de ambas decisiones lo salpique de grasa. Así le da forma a un trabajo que confirma sus valores conocidos y abre nuevas perspectivas, que parece encerrar su declaración de principios en el final, cuando Vicentico pide que “La gente buena que se ponga a tu lado/ la gente buena que se ponga a cantar/ Nuestra canción da pelea/ Cerremos los ojos que el monstruo se va”. Las canciones dan pelea, y Vicentico las larga a volar.

* Para Benicio, pájaro de alas flamantes.

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Claudia Lapacó: “Me siento muy feliz con mi pequeña vida”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 4, 2006

Fue modelo publicitaria, vivió en París, pasó de la comedia al drama y no desesperó cuando no tuvo trabajo. A los 66 años reconoce que la clave estuvo en saber achicarse a tiempo y en celebrar las ceremonias cotidianas.

Podría tratarse de una memoria envidiable o, seriamente, de una escena imposible de olvidar para quien sabe que esa noche, cuando era así de chiquita, supo qué quería hacer cuando fuera grande. Lo cierto es que pasaron casi 60 años de aquel día en el que los padres de Claudia Lapacó la llevaron al Tronío a ver el show de Lolita Torres. “Ella recién empezaba, tenía sólo 10 años más que yo y quedé prendada de esa magia. Me acuerdo que cantaba El caramelero y que llevaba un canastito con caramelos de leche mu-mú que luego regalaba a la platea. Tenía un trajecito de torero en gris clarito y estaba preciosa. Salí de ahí y dije quiero hacer eso“, cuenta la mujer que, entre otras cosas y a pesar de algunos pesares, se pudo dar ese gusto en la vida.

Ese eso de sus sueños fue mucho más allá de aquel cuadro musical de Lolita. Fue teatro de revista, fue cine, fue TV, fue drama, fue comedia, fue canto, fue baile, fue en la Argentina, fue en París. “Todo lo que hice me ha servido para construir este camino… Y todo lo que no hice, también: que me hayan rechazado en la prueba del Colón para ser bailarina clásica, cuando tenía 13 años, terminó ayudándome para poner el foco en la actuación”, se ufana de la decisión ajena.

¿Sufriste ese día?

No, de verdad que no. Nunca sufrí con esas cosas… prefiero leerlas como que no son para mí. En general, yo no me aferro al dolor. Y fijate que esa puerta que se cerró abrió otras.

Como las que se abrían, por ejemplo, en el preciso instante que en ella se encerraba en el cuarto de su madre para darle rienda suelta a la fantasía: “Era mi juego favorito cuando era niña. Me quedaba ahí, sola, dos horas, y me probaba sus vesidos y luego salía y desfilaba mis distintos personajes”. Aquellos eran tiempos en los que vivía en Morón, en los que era capaz de pasarse ocho horas con su hermana en el cine del barrio viendo tres películas, “el acto vivo y el noticiero. Salíamos de noche con la panza llena”. El ritual incluía un cuarto de masas secas que compraban justo antes de entrar en la confitería de enfrente.

Ahora, en un atardecer primaveral, mientras los recuerdos le acarician una sonrisa, Lapacó le pone palabras a “una infancia marcada por la libertad que me dieron mis padres. Ellos me mostraron el mundo del arte y luego me animaron con la actuación. Mi padre siempre me decía En lo que hagas te tenés que destacar. No era una presión, era un gran consejo. Por eso me formé y peleé por lo que quise, sin renegar ni de cuando trabajaba como modelo publicitaria ni de mi debut teatral”.

Su primera vez, con la obra Somos nietos de una abuela, de Abel Santa Cruz, le dejó más dulzura que sinsabor, aunque confiesa que “luego del éxito arrollador que teníamos, le dije a Tincho Zabala algo que él siempre me recordó: Este no es el teatro que yo quiero hacer. Por eso no seguí en esa compañía y probé con el teatro independiente, pero no me arrepiento de ese comienzo”.

A los 66 años, la mujer que ahora se luce en la obra Días contados (complejo La Plaza) y en Al límite (el unitario de Telefé), siente que a partir de Doble vida le encontró “una motivación a la tele. Antes no me sentía exigida por el medio, pero ahí pude bucear en otras zonas (un personaje con varias miserias a flor de piel). A mí lo que más me divierte es el riesgo. Si bien no hice mucha TV, estaba un poco cansada de hacer la madre buena, como la de Resistiré o la de Naranja y 1/2″. Claro que la pantalla también la contó como la bailarina de los Sábados circulares de Pipo Mancera, en los que su cuerpo provocaba más de un suspiro.

“Mi momento más difícil fue cuando pasé de sólo lo exterior, de la belleza, a la composición, a buscar mirando hacia adentro”, dice la mujer que no sólo habla del trabajo en este caso, la mujer que confiesa que “la estética ya no es un tema que me preocupe. Yo sabía que cuando la belleza aflojara no iba a pasar nada malo, que lo importante es tener herramientas. El paso del tiempo me hace sentir crecida. Tal vez esté un poco vagoneta y deba caminar más, bajar un poco de peso… Pero mi estado de plenitud pasa por otro lado: me siento muy feliz con mi pequeña vida. Hablo de lo cotidiano, de mi vida en mi monoambiente —en Colegiales—, de disfrutar las ceremonias diarias”.

Madre de dos varones y abuela de cuatro nietos, sabe que su pronunciación en francés —sólo cuando es necesaria— se puede llevar de maravillas con frases del tipo de “no extraño lo que tuve. Para mí achicarse no es conformarse. Es ser realista”.-

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ENTREVISTA AL GANADOR DE DOS GRAMMY LATINOS

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 4, 2006

Cerati: “Yo no me la creo mucho”

Ganó en dos rubros clave: Canción de Rock y Album de Rock Vocal. Otros premiados presentes en la entrega fueron Gieco y Cachorro López. “Clarín” estuvo en el Madison Square Garden y cuenta todo.

A pesar de haber sido nominado en años anteriores, esta es la primera de las siete entregas de los Grammy latinos que cuenta con la presencia de Gustavo Cerati. El dice que antes le daba “fiaca”, y que esta vez vino porque ama Nueva York. Fue oportuno: Ahí vamos resultó votado como Mejor Album de Rock Vocal, y Crimen, como Mejor Canción Rock. Indirectamente, también ganó un tercer premio: él fue uno de los productores de Fijación oral volumen 1, el disco de Shakira que se consagró como Album del año. Copa de tinto en mano, un relajado Cerati se paseaba a sus anchas por los salones del Sheraton donde se hizo la fiesta posterior a la ceremonia, sacándose fotos con cuanto fan se lo pedía y admitiendo que sí, que estos premios le dan cierta felicidad.

Antes les habías restado relevancia…

Cuando los ganás, los Grammy son importantes (risas). Son reconocimientos que, quizá, son más para los demás que para uno: a partir de recibirlo, uno no para de recibir también felicitaciones y muestras de alegría de parte de la gente que tiene que ver con la industria. Siento la palmada en la espalda de la gente del medio. Yo no me lo creo mucho, pero está bueno. Había tenido varias nominaciones pero siempre había perdido, y ahora terminé con ese aura de loser que me perseguía.

¿Qué sentiste cuando Shakira en uno de sus agradecimientos te mencionó y te dijo “maestro”?

Shakira es divina, lo hace de corazón. Tiene una gran admiración por mí y por mi trabajo, y fue una gran cosa haber trabajado con ella. Quedé muy conforme: a mí me sirvió mucho, y a ella también. Tiene mucha energía y necesita apoyarse en gente en la que crea y confíe. Esa fue mi función.

¿Se entendió en la Argentina que hubieras trabajado con ella?

Sé que parece extraño que yo haya trabajado con Shakira. Pero aprendo de todo: no hay que tener tanto prejuicio. Si no, uno se va armando de corazas y no ve la belleza del otro. Quizás haya diferencias artísticas entre nosotros, pero no es un motivo para dejar de trabajar con ella. Es una artista que vende millones, que puede pagarle a cualquiera para que sea su productor: que me haya elegido a mí es un orgullo.

Cachorro López dijo que si esta entrega de premios hubiera ocurrido en el 86, Soda Stereo habría arrasado con todo. ¿Qué pasó en estos 20 años con el liderazgo musical argentino en Latinoamérica?

Cuando Soda Stereo estaba haciendo destrozos en Latinoamérica, todas estas entregas de premios no existían. Por ahí, Soda Stereo tuvo que ver con todo este movimiento. Pero es real que aquel liderazgo se perdió. Por varios motivos: uno es la mirada en el ombligo que tenemos los argentinos, algo que se acentuó con la pauperización. Argentina no es un mercado tan grande: México nos pasa por encima, y eso esta noche quedó demostrado; son millones. A la globalización, musicalmente la Argentina le respondió con una especie de contraglobalización: se empezó a autoabastecer, y así se perdió mucho terreno. Los únicos que entendieron las cosas y se abrieron camino fuera del país son Babasonicos y Miranda! Igual, a pesar de los años de ostracismo respecto a Latinoamérica, seguimos siendo vistos como una guía musical. Soda salía a Latinoamérica con esa chapa. Muchos artistas de rock graban en Buenos Aires, o contratan productores argentinos. Los músicos extranjeros todavía buscan ser reconocidos en la Argentina, aunque en contrapartida sean pocos los grupos argentinos que llegan al mundo. A mí me reconocen porque en su momento trascendí las fronteras.

¿Te sentís más reconocido afuera que en la Argentina?

No, es importante el reconocimiento que tengo en mi lugar. Si no, hace tiempo que me habría ido del país. Es cierto que si me hubiera ido a Miami o México, por ahí ahora estaría ganando más plata. Cuando venís a Estados Unidos te das cuenta de lo importante que es el tema de los contactos, de las relaciones públicas. Cada vez que me voy de acá siento que me estoy perdiendo millones de oportunidades. Pero siempre vuelvo a la Argentina.

“Ahí vamos” tuvo más repercusión que tus anteriores discos solistas. ¿Lo ves como el despegue definitivo de Soda?

No sé si significa eso. Sí creo que este tercer paso que doy como solista después de Soda es el más conciso. Ahora estoy empezando a cosechar la siembra de mis discos anteriores.

¿No sirve para que te dejen de preguntar por el regreso de Soda Stereo?

Siempre me van a preguntar por Soda. Si no es por la lejanía, es por la cercanía: te preguntan por qué seguimos separados o por qué el sonido de este disco se relaciona con el que tenía Soda. Y es lógico: con Soda pasé 15 años bien arriba, 15 años en los que casi no hubo sombras. Y eso no se puede negar.

Ganadores

-grabación del año SHAKIRA LA TORTURA
-canción del año SHAKIRA LA TORTURA
-álbum del año SHAKIRA FIJACION ORAL VOL.1
-álbum vocal pop femenino SHAKIRA FIJACION ORAL VOL.1
-álbum vocal pop masculino RICARDO ARJONA ADENTRO
-mejor artista nuevo CALLE 13
-álbum vocal pop dúo o grupo LA OREJA DE VAN GOGHGUAPA
-álbum de rock vocal GUSTAVO CERATI AHI VAMOS
-canción de rock GUSTAVO CERATI CRIMEN
-productor del año CACHORRO LOPEZ
-artista nuevo CALLE 13
-álbum de música alternativa JULIETA VENEGAS LIMON Y SAL
-álbum de rock vocal dúo o grupo NATALIA Y LA FORQUETINA CASA
-álbum de jazz latino GONZALO RUBALCABA SOLO
-álbum folklórico MERCEDES SOSA CORAZON LIBRE
-álbum de tango CAFE DE LOS MAESTROS CAFE DE LOS MAESTROS
-álbum flamenco DIEGO EL CIGALA PICASSO EN MIS OJOS
-álbum de rock brasileño PARALAMAS HOJE
-álbum de tango CAFE DE LOS MAESTROS CAFE DE LOS MAESTROS
-álbum de música romántica ROBERTO CARLOS ROBERTO CARLOS
-álbum tropical tradicional ANDY MONTAÑEZ Y PABLO MILANES AM/PM LINEAS PARALELAS
-álbum instrumental BEBO VALDES BEBO
-álbum cantautor PABLO MILANES COMO UN CAMPO DE MAIZ
-video musical versión larga BLANCO Y NEGRO EN VIVO / UN VIAJE BEBO & CIGALA / CAFE TACUBA
-video musical versión corta ATREVETE TE TE CALLE 13
-álbum de música urbana CALLE 13 CALLE 3
-álbum de música clásica MICHEL CAMILO Y ERNEST MARTINEZ IZQUIERDO RHAPSODY IN BLUE
-álbum de pop contemporáneo brasileño SERGIO MENDES TIMELESS
-álbum de música popular brasileña MARIA RITA SEGUNDO
-álbum cristiano MARCOS WITT DIOS ES BUENO
-álbum norteño LOS TIGRES DEL NORTE HISTORIAS QUE CONTAR
-ingeniería de grabación para un álbum FIJACION ORAL VOL.1
-diseño de empaque LAURA VARSKY CAFE DE LOS MAESTROS
-canción tropical FONSECA TE MANDO FLORES

 Cachorro López


Quizá la noche del jueves haya sido la última de un Cachorro López de bajo perfil. Después de tantos silenciosos años como fabricante de éxitos de cantantes como Diego Torres o Cristian Castro, la industria lo bendijo como Productor del año, en una categoría en la que competía con Gustavo Santaolalla, por ejemplo. Además, Limón y sal, el disco de Julieta Venegas que él produjo, fue el Mejor Album de Música Alternativa. Igual, mantiene la sobriedad: “Siempre digo que los premios son relativos, porque la música no es algo competitivo. Y haberle ganado a Santaolalla no significa nada: somos amigos y él está contento de que yo haya ganado”.

¿Por qué los premios de los argentinos quedaron afuera de la televisación?

Es que en el mundo latino, los artistas más grandes no vienen de la Argentina. Tuvimos la punta de lanza en los 80, con el rock nacional, pero ese liderazgo cayó primero en manos mexicanas y ahora parece estar en manos colombianas.

¿Por qué?

Hay circunstancias en la Argentina que no favorecen que se genere música atractiva para otros países. Como el fenómeno del rock chabón, de los grupos que en lugar de auditorios tienen hinchadas de fútbol. Es difícil que eso se vea atractivo fuera del país.

 León Gieco


El jueves León Gieco se paseaba relajado con su mujer, Alicia, por los pasillos del Madison: no le importaba demasiado no haber ganado los dos Grammy por los que competía (perdió a manos de Shakira en Album del Año, y de Pablo Milanés en Album de Cantautor). En primer lugar, porque estaba feliz por los premios que se habían llevado sus amigos Mercedes Sosa (Corazón libre fue el Mejor Album Folclórico) y Gustavo Santaolalla (Café de los maestros fue el Mejor Album de Tango y tuvo el Mejor Diseño de Empaque). En segundo lugar, lo suyo había ocurrido la noche anterior: el miércoles había recibido el Premio a la Excelencia Musical, junto a colegas como Paloma San Basilio, César Camargo Mariano o Johnny Ventura.

“Fue muy emocionante, resultó el cierre de algo. Porque justo me lo dio Santaolalla: hace 30 años yo grababa mi primer disco, y él, con ese disco, hacía su primera producción musical. Además, fue en el salón Rainbow, que quiere decir Arco Iris, el nombre del primer grupo de Gustavo. Fue todo muy simbólico”, contó en la fiesta posterior a la ceremonia, mientras intentaba cazar un canapé. “Sé que es especial recibir un premio así. Pero para mí es tan valioso como los que me dan cada vez que visito pueblitos perdidos de Argentina”.

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ENTREVISTA A BARBARA CASSIN

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 4, 2006

La lengua intraducible de la filosofía

Durante doce años, Barbara Cassin amasó las 1.531 páginas de un Vocabulario Europeo de Filosofías. En él, pensadores de todo el mundo interpretan cinco mil expresiones en quince lenguas. La riqueza del pensar, dice, está en las diferencias, equívocos y ausencias que a menudo las traducciones vuelven invisibles. El suyo, en cambio, es un “diccionario de intraducibles”.

La lengua de Europa es la traducción, decía Umberto Eco. No es una lengua más entre otras sino una puesta en relación, una conexión, un gesto. De esa definición, de la imagen de Europa que de ella deriva, partió Barbara Cassin al imaginar, dirigir y publicar el Vocabulario europeo de las filosofías (Seuil, 2004), obra que llevó doce años e involucró a ciento cincuenta investigadores razonando sobre unas cinco mil expresiones pertenecientes a quince lenguas. Mím¬sis, object, ser-estar, Beruf, Pravda, right-just-good, Torah son algunos de los términos que el Vocabulario explica, ya sea a través de su evolución semántica, por la gramática en la que se insertan o por su relación con otros términos que supuestamente los traducen (piénsese, por ejemplo, en las diferencias conceptuales presentes en el par right – droit).

En su forma final, con contribuciones de Etienne Balibar, Remi Brague, Fran©ois Hartog, Jean Bollack, Giulia Sissa, Remo Bodei, el ucraniano Andrei Vasilchenko, el colombiano Alfonso Correa-Motta y el brasileño Fernando Santoro, entre otros, el Vocabulario… resulta ser mucho más que un “diccionario europeo”. Si una lengua, como dice Cassin evocando a Lacan, no es sino “la suma integral de los equívocos que su historia dejó subsistir”, la filosofía occidental no es sino la suma de los problemas surgidos de esos equívocos lingüísticos y conceptuales, atravesados por la historia. El Vocabulario…, que lleva por subtítulo “Diccionario de los intraducibles”, se diferencia entonces de una historia completa de la filosofía europea apenas por una cuestión de énfasis.

Especialista en sofística, Barbara Cassin estuvo en Buenos Aires: dictó un curso y participó de un coloquio de filosofía griega. En ese marco apareció la primera pregunta de la entrevista.

- —¿Hay un vínculo entre los sofistas —pensadores muy atentos a la plasticidad de la lengua—y el proyecto de este diccionario?
- —Los griegos eran orgullosamente monolingües: no tenían relación con la pluralidad de lenguas, salvo para decir que los demás son bárbaros, que es imposible entenderlos. La sofística, en cambio, es un discurso de performance, un discurso que procura hacer algo real, fabricar el mundo, en particular para la política y la literatura. Frente a la ontología —al discurso que va de Parménides a Heidegger: un discurso fiel al ser— la sofística se presenta como discurso retórico que fabrica el ser. Al sumergir la problemática sofística en la pluralidad de lenguas se obtiene este diccionario. La idea es ver cómo las lenguas son otras tantas formas diversas de fabricar el ser. Humboldt decía que un idioma es una red que se arroja sobre el mundo: cada una trae distintos peces.

- —¿En qué sentido este diccionario sería, como la sofística, una forma de “hacer” política?
- —El diccionario es una tarea política respecto de la construcción de Europa y del mundo que queremos, por tanto tiene dos “enemigos”. El primero es el globish (el inglés de las comunicaciones globalizadas), que no es una lengua sino un instrumento de transmisión internacional. Un medio de comunicación liso y llano que permite pedir un café o dar una indicación y, en Europa, sobre todo, solicitar subsidios a Bruselas. Es el idioma del dinero. El idioma del imperio americano (alguna vez lo fue el latín, o en un momento dado, el francés). Para mí, la peor hipótesis para Europa sería ese globish por un lado y dialectos por otro. Me refiero al francés, italiano, español, portugués e incluso inglés (el inglés de Shakespeare, de Joyce, que es, respecto de este globish un mero dialecto). Hoy, si se hace un coloquio de filósofos en Alemania, todos hablan pésimo inglés —los franceses peor todavía que los demás; los alemanes, un poco mejor—. En todo caso, al que nadie va a entender es al tipo que viene de Oxford y que habla su inglés perfecto de Oxford. Entones, mi primer enemigo en el diccionario es que todo se reduzca a pura lengua de comunicación. Mi segundo enemigo es el nacionalismo ontológico: creer que hay lenguas mejores que otras; más aptas para decir el ser (como una caricatura de Heidegger, para quien el alemán podía ser más griego que el mismo griego). En un caso, no hay necesidad de traducir porque todo se comunica en inglés. En el otro tenemos lo intraducible sacralizado: Logos, Aletheia, Sprache son términos sacralizados como intraducibles. Pero la lengua no es sólo un medio de comunicación. Produce cosas. Y hay muchas lenguas. Por tanto, las entradas del diccionario no son sólo conceptos, sino palabras y palabras en lengua. Después de Babel se filosofa en lenguas (en plural) con felicidad, tratando de ver qué riqueza nos aporta.

- —¿Qué significa “intraducible”?
- —Intraducible no es lo que no se traduce; es lo que no se para de traducir. Lo que no paramos —un poco lacanianamente— de (no) traducir. Son esos síntomas de la diferencia de las lenguas, que pueden ser semánticos o sintácticos; pueden ser palabras o maneras de construir (que haya o no géneros en una lengua; que haya o no un género neutro; que se adopte determinado orden de palabras; hay un artículo sobre el alemán cuyo subtítulo es “Metafísica de las partículas”). El Vocabulario de las instituciones indoeuropeas, de Emile Benveniste, podría ser un antepasado de este diccionario, sólo que él compara las instituciones con los términos que las nombran y nosotros tratamos de comparar las filosofías en sus textos escritos en lenguas, atendiendo a las discordancias, ya que son las claves para nuestra inter-comprensión. En vez de ocultarlas, reflexionamos sobre los espacios que crean. Partiendo del presente, retrocedimos tan lejos como fuera necesario: griego, latín, árabe, hebreo. Hay hasta palabras en vasco.

- —Decía que el inglés es la lengua del imperio americano. En su perspectiva ¿qué tipo de filosofía “fabrica” esa lengua?
- —Más bien diría que esa lengua del imperio es apuntalada por cierto filosofema. La filosofía analítica anglosajona apuntala el predominio del inglés por lo menos de dos formas: la primera es que —como buena filosofía universalista, heredera de las Luces— habla por conceptos. Hemos conservado el concepto a través de las épocas y las lenguas y por tanto esa filosofía está pegada a la historia y las lenguas, y así confirma el imperio del inglés. De una manera mucho más difícil de circunscribir, la filosofía analítica —hasta la que me resulta más inteligente, como la de Stanley Cavell—, en la medida que se ocupa del lenguaje común y pretende desinflar los globos metafísicos, al hacerlo se apoya en el inglés como idioma corriente: “lengua del empirismo, lengua de los hechos, lengua tal como se habla, capaz de desinflar las fantasías”. Confirma de nuevo la unversalidad del imperio analítico.

- —¿Se hicieron traducciones de todo el – Vocabulario- ?
- —Hay una en curso: al ucraniano y al ruso.

- —¿Qué criterio adoptaron en la cuestión de la originalidad de las lenguas?
- —Lo que apareció constantemente fue el viejo problema —que va del romanticismo alemán a Heidegger— del genio de las lenguas: de si una lengua está arraigada en la autenticidad de un pueblo, raza o nación. Yo creo que el mismo gesto del diccionario disloca al genio por su manera de poner de manifiesto y valorar las diferencias. Eso es desterritorializar. Un gesto bien deuleuziano: mostrar que la originalidad se ve mejor desde afuera; que es desde afuera que se puede afirmar que hay un adentro.

- —Años atrás, uno de sus colaboradores, Lambros Couloubaritsis, de Bruselas, mantuvo una polémica con el canadiense Louis-André Dorion por el alcance y la distinción entre “filosofía occidental” y “filosofía europea”. ¿Por qué usted eligió el nombre “vocabulario europeo”?
- —Bueno, Occidente, en francés, está identificado con los partidos y grupúsculos de extrema derecha. Así que no podemos decir que hacemos algo occidental. Decir “europeo” es menos feo. Pero claro: detrás de Europa está la expansión de Europa y una Europa políticamente colonialista. Por lo tanto, ¿qué significa un vocabulario europeo de filosofías? Significa que no llegamos a lo inconmensurable: el chino, japonés, persa o hindú. Nos hemos mantenido, digamos, en lo que parece constituir nuestro cotidiano europeo. Aunque han sido brasileños los que hicieron los artículos del portugués y latinoamericanos los que hicieron artículos del español. Así que “europeo” no tiene mucho sentido desde el punto de vista de las lenguas.

- —Antes mencionó la herencia heideggeriana. Usted conoció a Heidegger, asistió al célebre seminario de Le Thor, en 1969. ¿Cómo influyó en su carrera?
- —Bueno, por ser alumna de Heidegger empecé a preguntarme cómo se podía ser presocrático de otra manera; diferente de la que él describía para Parménides. La lectura heideggeriana de Parménides me hizo ir a buscar el Tratado del no ser del sofista Gorgias, justamente porque Gorgias muestra cómo Parménides construye el ser. En su poema, Parménides describe un ascenso de sudor y esfuerzo hasta alcanzar el ser, “lo que es” (en el griego de Parménides: tò eón); y cuando en el Poema se llega a la descripción del ser, de tò eón, Parménides emplea exactamente las mismas palabras con que Homero, en la Odisea, describe a Ulises cuando, atado a un mástil, para no sucumbir a la tentación de sus voces, atraviesa el mar de las sirenas. El ser de Parménides, como Ulises, está atado con ligaduras, sujetado. Y así como Homero fabrica a su héroe Ulises, el héroe que fabrica Parménides es el ser, tò eón. Esta es una lectura sofística, no heideggeriana, del Poema de Parménides, entendido como una performance filosófica, un discurso productor. Así fui buscando qué otros regímenes del discurso podría haber aparte del de la ontología. En este encuentro de filosofía antigua tracé una genealogía de lo performativo —ficticia, por supuesto— que va de Homero a John L. Austin. Postulé que la escena original de la performance es el canto VI de la Odisea, cuando Ulises despierta en una playa, ve a la joven Nausícaa y piensa: Tengo que ir a hablarle, pedirle ayuda. ¿O como un suplicante le tomo las rodillas? Entonces se dice a sí: Si la toco la voy a asustar. Le hablaré —Homero escribe: Ulises elige ese kerdaleon mythos, ese discurso que gana—. y le diré: Te tomo las rodillas. En vez del gesto, las palabras. Te tomo las rodillas, pues me da miedo tomarte las rodillas. La palabra es la mejor manera de hacer lo que no se puede hacer de otra forma.

- —¿En qué sentido dedicarse a la filosofía griega es una forma de hacer filosofía contemporánea, filosofía en general?
- —No sé. Ante todo, yo no hago líneas divisorias demasiado nítidas entre filosofía, literatura, poesía, sofística. Cada uno asigna sus límites. Los filósofos no paran de definirse en relación con sus enemigos, como los psicoanalistas. Pero ése no es mi problema. Años atrás, después de trabajar en sofística, trabajé sobre la Comisión Verdad y Reconciliación en Sudáfrica. En el prefacio al informe de la Comisión Verdad y Reconciliación, Desmond Tutu tiene frases que podrían haber sido escritas por Gorgias. Dice Tutu: “Tratar el lenguaje sólo como palabra y no como acto es un lugar común. La Comisión desea adoptar otro punto de vista”. Es genial. “El lenguaje construye categorías sociales, da órdenes, nos persuade, justifica, explica, da razones, excusas, construye la realidad”. Evidentemente, detrás de estas palabras resuena el Elogio de Helena de Gorgias: el discurso es un gran soberano que por medio del más pequeño de los cuerpos lleva a cabo los actos más diversos. De hecho, la Comisión produjo un nuevo pueblo: un tejido de todos los relatos, de las víctimas y los victimarios. El lenguaje va de Gorgias a Tutu vía Austin y de Gorgias a Tutu vía Freud. Porque lo que cuenta es que el lenguaje aparece como un remedio (un pharmakon), y con él se trata de curar a nivel de un país. Por eso me interesé también en el psicoanálisis.

- —¿Y sobrevivió a la intraducibilidad de las distintas “lenguas” psicoanalíticas?
- —Bueno, estuve poco adentro del análisis y debo reconocer que es una posición muy cómoda la del outsider. En una época trabajé como maestra en un hospital de día para adolescentes psicóticos. Fue una de las experiencias que más me marcó: trabajaba con chicos totalmente perturbados que ni siquiera podían hablar. Un día, de golpe, me di cuenta: ellos no pueden ver que tienen, de todos modos, una lengua materna porque su lengua materna les está totalmente vedada. Y se me ocurrió ponerme a leer con ellos el Cratilo de Platón (diálogo sobre el origen del lenguaje). Empecé escribiéndolo en griego en el pizarrón y ocurrió que entendieron que había una lengua aún más extranjera que la suya. Empecé a enseñarles a leer en griego y vieron que se podía jugar con las palabras, que ése era un derecho que se adquiría al mismo tiempo que se hablaba, al tiempo que hablaban su propia lengua. Empezamos a trabajar sobre las etimologías contradictorias del Cratilo —algunas muy graciosas— y llegado un punto ellos mismos me dijeron, Basta, ya entendimos.

- —¿Heidegger conoció su lectura sofística de Parménides?
- —No. Cuando yo estuve en su seminario era muy joven, y él ya viejo. Me vinculé con Jean Beaufret y sobre todo con René Char.

- —Y decidió tomar otro camino.
- —Sí. Pero no por Heidegger sino más bien por huir de la iglesia heideggeriana, tan difícil de soportar como las iglesias analíticas. Siempre dan ganas de escaparse de las iglesias
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Eto’o: «Me paso el día mirándome la pierna, pero no me habla»

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 4, 2006

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El hermano Samuel vive con su familia y su equipo de amigos en la zona alta de Barcelona. Un piso enorme para disfrute de muchos de sus compatriotas, que saben que el corazón de Eto´o es un gran centro comercial y siempre está dispuestos a abrirles su hogar. Se habla francés. La decoración es muy original, recargada, pero con gusto. Samuel, al ver que va a haber sesión fotográfica, pide un paréntesis. Se va a a cambiar de ropa y vuelve a la media hora hecho un pincel.

-Está usted muy delgado.

-He bajado dos kilos. Sufrir adelgaza y ya ha visto cómo sufro en los partidos. Hasta ahora empujaba los balones desde aquí, pero el martes en el estadio no pude contenerme. Un partido así no se puede escapar nunca, hermano. Al principio los médicos me recomendaron que no viera fútbol. Me movía mucho y podía ser malo para la lesión, empujaba todos los balones que estaban cerca del área. De todas formas me he visto todos los partidos del Barça y no he visto ningún otro

-¿Cuenta los días que lleva aquí postrado?

-Cinco semanas y tres días. ¿No ve que le he hecho ya un hueco al sillón? Todos los días descuento uno. No los tacho en un calendario. Los tengo metido en la cabeza.

-Me dicen que está ya un poco desesperado.

-¿Y qué quiere? Es Dios quien decide en la vida y me tengo que hacer con esta situación. Sólo puedo comportarme con tranquilidad. Esperar aquí sentado a que vengan mis amigos, aunque ahora ya salgo más a la calle. Me paso el día mirándome la pierna, cuando hago los ejercicios, cuando estoy sentado, pero nunca me dice nada. Me gustaría que hablara, pero no habla.

-Su casa es como el Corte Inglés en Navidades.

-Sí, han pasado por aquí todos mis compañeros, directivos, periodistas. Han venido de Italia, Francia…

-Será que es buena gente y tiene muchos amigos…

-Siempre intento hacer el bien en la vida. Mire la televisión lo que está diciendo sobre la pobreza en el mundo. Para que haya tantos millones de pobres es que hay millones de ricos. Qué mala gente…

-¿Y del Real Madrid le han llamado muchos?

-Sí, pero no le voy a decir quién. Me han llamado para animarme, no para que se lo diga a la Prensa. Uno de ellos Mijatovic, que es mi amigo desde hace muchos años. También me llamo el abuelo. Luis me quiere de verdad.

-¿Se da cuenta lo que le echa de menos su equipo?

-Eso es la ley de la Prensa. El que no juega siempre es el mejor. Siempre se valora al que no está. Cuando juegas parece que no eres importante. Es una ley del fútbol que no vamos a poder cambiar ni yo ni nadie.

-Pero en este caso es una realidad que se puede comprobar, no un tópico.

-Siendo egoísta, lo más importante para mí es que me echaran de menos mis compañeros y el entrenador. Ellos son los que realmente saben quién era Eto´o y lo que aportaba al equipo. Ellos me valoraban antes y me valoran ahora.

-Ahora que no está uno se da cuenta del valor de sus goles, que siempre abrían en el marcador, sus desmarques, sus movimientos con y sin balón, su juego para el equipo…

-Pero no estoy y el equipo se acostumbra a jugar sin mí. Lo que no puede ser es que se nos exija que goleemos todos los partidos. En mi puesto está Jugando Gudjhonsen. Somos distintos. Hablé con él cuando vino a verme. Le dije que estuviera tranquilo. Que fuera él mismo. Que se olvidara de mí y de los que pudiera escuchar. El delantero centro del Barcelona siempre va a marcar goles. Siempre. Porque el equipo crea el suficiente fútbol para ello. Simplemente hay que esperar y te llegará el momento de marcar. De hecho Guddy, desde que le dije eso, ha marcado más goles, el martes el último.

-¿Y además de que falta usted, qué le pasa al equipo que no está al nivel de estos dos últimos años?

(Sonríe y mueve la cabeza)

-No entiendo que se pueda dudar de este equipo porque haya perdido dos partidos y empatado uno. Era el Chelsea y empató fuera de tiempo. Es duro ser grande como es el Barça y que se pueda dudar, pero es como lo de que el bueno siempre sea el que no juegue. El fútbol está montado así. De este equipo no se puede dudar. Es imposible. Estamos líderes, estamos vivos en la «Champions», dependemos de nosotros. Yo mantengo que este equipo cubrirá de títulos un ciclo muy largo

-A lo peor han perdido ese hambre devorador de triunfos que tenían.

-No, eso sí que no ha cambiado. No lo noto. Yo no estoy en la cabeza de otros, desde luego, y hablo por mí. Yo quiero ganar todos los partidos. Yo nací así, con una ambición sin límites.

-¿No será que el equipo ya no defiende con el balón, que lo tiene menos y en otras zonas más retrasadas?

(Me mira atentamente).

-Eso puede ser. Nuestro éxito es que presionábamos en campo contrario. Cuando robas el balón ahí haces daño porque te quedan pocos metros para el área contraria. Puede que en algunos partidos no lo hayamos hecho. Pero yo le digo una cosa, en el Bernabéu, con la media hora de la primera parte que hicimos, nos tenía que haber valido para ganar el partido.

-¿Quién le echa más de menos, Ronaldinho a usted o usted a Ronaldinho?

-Creo que todos nos echamos de menos… Lo de Ronaldinho es una explicación más de lo que decíamos, como juega no se le echa de menos.

-¿Ve alejarse el Balón de Oro, que hace mes y medio veía tan cerca?

-Yo no sé si lo tenía cerca y tampoco sé si ahora no lo voy a a ganar. Lo que tengo que hacer es seguir trabajando para mi equipo cuando esté bien, marcando goles y siendo uno más del grupo. Si es así, podré ganarlo otro año. El Balón de Oro es un premio individual, pero se gana gracias al equipo.

-Tampoco Ronaldinho, Henry, Cannavaro… que son sus máximos rivales, han estado muy brillantes en el mes largo que usted no juega.

-Ellos jugando tienen unas posibilidades que yo no tengo ahora. Pero sigo diciendo que si Dios quiere algún día llegará.

-¿Que le parecería que lo ganara un portero, Buffon?

-Si ha hecho méritos, ¿por qué no? Tiene el mismo derecho un portero que un delantero, aunque casi siempre lo ganen éstos. Aunque para mí es Valdés el que lo merece.

-No hemos hablado de sus amigos del Madrid.

-Ni vamos a hablar. Cada uno a lo suyo.

-Pero es el gran rival del Barça, la casa donde usted estuvo y le dio de comer, como ha dicho alguna vez.

-Bastante tenemos con lo nuestro como para hablar de los demás. Ya le he dicho que no veo partidos. No sé si juegan mal o bien. No me interesa…

-Rijkaard ha dicho que le espera para finales de enero.

-No sé, yo quiero estar cuanto antes. Lo dije desde el primer día, que quería acortar los plazos. Pero ahora viene lo más difícil y no me precipitaré.

-¿Se arrepiente de no haberse quitdo el menisco al operarse?

-No, es mejor tenerlo para un futuro. Es mi primera lesión grave y tengo 25 años. Mi rodilla con el menisco estarámás sólida

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Cerati: “Con este disco las cosas se echaron a andar”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 4, 2006

El ex Soda Estéreo, que acaba de recibir el Grammy a la mejor canción rock,por Crimen” habló de su gran momento y sus expectativas, en una entrevista.

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Gustavo Cerati parece haber recuperado su lugar como artista internacional de primera línea y tras haber ganado el premio MTV como mejor artista latino SUR, se alzó con dos estatuillas de los premios Grammy latinos, con “Crimen” como mejor canción y con “Ahí vamos”, como mejor álbum local.

“Lo han visto como una buena canción y desde el punto de vista personal es muy bueno porque soy el compositor”, expresó el artista al en declaraciones a FM La Mega.

Sin embargo, también rescató como importante el otro premio recibido. “No es sólo para mí, sino para los otros que trabajaron en el disco”, consideró y en el mismo plano colocó los galardones a Shakira, ya que tuvo una activa participación en el disco de la colombiana.

“Lo que está bueno de los premios es que también son para la gente que no se ve, pero que está en la manufactura del disco”, manifestó en ese sentido el ex Soda Estéreo.

Sobre el momento que vive, dijo que formó una buena banda con la que espera estar durante “varios años”, aunque admitió que “uno nunca sabe lo que vendrá”.

A partir de la edición de “Ahí vamos”, Cerati considera que varias cosas se “pusieron en funcionamiento en su vida”.

“El disco puso en funcionamiento muchas cosas este que estaban en relación con mi intención. Los discos representan un momento particular, las cosas se echan a andar y la reacción de parte de la gente es fabulosa, ni siquiera estaba en mis planes”, confesó.

Sobre su trabajo con Shakira, en el disco “Fijación Oral” de la consagrada artista colombiana dijo que le sirvió para romper “perjuicios” y sostuvo que pese a que entre la su música y la de ella hay mucha distancia, ahora está “aprendiendo mucho” con el intercambio.


“Shakira es una persona inteligente y sensible. El hecho de que me llame a mí cuando puede llamar a cualquiera, habla bien de cómo se puede situar en un lugar de sensibilidad, con un lugar de admiración y hasta de fan de la época de Soda Estéreo. Y lo hace desde un lugar de presión, de tanta exposición, que yo no podría resistir”, expresó.

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ENTREVISTA A LA LIDER DEL ARI ELISA CARRIÓ

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 3, 2006

Carrió analizó el caso de Misiones en el nivel nacional

“El exacerbado narcisismo termina en autodestrucción”

“Misiones es la primera victoria de la dignidad sobre la oscuridad del poder”, se entusiasma Elisa Carrió mientras enciende el enésimo cigarrillo en el living de su departamento de Barrio Norte. Contenta por el triunfo del obispo Joaquín Piña en las convencionales constituyentes del domingo último, la líder de ARI afirmó ayer a la nacion que lo ocurrido representa un llamado de atención para el Gobierno.

“Que tomen nota: el exacerbado narcisismo termina en la autodestrucción personal”, sostuvo la diputada, quien de todos modos volvió a rechazar el “rejuntado”, la confluencia del arco opositor a la manera de la coyuntura política misionera. De todos modos, y a diferencia de otros momentos, ya no habla de una “derrota heroica” ante el kirchnerismo en las presidenciales. “Estamos muy bien, no sé si alcanza para ganar, pero por ahí le pegamos en el poste”, dice, en elocuente metáfora futbolera.

-El Gobierno apostó sus fichas a Misiones y perdió. ¿Es el principio del fin del kirchnerismo?

-Lo analizo de diferente manera. Este es un proceso histórico cuya bisagra fue el acto del 25 de mayo, cuando a pesar de la cantidad de gente que fue había un vacío, nada allí fue espontáneo. Allí comienza la construcción de enemigos externos e internos, fuerzas de choque y violencia institucional en Misiones, donde el aparato del Estado se usó para violentar conciencia ciudadana.

-No es un caso aislado…

-Rovira es un caso que puede anticipar algo en el nivel nacional: el exacerbado narcisismo termina en autodestrucción. Tenía alta legitimidad, juega la reelección indefinida, cree que le puede ganar a Dios y hoy está debilitado.

-¿Se autodestruyó?

-Sí. Si la lectura nacional no es profunda ni seria, sobre todo del lado del Gobierno, van a vivir momentos difíciles. Esto genera, a la vez, una enorme esperanza: los testimonios ejemplares, acompañados por los pueblos, pueden cambiar la historia.

-El discurso de monseñor Piña se parece a su “contrato moral”. ¿Es una reivindicación?

-El contrato moral, un estado espiritual de la gente, no depende de lo electoral, aunque puede ser militado políticamente. Un pueblo tan cercano al mío como el misionero selló un contrato moral que dice que la dignidad no tiene precio. Vamos hacia una asamblea popular.

-¿Y quiénes formarían esta asamblea?

-Están todos los que en esta sociedad resisten y se comprometen. Pueden ser personas que vengan de partidos tradicionales y también al pueblo, empresarios, religiosos, trabajadores, amas de casa. La política empezó a cambiar de manera decisiva y la punta del iceberg empezó a verse en Misiones.

-Pero en el nivel nacional no se vislumbra un Piña que pueda aglutinar a todos…

-Piña tampoco era lo que es hace dos meses. En la historia y en la Biblia se han visto liderazgos, como el de David, que en un principio eran muy débiles, hasta que el largo testimonio de una vida empieza a dar sus frutos. Los que buscan soluciones o alianzas ahora se equivocan: juegan al truco, y esto es una larga jugada de ajedrez.

-Desde ciertos sectores se habla de unir a la oposición…

-Se juega mucho al oportunismo lacerante del macho de espadas. No vamos a estar en ese lugar, y si alguno de mi partido lo hiciera no estaré con él.

-¿Hay un cambio de mirada hacia el Gobierno, entonces?

-Sí, y dentro de poco se va a empezar a hablar en cada casa de que es posible tener un gobierno ejemplar, no tener sindicalistas con barrabravas, empresarios transparentes, otra cultura.

-¿El Gobierno puede evitarlo?

-Tenía una gran oportunidad histórica y la desaprovechó. Asistimos a un profundo fascismo de carácter, donde la violencia y la dominación son constitutivos.

-Con su renuencia a las alianzas ARI estaría solo…

-Tenemos conversaciones con mucha gente, pero son prudentes y mesuradas. Hoy cada uno debe dar testimonio en su lugar, y esta “arca” de la dignidad no sólo incluye a la oposición, sino sólo a muchos que votaron a Kirchner.

-Se la nota optimista…

-Es una esperanza cierta, no un optimismo idiota. Siempre estábamos resignados a que sólo nos pueden gobernar los corruptos, apareció Misiones, una hermosa alba. Para el mediodía falta mucho.

-¿Su candidatura presidencial sigue vigente?

-Soy la única candidata presidencial hasta ahora.

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Reportaje a Cachorro López,

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 3, 2006

“Me siento como un director de cine”

 

 

Cachorro López. / Autor: Gentileza Cachorro López

La cita fue una tarde primaveral y soleada, en los fondos del barrio de Saavedra. Una casa gris que desde afuera no dice nada de nada, pero que adentro contiene el estudio que funciona como sala de operaciones de Cachorro López. Más allá de su nominación como Productor del Año en la entrega de los Premios Grammy, hablar con el ex Abuelo de la Nada es conversar sobre casi tres décadas de rock, que van desde su deslumbramiento en el Londres de finales de los seventies con la new wave hasta este presente de rock latino. Pasado y actualidad de Cachorro, en esta charla con RSLA.com.

Al escuchar los discos de Los Abuelos hoy, ¿qué te parecen? ¿Qué es lo que te gusta, que le mejorarías, qué le sacarías?

Yo escucho todo con mucho cariño. Hay cosas un poco desparejas en nuestro repertorio, pero tal vez ese eclecticismo era parte de nuestra gracia. Hoy por hoy hay temas que pasan más el filtro que otros (risas). Pero, por otro lado, la verdad es que no sabíamos grabar.

Un poco vos y otro poco Andrés Calamaro fueron los que se hicieron cargo de la parte de producción del grupo…

Sí, porque éramos los más curiosos, a los que más nos interesaba. Recién Himno de mi corazón es el primer disco que suena decente a nivel audio, con un ingeniero inglés mezclando y grabando en Ibiza.

¿Tienen, ya sea vos en tu archivo personal, u otro de los Abuelos, alguna grabación de algún show que se pueda editar en un futuro?

En esa época pasaba algo tremendo: las compañías discográficas compraban las cintas, grababan al grupo y luego, cuando debía grabar otra banda, usaban esa misma cinta y la borraban. Por eso, nosotros no podemos remezclar un tema como “Mil horas”. Lo que pasó fue que a un estudio le mandaron una cinta de Los Abuelos para grabarla arriba, y el dueño decidió comprar otra cinta y guardar esa. Quince años después le vendió esa cinta a Polygram, y pudimos usarla para las antologías de Los Abuelos de la Nada I y II, donde está “Chalaman” con una mezcla nueva. Rescatamos eso, y trabajamos con Andrés en una versión descartada del primer disco. Tenemos originales del “Marinero bengalí”, “Chalaman”, y alguna que otra más.

¿Cuál fue el modelo de productor que tuviste?

Fue cambiando. Por ejemplo, cuando hice el disco de Divina Gloria ( Desnudita es mejor ), yo era fanático de Giorgio Moroder. Siempre fui muy ecléctico, y trabajando en función al artista en cuestión. Para 7×7 de David Lebón estaba a full con Bernard Edwards, el bajista de Chic, que fue productor de Power Station. La verdad es que todo lo que grabé fue tan distinto que no hubo un solo productor que me influyera.

Hoy por hoy, más allá de tu trabajo como productor, ¿te ves parte de una banda, o de un proyecto que lleve tu nombre?

No, ya que tengo muchísima participación como músico en los discos que produzco. Mi amor a la música está puesto en mi trabajo grabando discos. A esta altura de mi vida no disfruto de las giras: no me gusta esa clase de vida, no me gustan lo repetitivos que se vuelven los conciertos, y te pasas mucho tiempo en hoteles viajando y esperando. En cambio en el estudio estoy todo el tiempo tocando, grabando, haciendo cosas. Hago una canción hoy y la de mañana es diferente, este mes estoy con un artista y en dos meses con otro diferente que viene de otro país y cultiva otro género. Trato de evitar la rutina.

¿El laburo de productor es como el laburo de director técnico de fútbol?

Más que director técnico, yo me siento como el director de una película. Me puedo involucrar de muchas maneras diferentes, ya que a veces compongo, a veces no, a veces toco el bajo, a veces no, a veces arreglo un tema, otras el arreglo viene hecho. Siempre el trabajo es distinto… ¡aunque sea la misma persona! (risas). Eso está bueno, y me permite trabajar con mucha frescura.

Hace un Top 5 de las principales cualidades que tiene que tener un productor…

Tiene que tener cierta sensibilidad para elegir el material, ya sea cuando un artista te viene con 50 canciones o cuando hay que componer.

Si sos un productor de canciones como es mi caso, tenés que saber trabajar con los cantantes, y tener paciencia y habilidad para sacar la mejor performance vocal posible.

Tenés que tener cierta facilidad para relacionarte. Hay muchas situaciones en las que hay muchas fricciones creativas, muchos egos, muchas miradas opuestas. Hay que saber tratar a la gente, y que todo el tiempo todos estén motivados para dar lo mejor, y de esa manera limar todas las asperezas.

Y tenés que tener experiencia y habilidades técnicas, te dejo cuatro, ¡está bien! (risas)

¿Y que producciones te hubiera gustado hacer de los discos que escuchaste en tu vida?

Un disco que a mi me trastornó la vida y que lo escuché 24 horas seguidas durante un montón de tiempo fue Ziggy Stardust de Bowie. No te voy a mentir: no lo escuché cuando salió en el 72, pero sí en el 74, en la casa de un amigo inglés que vivía en Hurlingham. La mezcla del concepto visual y estético, las letras y el personaje del andrógino que viene de otro planeta me causaban una emoción tal que pensaba “Toda la música tiene que ser así”.

Otro disco que me llamó la atención, pero de hecho por una cuestión más técnica fue uno de Thomas Dolby, Aliens Ate My Buick. Después me fijé que lo produjo un tipo que se llama Bill Bottrell, que también produjo el primero de Sheryl Crow y Black and White de Michael Jackson. Así que si hablamos de productores, ante Bottrell me saco el sombrero.

Un disco que me encantó la producción, aunque no sabía ni que era eso, fue Revolver de Los Beatles. Me impactó todo, y notaba que había una cosa que tenía de osadía y libertad que en aquel momento me shockeó mucho. ¡Imaginate que en ese momento ni sabía quien era George Martin! (risas)

Y dos nacionales: Clics modernos de Charly García y Relax de Virus. Yo toqué como invitado en Locura, y para mí fue uno de mis máximos logros haber participado en algo, pese a que haya sido mínimo, en la trayectoria de Virus. Soy fan total.

Por último, me gusta cualquier disco de Elvis Costello. Tengo una flojera absoluta por los cantantes, y le produciría cualquier cosa (risas).

 

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Miguel Mateos , mini reportaje

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 3, 2006

Hoy a las 22, en el Teatro Opera, tendremos de nuevo al ex Zas tocando y cantando. Promete un show entre íntimo y rockero. Antes, respondió el cuestionario y adivinen qué: dijo que no se imagina el mundo sin él. Suele pasar, ¿no?

MIGUEL MATEOS

¿Cuál es para usted el colmo de la miseria?

MM: Ver a alguien con más ambición que talento regir los destinos de un pueblo.

¿Dónde le gustaría vivir?

MM: Aquí y ahora

¿Para qué faltas tiene usted más indulgencia?

MM: Cualquiera que involucre un acto de amor

¿Cuáles son sus héroes de novela preferidos?

MM: Zaratustra, Severo Arcángelo, Don Juan Matus, Robinson Crusoe

¿Cuál es su personaje histórico favorito?

MM: Da Vinci

¿Sus heroínas en la ficción?

MM: Lisa Simpson. Y admito haber pasado adolescentes tardes excitado viendo a la Mujer Maravilla

¿Su pintor favorito?

MM: Goya

¿Su músico favorito?

MM: Gustav Mahler

¿Qué cualidad prefiere en el hombre?

MM: Entusiasmo

¿Qué cualidad, en la mujer?

MM: Lo mismo

¿Su virtud preferida?

MM: Observar sin ser observado

¿Su ocupación preferida?

MM: La Música

¿Quién le gustaría ser?

MM: El ser que lo sabe todo y se esconde dentro de mí; algun día lo voy a encontrar

¿Cuál es el principal rasgo de su carácter?

MM: Resistencia

¿Qué aprecia más de sus amigos?

MM: Que me critican de frente pero me elogian por atrás

¿Cuál es su principal defecto?

MM: Ansiedad

¿Su sueño de felicidad?

MM: Conseguir lo que uno quiere no siempre es lo más importante en la vida

¿Cuál sería su mayor desgracia?

MM: La pérdida de un hijo

¿Qué color prefiere?

MM: No tengo preferencia

¿Cuál es la flor que más te gusta? MM: Las margaritas

¿Qué pájaro prefiere?

MM: No tengo preferencia

¿Sus autores favoritos en prosa?

MM: Borges, Nietzsche, Baudrillard

¿Sus poetas favoritos?

MM: Borges, Gelman, Bob Dylan, Allen Ginsberg, Artaud

¿Sus héroes en la vida real?

MM: Los argentinos, después de la crisis del 2001

¿Sus heroínas en la historia?

MM: Juana de Arco, María Magdalena

¿Qué nombres le gustan más?

MM: Juan y María

¿Qué hecho militar admira más? MM: La resistencia popular a las Invasiones Inglesas

¿Qué reforma admira más?

MM: Cualquier reforma que distribuya más equitativamente la torta

¿Qué don de la naturaleza querría tener?

MM: Paciencia

¿Cómo le gustaría morir?

MM: Iluminado; la muerte debería tener cierto tipo de revelación.

¿Cuál es el estado actual de su espíritu?

MM: En reparaciones

¿Cuál es su lema?

MM: No me imagino el mundo sin mí.

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ENTREVISTA A DEVENDRA BANHART

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 3, 2006

Es sólo folk, pero me gusta


Es el músico del momento. Encabeza el llamado “neo folk”. Suele tocar con Juana Molina y es conocedor de la obra de Yupanqui. Abrió ayer formalmente el Personal Fest.

REVELACION. Con 25 años, el estadounidense ya tiene cuatro discos. En Buenos Aires se quejó del precio de las entradas de sus show

Estoy con mucha bronca. No tenía idea de cómo montaron todo. Esperemos que podamos venir el año que viene, y hagamos algo junto a Juana Molina y José González. Y que las entradas sean más baratas.”

Con el Cabildo de escenario, y con el trasfondo musical de una ruidosa marcha de la UMI (la Unión de Músicos Independientes) frente a la Jefatura del GCBA, los primeros minutos de Devendra Banhart en Buenos Aires son en tono de disculpa. Sucede que vino a tocar dentro del marco del Personal Fest, como apertura de lo que será la primera vez en nuestro país de New Order y The Black Eyed Peas el 17 y el 18 de este mes. Pero el sesgo medio exclusivo de su concierto (en lo que era Buenos Aires News, hoy la disco Crobar), con entradas a cien pesos, lo tiene trastornado.

Pero pasarán los minutos y la charla se tornará distendida cuando los temas sean su música, su devoción por Caetano Veloso y el tropicalismo, y el cambio que significó en su vida el descubrimiento de Atahualpa Yupanqui.

La epidermis del folk norteamericano, que parecía eterna e inmutable, vive una transformación. Lejos de ser portador de un mensaje político —como podía ser Joan Baez o el primer Bob Dylan—, el nuevo folk cruza la tradición británica —Nick Drake, The Incredible String Band— con los postulados del “hazlo tu mismo” punk. Semejante desfachatez, cruzada por una fuerte impronta psicodélica, da como resultado artistas tan imprevisibles como necesarios. Es el caso de Devendra Banhart, Six Organs of Admittance Device, Joana Newson, CocoRoise y Vetiver, entre otros.

Con cuatro discos en su haber y con sólo 25 años, Devendra (que nació en Texas) es la figura más reconocida de un planeta de cantautores que está regando al folk de estridencias lisérgicas y corriendo las fronteras de un género a veces muy conservador. Si Jack Johnson y James Blunt se ocuparon últimamente de poner a la guitarra acústica en primer plano, a través de un envase de canción pop muy reconocible, Devendra y Cía hicieron saltar los tapones.

Ahora bien, cuando se le habla de folk, la candidez de su español —aprendido en sus años de infancia y primera adolescencia en Venezuela— se evapora. Claro que es la furia de un ángel, no de un demonio.

¿Cómo te cae que digan que sos el “Mesías del folk” o el nuevo Manu Chao?

Manu Chao me gusta mucho. En cuanto al folk, no me atrae el término; es una palabra que nunca he usado. Si empecé tocando la guitarra acústica fue porque era la cosa más barata. No soy purista. Me gusta todo tipo de música. Una palabra como folk es muy reduccionista. Trato de ser lo más inclusivo posible.

Brasil es una obsesión en Devendra. El país que originó el tropicalismo y la poesía concreta es una suerte de Meca para el hacedor de canciones como la deliciosa Pensando en tí o la simpatiquísima I Feel Like A Child. Fan confeso de Caetano Veloso y Os Mutantes —en el regreso a los escenarios en Londres de esta leyenda después de 33 años, Devendra subió en un tema—, el hijo apátrida de Marc Bolan se dio el gusto de encontrarse con su ídolo, justamente el fin de semana pasado: “Brasil es un lugar que te shockea. Me preparé toda mi vida para conocerlo y aunque me previne, nada se compara con estar ahí. También nos encontramos con Caetano. Su último disco, Ce, es muy a flor de piel. El es increíble: tiene una opinión válida de todo. Te abre la mente.

¿Qué dijo de tu música?

Nos dijo la cosa más perfecta sobre nuestro show. Claro, dimos el peor concierto de nuestras vidas. ¡Te lo juro! Pero terminamos y Caetano nos dice: “It was awful but I loved it” (Fue horrible pero me encantó). Genial.

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Reportaje a Ronaldo: “«Mi hijo aún no sabe que no juego»

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 3, 2006

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Nunca es tarde. Esta entrevista estaba medio pactada durante el Mundial. Sí, en junio. Exactamente para las vísperas de la semifinal, porque todos pensábamos que Brasil iba a estar ahí. Quien más convencido de ello estaba era el interesado. «Después del partido de cuartos contra Francia, habláis», me dijo con seguridad David Espinar, su amigo y responsable del protocolo periodístico. Brasil perdió, Ronaldo se fue de vacaciones y ayer llegó el momento. Apareció por el ascensor de la Ciudad Deportiva de Valdebebas con una camiseta blanca y un pantalón vaquero dispuesto a romper su silencio, justo en el momento en el que su nombre está en la cúspide de la actualidad.

—Por cierto, ¿por qué no fue titular el miércoles?

—Por decisión del técnico. No creo que fuera por el dolor de cuello. Por la tarde ya estaba bien. Por eso jugué 20 minutos.

—¿Y al margen de eso, cómo le trata la vida?

—Bien, muy bien.

—Empezamos mal…

—No, llevo toda la vida luchando. Siempre ha sido así y ahora lucho contra algo inédito para mí, pero llevo toda la vida superando momentos difíciles. Después de superar una lesión de casi dos años, luchar por se titular me parece algo normal, que le ha pasado a muchos futbolistas que pudieran ser tan famosos como yo.

—Eso suena más real.

—Es la realidad. Ahora me tengo que ganar la titularidad entrenándome, jugando, con paciencia, mucha paciencia. Yo sé lo que tengo que hacer, pero depende todo del entrenador. Yo respeto sus decisiones. Espero mi oportunidad y sé que me lo tengo que ganar todo. He escuchado a Capello decir que los jugadores deben ganarse el puesto en el campo y tiene razón. Yo no le he pedido explicaciones, no le he dicho nada. En estos meses hemos hablado un par de veces. Me ha exigido que baje de peso, que me entrene bien, que me entregue. Y creo que lo estoy haciendo.

—Le veo muy comprensivo.

—¿Y qué quiere que haga? Es lo que hay. Es el Madrid, aquí no se juega por el nombre. Eso es una fantasía. Yo cuando jugaba lo hacía porque era un profesional que metía goles. Ahora tengo que esperar mi oportunidad. Nunca, jamás en mi vida nadie me han regalado nada. Vengo de una temporada medio lesionado, de un Mundial que jugué con tendinitis y de una operación para quitarme esa tendinitis. Estoy en un proceso de readaptación. Cuando jugaba todo me iba mejor. Ser suplente lo malo que tiene, además, es que te entrenas más, y entrenarme a mí siempre me ha jodido mucho, aunque creo que ahora me viene bien.

—Suplente, banquillo… dos palabras que no estaban en su diccionario. ¿Cuál es más cruel?

—Las dos son la misma mierda. Es algo nuevo para mí y espero que sea algo breve, poco duradero. El equipo gana y tengo que esperar mi turno.

—¿Había pasado alguna vez antes 40 minutos calentando en una banda?

—Nunca. Fueron muy largos, muy largos. Pensé de todo. Muchas cosas. Me sentí olvidado. Yo soy un jugador de grupo, siempre lo he sido. Nunca he creado problemas a mis compañeros ni al entrenador, pero fue una experiencia muy negativa.

—¿Qué es lo peor que pensó?

—Muchas cosas y todas malas, cosas que vienen y van por tu cabeza, por tu cuerpo, pero me comporté como un operario. No podía quejarme, no podía montar ningún escándalo. Sí, las tripas las tenía revueltas porque fue duro sentirse nada, olvidado ahí sin hacer nada. No sé si hubiera sido mejor o peor que me hubiera sacado dos minutos. Igual de malo.

—A Cassano le pasó lo mismo y reventó después.

—No calentamos juntos. Lo suyo fue un momento caliente. Yo no lo tuve, aunque pensara de todo. Espero y quiero que la gente me entienda como yo intento entender a todos. Yo no quiero molestar a ningún compañero de equipo. El día que tenga que hablar, que decir las cosas, las diré sin que nadie se entere, sin faltar a nadie y donde las tenga que decir.

—Cada vez se ven menos esos dos incisivos, vulgarmente conocidos por ‘paletas’…

—En cuanto vuelva a jugar se volverán a ver. No puedo ser feliz ahora porque me falta lo que más me gusta. Me han quitado mi vida, lo que más me gusta hacer, que es jugar al fútbol. Ahora sólo me divierto en los entrenamientos. Cuando vuelva a los partidos y vuelvan los goles volverá la sonrisa. Sí, no lo puedo negar, lo estoy pasando mal, pero sigo luchando. No tengo ninguna intención de rendirme. Voy a ganar esta batalla, voy a ganar este partido.

—¿Lo peor de no jugar?

—No tener la confianza del entrenador y no saber cómo recuperarla. No sé ahora cuál es el criterio para ganarme la titularidad. Yo intento hacer de todo. Correr, saltar, ser rápido.

—¿Usted se ve bien?

—Bien no, muy bien. Estoy igual que antes de lesionarme el año pasado contra el Atlético. De peso y de todo. Estoy rápido. Lo que parece que tengo que hacer es demostrarlo. Yo prefiero no hacerme ninguna ilusión. Aunque para mí estoy en forma para jugar.

—¿Capello cree en usted?

—Creo que ahora mismo no. Si creyera me pondría. Me exige mucho para que llegue al nivel que él quiere. Si creyera en mí ya me habría puesto.

—¿No le pasará factura por la expulsión de Getafe?

—No creo. En mi vida podía pensar que un árbitro me pudiera echar por decirle que era un fenómeno. Yo no me autoexpulsé, como se ha dicho.

—Yo creo que sí puede estar pagando el canon de ese día tan nefasto para todos.

—Aquí están pasando cosas muy raras, eso es verdad.

—¿Se refiere a la frase de Calderón recogida en el Sport? «Ronaldo sólo rinde los domingos por la noche de marcha. Me lo voy a cargar».

—Se inventan muchas cosas y no me interesa.

—No hay periodista en el mundo que se pueda inventar esa frase y la ponga en boca del presidente…

—Si es así, lo correcto es que me lo dijera a mí. Lo correcto es que un presidente no se meta en la parcela deportiva… Yo he hablado un par de veces con Capello. Me ha dicho, «¡ojo!» a esto y a esto y lo hemos arreglado. No tengo ningún problema con él. Tengo que corresponder a sus exigencias. En en el Real Madrid todo es muy complicado. Se dicen muchas cosas, se mandan muchos mensajes a la Prensa y luego nadie ha dicho nada. Usted lo sabe perfectamente. Yo no quiero saber nada. Que cada uno haga su vida y a mí me dejen hacer la mía. En mi vida privada no tiene que meterse nadie. Lo ideal es que cada uno sepa cuidarse de sí mismo. Yo sé cuidarme.

—¿Se arrepiente de seguir aquí y no haberse marchado en agosto al Milán o al Inter?

—Yo estoy bien, soy feliz… cuando juego, y juego poco.

—¿Piensa en el adiós?

—Pienso en cumplir mi contrato y acabar dos años más en Estados Unidos o en Brasil. A los 35 me retiro. Yo soy un guerrero, un luchador, no lo olvide. Este es un momento para pelear. Esto es un obstáculo pequeño comparado con otros.

—Su fecha de caducidad la elige usted, no los demás.

—Eso seguro. No voy a esperar a que me retire nadie. Me iré yo. Después de acabar mi contrato aquí no me veo en ningún otro equipo europeo. Me veo en algún sitio más tranquilo. Llevo 14 años fuera de casa.

—¿El fútbol le sigue divirtiendo?

—Mucho, pero me divierto poco porque juego poco. Me sigue llenando, emocionando. Es mi vida.

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Conozco bien la locura por los talles”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 3, 2006

Qué distinta es Meryl Streep, digamos, de civil, que cuando viste con elegancia diseños de Valentino y Ralph Lauren. La actriz, que ha llegado a los 57 años sin ninguna cirugía estética que disimule sus bien habidas arrugas ni corregido esa nariz que impide a los directores realizarle primeros planos, se ha puesto lo primero que le vino en gana para el encuentro con la prensa en el Lido de Venecia. “Algo casual”, dice definiendo un vestido verde agua sencillamente espantoso.

Si lo importante es invisible a los ojos, Meryl Streep sabe que puede andar por la vida sólo con su prestancia y sus suficientes méritos cosechados a lo largo de su carrera. Justo cuando protagoniza “El diablo viste a la moda”, como una tiránica editora de una revista de modas neoyorquina, Streep suelta que “mi autobiografía debería llamarse ‘El diablo viste con jeans’. Mi tiempo personal es esencial y no podría estar perdiéndolo en arreglarme y vestirme. Me pongo a pensar en los hermosos vestidos que lucí en la película y creo que lo mejor es que los donen a una casa de beneficencia”.

Streep protagoniza esta comedia sobre el ambiente de la moda que, sorpresivamente, superó los 122 millones de dólares en los Estados Unidos y sigue creciendo, y que en Mendoza se estrena hoy. Y su papel, digámoslo, no es para nada simpático.

-¿Se encontró alguna vez con un jefe como Miranda?

-He tenido dos tipos de trabajo: como camarera en el Hotel Somerset, en New Jersey, y como actriz. ¿Querés que te diga en qué ambiente encontré gente más despiadada…?

-¿Qué lujos, con su poder, se puede dar?

-A estas alturas puedo darme algunos, como elegir los roles que quiero y a la vez dedicarme a mi familia, que para mí tiene la misma importancia que mi carrera y mi trabajo. Y hasta he tenido la suerte de encontrarme con un hombre que me conoce y me comprende.

Meryl acaba de cumplir 28 años de casada con Don Gummer, un escultor, con quien tuvo cuatro hijos, tres de ellos mujeres. “Así que sé muy bien de esa locura por los talles, lo he sufrido yo misma de adolescente”, dice.

Con los cinco millones de dólares que cobró por “El diablo viste a la moda” podría renovar todo el vestidor, pero Meryl tiene otras prioridades.

-Todos la tienen a usted casi en un altar, como el modelo de la gran actriz norteamericana. ¿Eso es molesto a la hora de trabajar con actores más jóvenes?

-Es algo que se pasa rápido… En general, olvido mis líneas casi de inmediato, y entonces dicen: “Ah, ella no es taaaan genial”. Los actores somos todos inseguros y lo demostramos bastante rápido. Es una forma de permanecer abiertos el uno para el otro. Actuar es sólo hablar y escuchar, sobre todo escuchar.

-¿Cuál fue su último síntoma de inseguridad?

-A veces, las cosas salen mal. La autoestima se viene abajo. ¿Viste el partido de (Andrei) Pavel con André Agassi, en Flushing Medows? Agassi había anunciado su retiro, perdió el primer set, en el segundo venía pésimo, y golpeó su raqueta. Salió corriendo y revisó todas la raquetas que tenía en el bolso. Volvió con una nueva y lo aplastó a Pavel. El público estaba enloquecido. Bueno, ¡yo no tengo raqueta! Así que me golpeo a mí misma. Naturalmente, si no sos dura con vos misma, no estás haciendo un buen trabajo.

Blanca como la leche, Streep tiene unos ojos claros igualmente luminosos, los que le brillan cuando resume que “ahora puedo entender mejor este negocio de la moda. Las revistas de moda tienen artículos interesantes. Ponen el comienzo del artículo en las primeras páginas y después tenés que hojear todas las páginas de publicidad de moda para llegar a la continuación, pero como no tienen número de página…”, pone cara de disgusto.

-¿Se quedó con algo de “El diablo viste a la moda”?

-Tengo vestidos de mis películas. Tengo un par de jeans de “Silkwood”. Jeans blancos, por Dios… (ríe). Tengo algunos vestidos de “Los puentes de Madison”. De ésta creo que me guardé alguno…

Sus dos Oscar, dos de los 52 premios internacionales que cosechó, los tiene “en una repisa, alta”.

Una mujer en la cima

La película se basa en el best seller autobiográfico de Lauren Weisberger, ex asistente de Anna Wintour, la poderosa editora de la revista Vogue. “La conocí después del rodaje de ‘The Devil Wears Prada’ (título original inglés de “El diablo viste a la moda”), en una función a beneficio en Nueva York, ¡y vestía Prada! No me interesaba en lo más mínimo reproducir una versión de la persona real, tratar de imitarla. No quería interpretarla con un chaleco de fuerza. Ella es muy ambiciosa, en una maquinaria de responsabilidad y, especialmente para una mujer, estar en la cima de la jerarquía, no es fácil. Yo quería explorar ese tema.”

-¿Y en quién se basó?

-En… ¡hombres! Lamentablemente no hay en el mundo suficientes mujeres manejando tanto poder como para elegir. En la película hay una escena en la que se están tomando decisiones sobre la edición de primavera. La gente tira ideas. Ella va diciendo “No”, “No”, “Sí”, tiene respuestas directas a toda las sugerencias. Uno no está habituado a que una mujer decida de esa forma. Eso es esperable en un hombre. Una mujer debería decir “mirá, podría servir, pero ¿por qué no pensamos en otra opción?”. Es más diplomática. Imaginate a Clint Eastwood pidiendo que le alcancen algo… ¿Creés que diría por favor, podría alcanzármelo? Me basé en él…

La dulzura con la que se expresa es la antítesis de su personaje. Otro más con el que, aunque vestida muy fashion, desnuda su auténtica clase de Mujer, con mayúscula. /

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Bucay lo tiene claro: “Lo mío es una moda”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 2, 2006

Asegura que la buena literatura perdurará

“Me gustaría que los ‘buenos libros’ tuvieran la misma difusión y la misma repercusión que tienen algunos de nuestros libros”, sostuvo el ganador del Premio Torrevieja.

 

El prol�fico escritor diferencia bien sus trabajos de la buena literatura.

El prolífico escritor diferencia bien sus trabajos de la buena literatura

El escritor argentino Jorge Bucay dijo que le avergüenza que sus libros de autoayuda se vendan más que las obras literarias pero “para consolar a los intelectuales y escritores” afirmó: “Tranquilos, porque esto es una moda y pasa, la buena literatura va a perdurar”.

Bucay lamentó que para los intelectuales, la gente que escribe sobre temas de superación personal “es algo así como una especie de idiota” pero en diálogo con la agencia de noticias Efe, que reproduce el portal Terra agregó: “Los entiendo, a mí me gustaría que los ‘buenos libros’ tuvieran la misma difusión y la misma repercusión que tienen algunos de nuestros libros“.

El autor, de 57 años, estudió medicina en la Universidad de Buenos Aires (UBA) y se especializó en enfermedades mentales y en temas de la conducta, lo que lo llevó a escribir libros de autoayuda.

Estas obras se convirtieron en best seller en México, Uruguay, Chile, Costa Rica, Venezuela, Puerto Rico y España, y fueron traducidas para su publicación en Estados Unidos, Inglaterra, Corea, Hungría y Brasil.

Días atrás, Bucay ganó la última edición del Premio Ciudad de Torrevieja con la novela “El Candidato”, galardón dotado con 360.000 euros y que recibirá la próxima semana en Madrid.

El escritor atribuye su éxito a la suerte y a que se formó en una casa donde se fomentaba la lectura, pero también a trabajar duro.

“Intento ofrecer lo que algunos maestros me enseñaron, lo que aprendí de la vida y de mis pacientes”, afirmó Bucay.

Comentó que también lo ayudó haber empezado con esos temas de autoayuda hace 20 años, “cuando en esos tiempos no favorecían este tipo de obras”.

“La ventaja es que cuando los tiempos empezaron a favorecerlos, mis libros ya estaban ahí cuando empezó el auge“, explicó.

El escritor y psicoterapeuta protagonizó, además, una sonada polémica al reconocer que copió “párrafos enteros” en su libro ‘Shimriti’ de un texto similar de la filósofa española Mónica Cavallé. Bucay admitió que plagió varias páginas de ‘La sabiduría recobrada’ en una carta de disculpa a su autora.

De las 270 páginas de ‘Shimriti’ -que vendió más de cien mil ejemplares- 60 eran copia casi textual de la obra de Cavallé. Bucay se disculpó en la revista ‘Mente Sana’ que él mismo dirige y el asunto no llegó a los tribunales. “Soy un repetidor de cosas. Yo ‘aggiorno’ y modifico. No soy el gran pensador o sabio que se quiere hacer de mí”, escribió en 2004.

 

El prol�fico escritor diferencia bien sus trabajos de la buena literatura.

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Después de las críticas, Madonna quiere otro chico africano

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 2, 2006

En una entrevista con la BBC, dijo que lo está considerando. La “diva” del pop y su pareja, el cineasta inglés Guy Ritchie, habían sido duramente criticados por haber aprovechado su estatus de celebridad y su fortuna, para acelerar el proceso de adopción de David Banda en Malawi

La

La “chica material”, dijo que junto a su esposo, el cineasta británico Guy Ritchie, están planeando adoptar a un segundo niño.

La cantante norteamericana Madonna está considerando adoptar a un segundo niño, a pesar de las críticas que recibió por la forma en que logró la custodia del menor de Malawi, David Banda.

En una entrevista con la BBC de Londres, la “chica material”, dijo que junto a su esposo, el cineasta británico Guy Ritchie, están planeando adoptar a un segundo niño.

La pareja fue duramente criticada por haber aprovechado su estatus de celebridad y su fortuna, para acelerar el proceso de adopción en Malawi de David Banda.

“No descartaría la idea (adoptar otro niño). Preferiría que no fuera tan complicado. Pero ahora me gustaría disfrutar primero de David y ver como va esa experiencia”, dijo la cantante.

Durante la entrevista, Madonna admitió también que eligió al niño luego de haberlo visto en un documental que ella misma comisionó.

La cantante pagó a un director de cine para viajar a Malawi y filmar a niños huérfanos de ese país, poco después que Ritchie visitó esa nación africana en abril pasado.

“Comisioné a alguien para ir allí y hacer un documental sobre la situación en Malawi. Al mirar de forma repetida esa película, pude conocer más a los niños. David estaba entre ellos”, dijo.

Sin embargo, reiteró que no “seleccionó” a Banda como un objeto y subrayó que sabía no había ninguna garantía con la adopción. “Es algo totalmente nuevo para mí”, mencionó la considerada “diva del pop”.

En varias oportunidades durante la entrevista, Madonna insistió en la necesidad de cambiar las leyes de adopción en África. “Cuando la población adulta es casi inexistente y no queda nadie para cuidar a estos niños, es momento de pensar en las leyes y hacer el proceso de adopción más fácil”.

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NELSON CASTRO ENTREVISTA A LA DOCTORA ELISA CARRIÓ

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 2, 2006

Diputada ELISA CARRIÓ

Medio: TN
Programa: El juego limpio

“Estamos en un momento histórico muy importante para decidir qué queremos ser para adelante, o volvemos a la tragedia o fundamos la paz”

Medio: TN
Programa: El juego limpio

NELSON CASTRO: Doctora Elisa Carrió ¿cómo le va?

ELISA CARRIÓ, diputada nacional – ARI: Muy bien.

NC: Queríamos compartir con usted alguna reflexión de esto que ha pasado esta semana (incidentes de san Vicente)

EC: En realidad no es lo que ha pasado esta semana, es lo que viene sucediendo desde hace un año y medio sin que la sociedad registre claramente hasta el punto de lo brutal. Hay una secuencia muy larga de fuerzas de choque, de desencadenamiento de la violencia. Lo vengo diciendo hace tanto que ahora ya no lo quiero decir más. La lógica de la violencia es imparable, es decir, cuando el poder habilita la violencia cree que lo controla; pasó en los setenta y después es incontrolable. Esa es una parte del proceso. Y esto va a ser imparable, yo quiero ser clara en esto, pero esto no es lo importante ahora, porque en otros momentos de la historia también fue imparable. Lo que no es imparable es cómo respondemos como sociedad, esto no es imparable, esto es evitable, yo sé que en general no se me escucha pero hoy a la sociedad le pido que me escuche. Primero tenemos que darle un sentido, un sentido y un significado a esto.

NC: Sí, son dos cosas distintas.

EC: Son dos cosas distintas. A mí me da la impresión en primer lugar que es como si alguien, un gran maestro, un pedagogo, o Dios, nos estuviera mostrando en la televisión la vuelta del pasado, en términos paródicos, todavía no trágicos, como una gran tragicomedia que tiene que tener un sentido, que es, nosotros estamos en un momento histórico muy importante para decidir qué queremos ser para adelante, o volvemos a la tragedia o fundamos la paz, es así de simple, es así de sencillo. Ahora ¿qué es lo que hay que definir primero en este aspecto? Los que estaban ahí, los que promueven la violencia, los que se enriquecieron, los que usaron al pueblo no son los que aman a Evita y a Perón, porque si no volvemos a la antinomia peronismo-antiperonismo. Hay mucha gente que está en su casa, que amó a Evita por la máquina de coser y que no tiene nada que ver ni con los setenta, ni con la generación de violencia de este momento. Lo segundo es que quizás le tendríamos que explicar a nuestros hijos cuántas veces por indeferencia, por miedo, fuimos cómplices de la violencia generada por los violentos que como bien dice el Presidente después se sienten víctimas porque de la violencia también son víctimas los violentos, las primeras grandes víctimas de los violentos son los violentos, ellos son los máximos perjudicados pero también dañan a una Nación. ¿Qué hace una señora o un señor que está en su casa? Primero decide interiormente nunca más la violencia; segundo le explica a sus hijos lo que vivimos, como en el Pesaj judío, en la pascua judía, para que nunca más se repita. Y tercero, yo los invito a hacerse un juramento en el corazón, es decir, trabajar por la paz, trabajar por la no-violencia, trabajar por una República en serio, registrar, porque a veces el bolsillo está lleno pero de repente se nos mueren los hijos en la calle.

NC: En este contexto… porque usted marca bien, acá estamos en dos planos diferentes, uno es el de la disputa por el poder que es licito y genera las controversias de cualquier sociedad pluralista. El tema de la violencia ya es algo que trasciende lo partidario. Hoy la dirigencia política toda, la opositora, oficialista ¿qué capacidad de diálogo tiene para darse cuenta de este problema y para decir en conjunto “a esto no”?

EC: El problema es que el gobierno es el principal violento, las fuerzas de choque son habilitadas por el gobierno, es el poder el que genera violencia, es desde la presidencia que la violencia nace, ahí tenemos un problema mayor. Si usted mira la oposición estamos todos de acuerdo en esto pero lo cierto es que acá hay un poder, un gobierno y ministros que habilitan las fuerzas de choque.

NC: Cuando Kirchner dice en su discurso de hoy “no a la violencia” ¿a usted le genera algún sentimiento de contradicción?

EC: Me hace acordar a “La Caída”, es una película sobre el final de Alemania donde finalmente tanto Goebbels como Hitler dicen el pueblo es culpable porque nos votó. Entonces lo primero que tiene que hacer alguien que promueve la no-violencia es no tener fuerzas de choque. Si la semana pasada en el Hospital Francés mandó las fuerzas de choque, si en la contramarcha de la seguridad había fuerzas de choque, cuando uno habilita la violencia, el mismo discurso violento desde una presidencia habilita la violencia. Por eso viajé a Sudáfrica, porque si usted recuerda yo desde el principio estoy diciendo que vamos a la violencia, vamos al fascismo, y la verdad es que todo el mundo me decía que exageramos, y ahora no quiero que me digan que tengo razón porque nuevamente es tarde como cuando se llevaron los ahorros. Lo único que sí quiero es una salida para adelante. Yo tengo una fuerte esperanza si la sociedad no se presta a ésta violencia, si los peronistas que amaron a Evita se dan cuenta del uso que están haciendo de ellos; si la oposición no se vuelve gorila por esto, porque hay que mantener la calma, hay mucha gente que hoy dice “son los de siempre”,  los violentos son los de siempre, pero los peronistas no son todos violentos, porque no podemos volver a la autonomía de los cincuenta, porque si tratamos de reconciliar, si tratamos de fundar la no-violencia, si tratamos de prepararnos para la construcción republicana que va a tener que venir, esta República está perdida, a ver si se entiende, esto está claro, la República está perdida, el Estado de derecho está perdido, muchos recursos naturales están perdidos, ya está perdido, entonces ¿qué podemos hacer frente a esto? Que mientras se desenvuelva la lógica violenta al interior del poder y ya ahora en el seno interior del propio peronismo tenemos que ir armando la reconstrucción republicana, esto es lo que hay que hacer, y tener mucha serenidad ¿Qué pasó en los setenta? La sociedad se compró la violencia y estuvo de un lado o del otro, ahora lo que la sociedad tiene que hacer, y yo le ruego, es correrse.

NC: Eso se observa, afortunadamente eso se observa…

EC: Pero tiene que correrse más decididamente, y darle legitimidad a un presidente, tiene que correrse de modo que si la sociedad se corre esto no va a tener grave daño a la nación. Toda la vida me ha tocado un servicio difícil a la Nación que es decir las peores cosas en los peores momentos, es decir, dar malas noticias, yo creo que ahora tengo buenas noticias en el mejor sentido de la palabra, que si nos corremos, que si ese conflicto se resuelve finalmente como ellos decidan resolverlo, pero nosotros vamos camino a esa República, a esa reconciliación nacional, a esa verdad, a esa justicia, a esa sociedad de paz, a esa nueva confianza, creo que esta sociedad tiene una capacidad enorme y no va a haber daño ni económico… y quizás sea una gran oportunidad histórica porque ¿se podrá gobernar con este sindicalismo? Es una oportunidad histórica, los juicios de Dios son muy particulares, la gente se auto-ejecuta, lo que vemos son auto-ejecuciones, la gente se auto-daña y se muestra. San Pablo en una de las epístolas decía “Dios los vuelve insensatos antes de llevárselos”; o vuelven a la sensatez o en todo caso es algo que debemos pasar como aprendizaje histórico. Lo que no puede pasar es que de nuevo digamos “estamos hartos, son los mismos de siempre” y no mostremos en nuestra casa a nuestros hijos que ésta fue la violencia que mató generaciones, que ésta fue la violencia que nos llevó a chicos fuera del país, y entonces prometernos todos que nuestros hijos y los hijos de nuestros hijos tengan un país de paz.

NC: Debo ser honesto, Kunkel acá más temprano yo le señalé esto y él reconoció que era un error aprovechar y fomentar grupos de choque. Dos preguntas finales ¿no hay ningún diálogo entre estructuras de la oposición suyos o de otros, con ningún nivel del gobierno?

EC: No.

NC: ¿No lo ve posible en un futuro?

EC: El problema es que solo hay cooptación, solo hay compra, solo hay humillación, solo hay destrato, pero hay muy buena relación entre dirigentes de la oposición, sobre todo aquellos que no tienen especulación política y que no quieren sacarse fotos.

EC: Si hoy el Presidente la llamara…

EC: Yo no iría, y se los digo sinceramente, no por no confrontar sino porque no le creo. Él es un ser demasiado violento, sería casi como formar parte de nuevo de una gran mentira para el uso de ellos, ellos usan todo, si usan el cuerpo del muerto más querido por el peronismo, si usan el cuerpo de Evita ¿cómo no van a usar a un enemigo? Para ellos somos enemigos. Entonces, en esto hay que tener mucha serenidad, lo de ellos va a decantar solo, viene un tiempo que se llama el adviento que es un tiempo de separación de la paja y el trigo, quizás alguien esté separando y se esté llevando la paja, ojalá que seamos trigo.

NC: Doctora Carrió, muchas gracias.

EC: No, al contrario.

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Reportaje a JULIETA VENEGAS

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 2, 2006

El ácido cítrico y el cloruro de sodio conforman el complemento tequilero por excelencia. Sin embargo la mexicana Julieta Venegas, que bautizó a su flamante y exitoso disco Limón y sal, el tequila lo bebe solito y solo. “O con sangrita”, se ríe. Pero aclara: “A todo lo que como le pongo limón y sal: A las tortillas, al arroz, a la fruta… ¡A todo!”. El arte de tapa, con cierto guiño a Frida Kahlo, surgió –según Julieta– en la búsqueda del color. ” Limón y sal es un título muy de sabor, muy latino. Y, en ese sentido, cuando hicimos el arte con Ale Ros, queríamos colores fuertes. Y en ese sentido, Frida y toda la estética mexicana tienen mucho de eso, muchos amarillos, azules, rosas…¿Cómo transmites esa cosa de «lo rico», cuando se te hace agua la boca todo el tiempo, en una foto? La intención era jugar con eso, sutilmente”.

 

¿Es tan directa la relación entre tu separación [de Jorge Villamizar, cantante de Bacilos] y las letras del disco?

No fue tan marcado, pero creo que tenía la necesidad de escribir canciones que hablaran más profundamente de lo que puedo esperar de una relación. No tenía ganas de escribir canciones felices, y eso refleja lo que estaba pasando en mi vida. No es que tuviera que desahogarme, pero sí tenía ganas de profundizar deotra manera. Creo que es un disco del amor en todas sus caras.

Y es curioso, porque no es un disco triste…

Es que lo que trato de contar en las canciones: aunque hable de separaciones,es mi visión de las cosas. Yo no creo que viva las cosas como las vivía hace algún tiempo. Creo que en este momento mi vida se está balanceando en muchos sentidos, emocional y profesional… Aunque no pienso en eso a la hora de escribir, profesionalmente me siento más estable y tranquila. Y eso no tiene que ver con estar en pareja.

¿Reflexionás mucho sobre el amor en tus conversaciones?

Cuando me siento a escribir, es lo que me jala siempre. Por eso vuelvo a lo mismo. Escribo por necesidad, de una manera muy terapéutica. Si empiezo a escribir sobre un tema y no lo estoy sintiendo es muy difícil. Pero también me gusta mucho practicar la psicología amateur entre amigos. Dar consejos, escuchar y todo eso…

En el DVD, Dante habla del “mundo del hip hop” y del “mundo de Julieta Venegas“. ¿Cuál es ese mundo?

Siempre me he movido en varios mundos, y no sé cuál es mi estilo. En general, cuando algo me gusta y me siento cerca de esa música, me tomo la libertad de acercarla a lo mío y acaban siendo unas mezclas muy extrañas. Estudié clásico por años, luego toqué con grupos de reggae, ska, rock… Luego empecé a componer… Y me siento tan familiar con algo de hip hop, como con algo de electrónico o algo de folclore. Pero el eje de todo siempre han sido las canciones.

Tu formación es esencialmente académica. Un quiebre para acercarte al sonido popular es comenzar a tocar el acordeón. ¿Cómo surgió esa idea?

Es un instrumento que siempre me llamó la atención, y nunca sabía cómoabordarlo. Cuando empecé a tocar sola, me quería despegar del piano. El primer acercamiento no vino por el lado de la música norteña. En ese momento, escuchaba mucho a Tom Waits, y me acercaba más el lado melancólico del instrumento. Con el tiempo, empecé a asociarlo a una música más festiva. Y ahora lo toco de una manera que tiene más que ver con lo norteño. Es un instrumento que le da una cosa muy orgánica, muy de tierra, a la canción.

¿Cuál es tu primer recuerdo musical?

Mi mamá nos cantaba canciones de Los Tigres del Norte para ir a la escuela.En casa además se escuchaba Juan Gabriel y José José. Pero también The Cure, The Police y Soda Stereo. Tocar el piano me sirvió para encontrar milugar en la casa, y en el mundo.

¿Y cuándo empezaste a cantar?

A los 16 o 17 años. Metía unos gritos tremendos, y era una experiencia liberadora. No podía creer estar cantando en un escenario, porque veníade estar tocando el piano encerrada todo el día. Subir a un escenario,componer, improvisar, escribir letras, cantar… fue como pasar a otracosa. Nunca volví ni a tomar clases, ni a la música clásica.

¿Cómo fue grabar otra vez en Buenos Aires?

Soy fanática de las metrópolis, y me encanta esta ciudad a nivel estético, visual y cultural. Buenos Aires es muy rica. La grabación te sumerge en un submundo, pero es lindo salir las noches y los días libres.

Lograste una unión muy fuerte con artistas de por acá…

Siento una afinidad muy natural. De una u otra manera, me he ido cruzandopara trabajar con gente de Argentina. En mis primeros discos, fue con Gustavo Santaolalla. Cuando dejé de trabajar con él y estaba buscando productor, aparecieron Coti y Cachorro. Ya parecía natural que fueran argentinos… Pero creo que, en realidad, todo pasa por una cuestión de afinidad.

Igual que a vos, a tu amigo Joselo, de Café Tacuba, y a P.G. Beas, de Nortec, les gusta mucho la literatura. ¿El rock mexicano se vuelve intelectual?

No lo sé, porque en el backstage de los festivales no hablamos mucho de libros [risas]. Ojalá que sí, porque creo que la literatura, y el arte en general, te enriquece mucho. Es un gran alimento. A mí es algo que me ha gustado hacer desde chica, y me gusta tener pláticas de literatura…

¿Y qué hay de tus lecturas?

Soy muy curiosa y leo de todo. También historia y sociología. Pero cada vez que Paul Auster o Harumi Murakami sacan un libro, corro a comprarlo. Me gustan Nick Hornby y José Saramago. Lo sé, es una mezcla extraña. Juan Rulfo me parece que tiene un lugar de literatura clásica-moderna… Siempre estoy buscando a alguien de México que siga esa línea.

 

Julieta Venegas – Limón y sal

 

 

Fecha: 01.10.2006
Duración: 3:31 min.

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Gustavo Cerati

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 2, 2006

La excepción”, nuevo corte de Ahí vamos, que acompaña el último reportaje que el músico le dio a Rolling Stone.

Lleva más de la mitad de su vida en el oficio de estrella de rock. Veinticinco años en los que él también demolió hoteles: llegó a tirar un bidet desde una ventana. “¿Qué otra cosa puedo hacer?”, se pregunta Gustavo Cerati en esta entrevista realizada en Buenos Aires y Nueva York, entre aeropuertos y pruebas de sonido, durante su gira más ambiciosa, exitosa y divertida de la última década.

La condición de pasajero en tránsito empieza en Nuñez a eso de las seis de la tarde y finalizara en la sala de embarque de Ezeiza. Tres horas, o poco más, es el tiempo de una modalidad periodística infrecuente pero apropiada: la charla en movimiento con Gustavo Cerati. Las circunstancias son: una combi, que lo conduce desde su casa a Ezeiza, la fila de espera para el check-in y de ahí a un bar del aeropuerto. La situación, decíamos, es oportuna: el músico odia volar pero vivir en gira es una droga que consume desde su tierna juventud y, salvo excepciones que luego detallará, tiene consecuencias químicas sobre su cuerpo, le mejora la autoestima, el semblante, la capacidad de disfrutar. Todo eso le está ocurriendo ahora mismo. Son efectos reconocibles desde las epopeyas continentales de Soda Stereo, casi 25 años de rock subido a giras interminables y a las tentaciones del camino. En ese espejo de “ser humano on tour”, se mira y reconoce a un baby face de 47 años, un héroe de la guitarra y el rock en español que nunca mostró en forma impúdica sus descensos a la liga infernal. “Hace mucho que me considero un sobreviviente. Me encuentro con gente de mi edad, tipos como [Roberto] Pettinato o [Ricardo] Mollo, a quienes conozco de la época de Sumo, gente cercana, que crecimos juntos en la popularidad, y realmente somos sobrevivientes. Siento un poco eso. Te metiste de todo y seguís forzando la máquina”, dice Cerati. Mira fijo. La combi plateada enfila hacia la avenida General Paz. Las décadas desde su debut, las huellas que deja en su vida el oficio que eligió, los motivos de una extraña figura pública alejada del mito, pueden repasarse rápido. “Podemos ir más despacio, tenemos tiempo”, es la sugerencia al chofer. Ahí vamos…

“De alguna manera fuimos participes, testigos, y usadores de una industria que se desencadenó ahí, en los 80. Hasta los 70 todavía existía aquello del loquito que zafaba de la regla. Incluso dentro de mis propiosamigos –ídolos de juventud que yo tenía– hubo varios que se tomaron un ácido de más y se fueron lejos, onda Syd Barrett. Pero eran como pequeños exabruptos dentro de la situación general. En los 80 realmente hubo descontrol, porque todavía no veíamos los efectos nocivos de la situación ni teníamos clara la situación en sí: el mercadoera algo nuevo. A lo largo de los años he jugado con el abuso y con la constricción en varias oportunidades. Sucede que algunos hemos tenido mejores niveles de alarma.” Ni del éxito regional de su disco, ni de la estéril discusión entre rock barrial y pop sofisticado. Cerati habla de él mismo como si las marcas del pasado estuvieran presentes en la línea de tiempo de un artista lúcido y trabajador que fue prócer, decidió dejar de serlo y hasta se expuso a lo que pocos, más allá de cierta indiferencia, cierta desconsideración. Hace dos meses que dejó defumar, luego de sufrir una tromboflebitis y permanecer un par de días en terapia. Un susto. Como si hiciera falta para comprobar que hoy, a veces, su vida privada se juega en público sin filtros, el último cigarrillo lo encendió para interpretar al detective melancólico y marlowiano de su videoclip de “Crimen”: “La verdad que si no hubiera estado fumando en ese momento hubiera tenido que fraguar el cigarrillo de alguna manera,hubiera sido una situación muy complicada para mí. De última, ya solucionado ese tema, lo que se ve en el video realmente es el últimocigarrillo que me fumé. El otro día estaba viendo algunas cosas, momentos antiguos registrados en videos, veía qué tan asociadoestaba realmente al cigarrillo a mi vida. No digo que lo haya dejado de estar porque de alguna manera va a seguir estando, como un alcohólico, después de tantos años, pero ya hasta me parece extraño verme así. Hasta pienso que el cigarrillo no me queda bien [risas], que es medio ridículo. Pero básicamente dejé por un susto”.

–¿Cuánto fumabas?

–Casi dos atados diarios.

–Demasiado…

–Curiosamente, dije: “Bueno, me pasó esto en la vida, aprovecho”. Porque no había una concreta relación entre lo que me pasó a mí a nivel de salud con el cigarrillo. No era determinante. Me parece increíble lo poco que me costó.

–¿Fue una decisión instantánea? Dejo y chau…

–Ni siquiera me puse parches, fue el susto suficiente como para decir: “¿Quiero que la próxima sea directamente el fin?”. Considero que esas situaciones después de los 40 son llamados a cambiar la vida. Lo veocomo algo que tengo que superar porque es la única manera de oponerle a esa alarma un cambio realmente de algún tipo. Se suponeque encadena otros cambios también, que tienen que ver con las limitaciones.

–Te obliga a repasar tus hábitos…

–Hay un deterioro progresivo, que no sé si no es peor en definitiva, lento, no muy perceptible, pero que en algún momento explota. Había amigos como Richard [Coleman] que eran capaces de duplicar o triplicar la suma de lo que uno podía tomar o cosas así. Yo tenía un mayor cuidado, me parece…

–¿Ya habías pasado por situaciones de susto antes?

–Sí, muchas veces. Desde el comienzo casi. Recuerdo una concretamente: grabando Signos, un disco muy sufrido desde latecnología, fue complicadísimo todo. Y además realmente estábamos tomando mucho, entonces eso amplificaba todo el desastre. Recuerdo terminar en el hospital, desesperado, pensando que era el fin. Y bueno, así, semanas de ese tipo de situaciones.

–¿En esa época cualquier cosa era válida para probarte hasta dónde podías llegar en la etapa de creación?

–Todo estaba relacionado. Sobre todo porque en este caso era básicamente cocaína, era lo que estaba conectado a quedarse miles de horas despierto y tratando de solucionar lo insoluble, encontrando problemas donde no los había, y al mismo tiempo teniendo cierta conciencia de responsabilidad, de terminar con ese disco, de estar enun momento muy especial con la banda. Era toda una situación exagerada. Todas las letras del disco se hicieron en una sola nochey era la noche antes de que yo tuviera que cantar. Era una mezcla de tortura y excitación, porque al mismo tiempo, en la medida en que las iba terminando y se iban completando como rompecabezas, iba sintiendo como una excitación muy particular.

–¿Esa forma definió una búsqueda musical en las palabras?

–Hay una búsqueda musical porque a mí me inspira escribir letras a partir de la música. Naturalmente, uno tiene la antena para cosas que ocurren alrededor, situaciones que tienen que ver con tus vivencias, pero la verdad es que en la música está lo que quiero decir. Y si a veces despotrico un poco con el tema de la lírica, lo hago de la misma manera con el lenguaje, en definitiva son especies de prisiones, son como situaciones mucho más terrenales. La música es como volar. Yade chico no podía escribir muchas historias, era más descriptivo en cuanto a lo emocional y estaba mucho más interesado por lossurrealistas y aquello que me llevaba para otros lados, por eso era tan fanático de Spinetta en su momento. En realidad soy una persona muy titulera, tengo títulos. Y ya los títulos casi dicen todo, ojalá pudieran sernada más que eso solo, pero generalmente necesito escribir sobre eso, entonces le doy vueltas a esa cosa.

Otra combi, ahora en Nueva York, traslada a Gustavo Cerati hacia un restaurante naturista, “sanito”, del downtown de Manhattan. Ya pasó la prueba de sonido de uno de los puntos más altos de la gira: un concierto gratuito en el Central Park en el que una parte de la multitud latina que esperaba volver a verlo quedará del lado de afuera de las rejas del Summer Stage: la capacidad de 5.000 personas fue desbordada. El show, una versión condensada del que presenta con esta gira por toda América, le ofrecerá la chance de medir los resultados de su movimiento perpetuo. Ahí vamos… es sin duda un leitmotiv y las audiencias fervorosas, de Chile al DF mexicano, de Bogotá al estadio Obras y acá en Nueva York, lo perciben. “Hamburguesa vegetariana, pero no de soja”, dice al camarero latino. “Me trae problemas con la coagulación”, aclara por lo bajo. Ya en confianza, distendido, suelta una de las frases más elocuentes sobresu actualidad: “Con los años, se aflojan los tensores del cuerpo pero también los de la personalidad”.

Después de verlo en un partido de truco junto a Adrián Taverna, técnico de sonido desde los días de Soda Stereo y viejo compañero de emociones, o de escucharlo bromear sobre mujeres con Richard Coleman, pueden comprobarse al menos dos cosas de Cerati 2006: a) que está muy alejado del tipo con poco o nulo sentido del humor que puede adivinarse en sus letras y sus apariciones públicas; b) que su nueva banda con Coleman, Samalea, Fernando Nalé y Leandro Fresco (además de Taverna) es una selección del rock latino de Fricción a Kuryaki pero también una crew de seres curtidos en gira, amantes de la ruta y sus hábitos. Como él.

“Es cierto. Soy más payaso de lo que parezco. Uno de mis apodos en la intimidad de las giras es Torpeman: soy capaz de tirar una mesa completa ya servida”, confía. Y vuelve sobre aquello de los tensores de la personalidad: “Yo siempre traté de controlar todo, traté de mantener esos aspectos alejados de mi personalidad. Pero con el tiempo vasextremando el control y te convertís en un personaje de eso mismo. Ya no me siento cómodo tratando de cumplir una expectativa. Más cuando te golpea la salud. Cuidaba el personaje, un espectro, pero no me dabaimportancia, había como una disociación. No creo que haya cambiado; sólo cambié el eje de dónde pongo más atención. Ahora me cuido a mí, no a lo que piensen de mí. Tuve momentos de mi vida de fingir y vivir una intensidad de felicidad pero estar resquebrajado como el peor”.

 

–Nunca te mostraste como un artista torturado, sufriente, atormentado… Tampoco el descontrolado. Es algo muy presente en el imaginario rockero y vos te mantuviste al margen.

–No me interesó mostrar esa faceta. Nunca creí que la obra estuviera ahí. Pero debo confesar: “¡Yo llegué a tirar un bidet desde un hotel!”.

La anécdota corresponde a las primeras grandes giras de Soda. Un cinco estrellas de Mendoza. Un jacuzzi. Y un encargado que se niega a habilitarlo. Resultado: Cerati, el de los raros peinados nuevos, arrancael sanitario y lo lanza por la ventana. “No es ése el recuerdo general, pero Soda era una banda intensa. Cuando empezamos el circuitode Marabú, las discotecas, estaban Los Twist, Sumo, Los Abuelos… Nosotros éramos un trío de rock, hacíamos un ska distorsionado, pop potente. Había que salir de gira por el Gran Buenos Aires y bancársela… y en esa época casi nadie quería tocar después de Soda. Era intenso.”

Hoy, en esta gira de más de dos décadas después, la intensidad se juega de otro modo. Quizá lo que mejor resuma la situación es un signo apenas perceptible, sobre el que vale la pena poner atención, una mirada cómplice, risueña, de compadres, que lo une con Richard Coleman, ubicado a su izquierda en el escenario durante la gira.

“Estamos en esto. Esto somos. Es nuestro trabajo, nuestra vida. Miramos el futuro preguntándonos: «¿Podremos seguir sintiendo así? ¿Podremos seguir siendo para siempre así?». Este disfrute, esta rutina. En el último tiempo recuperé la capacidad de disfrutarlo, ya casi no me planteo la posibilidad de parar. Es más, la fantasía de abandonartodo, de irme a pintar óleos a Uruguay, ya casi no aparece como posibilidad, la abandono antes de hacerme una idea clara de cómo sería mi vida así. Habría que ver si realmente soy capaz de vivir de otra manera. «¿Qué otra cosa pueeedo hacer», como dice el tema. Siento que tengo que ponerme las pilas, que es mi trabajo.”

–¿Como placer o como responsabilidad?

–Ambas, justamente. Es mi esencia y mi trabajo. Porque pasé por todo… Por graves disociaciones. Por momentos en que la estructura laboral, la máquina, era enorme y yo no lo podía sostener. De “Graciastotales” pero no poder agradecerme la vida que tenía. De soportar la presión del resto. No te olvides que yo, literalmente, colgué una gira de Soda, los abandoné, en México les dije: “Me bajo”. Y me fui a Chile a vivir con mi mujer el embarazo. Después viene el momento en que voy a la oficina nuestra y frente al mánager estaba sentado Cordera, de Bersuit. Había un tema económico, muchas personas, familias que vivían de esa estructura. Yo sentí esa presión. Y forzamos un poco más la máquina. Hasta que en dos shows de Viña del Mar y el Festival Alternativo en Ferro ya no había disfrute ninguno. Lo vivía como una prisión artística y laboral. No hay nada peor que no sentir.

–Ese estado, ese “no sentir”, las religiones orientales lo tienen como una búsqueda profunda…

–Sí, claro. Pero no hablo de paz interior. Hablo de estar viviendo a mil, en un estado de excitación máxima, de supuesta situación placentera, de reconocimiento externo, y por dentro no sentir nada. No tener lacapacidad para asimilar nada bueno. Ahora puedo sumar esa rutina y el disfrute. En ese sentido el año 2005 fue súper importante, a nivel personal. Un tsunami. Muchos tsunamis. Dejar fluir las emociones profundas a cualquier costo. Decidir que las cosas son blancas o negras, como la gráfica del disco. Sin grises. Recuperar cierta inconciencia, controlar menos. Estaba demasiado preocupado por qué pensaban de mí, disperso. Decidí cortar con eso.

La combi se detiene en el espigón internacional, y no más dar unos pasos para que las miradas anónimas apunten directamente al hombre vestido de negro. Una rubia bien afinada en sus cincuentilargos exige, más allá de las sospechas, una foto para sus hijas; Cerati accede sin reparos mientras el marido de la madre extravertida apunta sin mayor pericia su celular de luxe: “Me parece que no salió”, dice la señora devenida en fan y cuando el canoso repite la operación, su mujer le roba a Gustavo un beso en la mejilla. El tipo que sostiene el celular queda petrificado. La carcajada de Richard Coleman aparececomo un buen augurio antes del viaje.

–Estás más flaco, Gus –dice Richard.

–¿Te parece? Debe ser el negro –responde Cerati.

–Me vas decir a mí… –remata Coleman. Y todos se ríen.

Junto a Fernando Samalea, Coleman forma la guardia vieja de la nueva banda de Gustavo Cerati. Si se suman los apellidos es casi un renacimiento de Fricción veinte años después, el grupo en el que el líderde Soda Stereo buscaba aire justo cuando el trío empezaba a tornarse un artefacto de alto consumo. “Con Richard somos como guerreros. Eso nos une, tenemos la armadura puesta. Hubo épocas en las que no lo veía muy bien, y nos costaba enganchar, estábamos en sintonías muy diferentes. Pero encontrarme con él así, como purificado, me hizo muy bien. Lo mío, mi viaje, también ha sido diferente en algunos aspectos. Me he llenado de humo, me he llenado de algunas cosas y en algún momento he tenido que pegar ciertos cortes, pero no he tenido violencias tan fuertes. Posiblemente, más que en pequeños hechos, no ha pasado que mi vida haya descontrolado a ese punto. A Richard lo vi en épocas que decía: «¡Guau!, ¿dónde está?». Richard ha estado cerca de la muerte en más de un par de oportunidades…Siempre lo vi como un artista muy potente, con una lírica potente, con música, un tipocon muchas ideas. De hecho Fricción sirvió como una gran inspiración para mí y para Soda Stereo también”.

Antes de sentarnos en un café, Cerati compra una pila de revistas: Veintitrés, Gente y Caras, entre otras, y acepta la sugerencia de llevarse un libro, los Diarios de Kurt Cobain. De nuevo la vista ajena sobre sus hombros, “la caravana de miradas se lleva algo de mi esencia”, dice la letra de “Caravana”, el track espacial de Ahí vamos. “He tenido momentos de suficiente nivel de paranoia, de no estar bien conmigo, de no estar tranquilo, entonces darme cuenta de que voy a pasarla mal. Recuerdo haber estado tres meses sin salir de mi casa. Pero no porque me fuera a pasar algo, sino por no poder enfrentarlo.Prácticamente es un ataque de pánico, no del todo declarado, no es que me faltó el aire o algo así. Con la muerte de mi viejo las cosascambiaron muchísimo. Ahí apareció la debilidad, la posibilidad de la muerte, el arrastre que lleva consigo eso, y hubo muchos cambios en mi personalidad en ese aspecto, de creerme un poco inmune, de caminar un poco en el éxito de las cosas y no darles pelota a los fracasos que están ahí y son patentes y que tienen que ver con errores, situaciones que no solucionás y que en algún momento explotan todas juntas. La cuestión de las relaciones, el no tener tu casa, el vivir todo eltiempo en una especie de nube de pedos.”

Colores santos (1992) el disco a dúo con Daniel Melero reflejó esa etapa de vulnerabilidad y pánico contenido, una obra de popencumbrado y nunca reconocido en su real dimensión: “Ahí se conjugó una unión muy especial. Por un lado estábamos armando un disco que era una especie de sampleadelia, porque la verdad que fue la locura y la excitación del sampler. Yo estaba con mi máquina, que la usaba para hacer batería y de golpe descubrí que podía grabar pedazosmucho más grandes, Daniel había empezado ya con ese tema con el disco anterior, y ahí explotó todo. Fue como un descubrimiento de capas sonoras, pero no terminó ahí, eso era desde el punto de vista técnico musical lo que nos entusiasmaba, pero la profundidad del mensaje de ese disco, de lo que ocurre con ese disco, de la emoción de ese disco, estaba muy inyectada por las experiencias personales profundas de ese momento. Hay temas como «Medicina» que hasta que no murió mi papá no lo pude terminar, y lo tenía casi ahí, sabía que tenía la canción, y tuvo que morir mi papá y ahí pude cerrarla esa misma noche. Era muy fuerte todo lo que estaba pasando. Pesadillas,sueños que nos contábamos el uno al otro y que eran los elementos básicos con los que trabajábamos en las letras. Fue un gran momento ese encuentro con Daniel, y yo creo que por eso ese disco me parece que tiene una profundidad más allá de su estructura. Muchos lo ven como un disco electrónico, varias veces hemos dicho que hasta yofui mucho más electrónico que Daniel, y los mimetismos… Y lo mismo me ha pasado después con otros artistas, de alguna manera me mimetizo, compito, me recargo”.

–¿Dentro de Soda, Zeta [Bosio] y Charly [Alberti] eran más cerrados o celosos de tu entorno?

–En la época con Daniel creo que había una lectura, el miedo de que…, dado que teníamos un entendimiento musical con Daniel muy particular, y que estábamos muy entusiasmados con lo que hacíamos dentro de Soda Stereo y fuera, para mí empezaba a ser realmente como un socio compositivo, y nunca dejé de pensar que cada uno tenía sus propias cosas, pero había una sensación como de peligro que podían llegar a sentir Zeta o Charly. No era explícita, igual los beneficios eran mucho mejores que las complicaciones, en ese aspecto. Quizá más en el entorno extra grupal que básicamente con Zeta o con Charly. Después de todo, desde el punto de vista compositivo en Soda Stereo prácticamente he sido el que ha hecho todas las canciones, entonces yo también estaba buscando y eso explicó un poco el hecho de que yo hiciera otras cosas, buscaba un poco un socio compositivo. No tenía eso adentro del grupo, hice cosas con los chicos, pero nunca nos juntábamos mucho con Zeta a componer, por ejemplo, no pasó eso, me sentí un poco solo en esa labor y a veces me parecía que era muy pesada para mí, necesitaba alguien con quien armar un poco más esa parte.

–¿Cómo funciona esa competencia creativa?

–Disfruto mucho de la competencia creativa, tengo admiración por otros músicos, no me siento realmente en un estado de Parnaso. El tiempo no parece pasar en eso, y me encuentro reseteándome todo el tiempo. Tengo un pésimo ejercicio de memoria, no me interesa lo que ocurrió. Nos vamos poniendo un poquito más grandes y empezás a recapitular un poco, pero la verdad es que mi tendencia natural es a no ir acumulando de esa manera, me cuesta ver para atrás. Entonces veo en el hoy músicos o gente que me producen mucha admiración, y quiero aprender de ellos y quiero competir con ellos, pero desde un lugar que me haga bien, siento que me hace mejor cuando aprecio laforma en que componen otros: me ha pasado con Daniel, y también obviamente con Richard, Leandro [Fresco], gente con la que he trabajado…

–¿Esa forma de retener el tiempo te hace olvidar que ya no sos tan joven?

–No tengo edad. No siento la edad. Obviamente que hay cosas, pero no siento la edad en ese aspecto. No siento que tenga edad, algo que decís: “Ahora me llegó el momento”.

–El síndrome de Peter Pan dentro del rock…

–No es eso. Peter Pan sería como que quiero ser joven todo el tiempo y no me parece que sea así, es diferente a decir “no tengo edad”. Reconozco que este disco tiene como un espíritu adolescente, muy bien lo de Kurt Cobain, pero viene con un espíritu adolescente que es inherente al rock mismo y eso no se puede evitar. Hay un Peter Pan en todos los que hacemos rock, no es que yo ostente eso ni mucho menos. Pero sí me parecería patético quedarme encapsulado en ese momento, hay muchas cosas que no van a cambiar, y voy a seguir… no voy a cambiar, voy a tener 60 años y voy a estar más viejo, alguno dirá: “Pará, verde”, pero no van a cambiar. Porque lo veo en otros también, veo en otros que están más grandes que yo desde el punto devista de la edad. Pero sí me parece patético tratar de mantener un espíritu adolescente a ultranza, lo que tiene que ver con el mensaje que vos pregonás hacia la gente que va a ir a verte. No hay una intención mía de capturar nuevo público, onda “ahora me pongo Disney”. Creo que lo que me pasa es realmente honesto, no hay una cosa que yo planeo, que intente configurar de mi ser.

Las ideas sobre el paso del tiempo se retoman caminando por la avenida Broadway, cerca de la disquería alternativa Other Music. “Mi relación con Nueva York es de la infancia. De una foto que tenía mi viejo en la que se veía el Empire Estate, King Kong, los 12 años, ese imaginario. Es como que en esa época las distancias eran más grandes…Ahora me gusta venir de vacaciones con mis hijos. Hacer vida de vacaciones, paseo, compras… Para ellos es parte del mapa, en mi época era parte de la fantasía.”

Si uno repasa la vida personal de Cerati a través de los lugares en los que vivió, se choca con una secuencia en la que la huidiza propensión del prófugo se ve retenida por la tensión del regreso al lugar de origen. Fue un niño en Barracas, de depto y plaza, hasta los 5 años. Fue un chico de Colegiales, de PH al fondo con un inmenso y único pino, hasta los 9 años. Fue un pibe de Villa Ortúzar, en los bordes de Colegiales, a cuadras de la disco New York City y la pizzería La Mezzeta, de primaria y secundaria en el San Roque, el colegio parroquial del barrio. Ahí mismo sigue viviendo su madre y ahí volvió en el 89, antes de Canción animal, en un momento de cierta conmoción hasta que seinstaló en su barrio adoptivo, digno del fan de Spinetta que supo ser: Bajo Belgrano. Su primer depto propio había sido en Barrio Norte, en un coqueto edificio en Juncal y Azcuénaga, y desde ahí se mudó, en el 87, ya consagrado a nivel latinoamericano a otro depto, más moderno, en Belgrano: timbre 4to. B. En el 93, en un abandono de Soda, y de su vida porteña, se instaló en Santiago, Chile, con Cecilia Amenábar. Volvió al Bajo Belgrano hasta el 2000, cuando se fue a una casa suburbana, la primera, en Vicente López. Tras un paso por Palermo junto a DéborahDe Corral, su pareja de entonces, volvió una vez más al Bajo Belgrano, muy cerca de donde vivía antes.

–¿Cuánto condicionó tu oficio de rock star la vida afectiva, la vida personal?

–Hay algo cierto: es muy difícil estar en pareja conmigo. No tiene que ver con lo afectivo. Ni con la actitud de seductor compulsivo, solamente. Sino con la rutina, con la dinámica de mi vida. Los hoteles, la gira eterna. En ese sentido mis últimas relaciones han sido cada vez mejores. Donde se entiende la posibilidad de respetar hasta eso: una idea de complicidad, de compañerismo en esos aspectos de mi vida.

–De algún modo tus parejas estuvieron o terminaron vinculadas con tu música, con la música: asesorándote en vestuario como tu actualpareja, haciendo coros…

–Siempre me pregunté qué pasaría si estuviera con alguien muy diferente. En un sentido es imposible porque la música, lo estéticoestá presente de manera permanente. Quizás ahora es más posible que antes… De todos modos es difícil proyectar eso de “Te amaré por siempre”. Las separaciones son aprendizajes. Después de lo de Soda se me terminó la fantasía de que es bueno hacer durar las relaciones eternamente. Siempre es hoy. Hoy armo las bandas a partir de mis necesidades, de lo que puedo hacer, de lo que me falta y reclamo cierta incondicionalidad, es cierto, aunque no exclusividad, todos tienen sus proyectos. Uno elige: es la vida que uno puede tener. Pero está buenoque el entorno cambie porque más allá del afecto, las relaciones se envician. Siempre es así. En un momento es bueno resetear. Ni siquiera puedo pensarlo con una pareja, mucho menos con gente con la que uno trabaja. Y más aun con esta rutina de tanta convivencia.

–Es curioso cómo mezclás las descripciones de relaciones de pareja y relaciones de banda. Te imagino una fuerza centrípeta, haciendo girar la energía de los demás alrededor tuyo…

–En cierto modo. Siempre quise que me quieran, que me mimen, gustar. Pero también hubo momentos, en los almuerzos familiares de los domingos al mediodía, un ritual que siempre traté de mantener, que hice muchos esfuerzos por no ser el tema de conversación, de desviar el tema… Pero tampoco le escapo al costado romántico, lo vivo intensamente, es el alimento de lo que hago.

–¿Es algo más relacionado con ser un seductor compulsivo?

–Sí, compulsivo, y eso es independiente de que haya decidido ser músico. Tiene que ver con mi generación, hay varias cosas ahí que requieren seguramente un análisis profundo. De hecho, yo iba a un colegio religioso, donde había una iglesia, un coro, pero básicamente la intención de todo eso o el pasatiempo favorito era concentrar la mayorcantidad de mujeres posible. Es indudable que siempre eso acompañó mucho la cosa, esa parte lo hacía divertido, la seducción por ese lado. Eso uno lo termina trasladando a la música, y fue un poco una actitud,no sólo mía. Nosotros pensábamos: “Qué bueno que vengan lindas chicas a los conciertos, porque si vienen muchas chicas van a venir muchos pibes, y va a ser un éxito”. De todas maneras es algo que no podés forzar si no ocurre. Y después de ver cosas como The Police nos decíamos que íbamos por buen camino. Realmente estábamosconcentrados en la música, no es que no nos interesaba o estábamos en una boludez extrema. Pero, bueno, ese elemento… ¿por qué no?

–Y ese enganche se traslada a las letras, siempre hay una mujer como destinataria, no en particular sino como objeto deseado…

–Es un recurso literario pop, un artilugio.

–En la historia del rock, se ha usado el “ella” o el “she” para hablar de cualquier cosa, desde la guerra a la cocaína, escondidas en una metáfora romántica. En tu caso, ¿cómo es?

–Lo uso como una especie de recurso realmente, es un espejo. Quizá todo venga de “sube al taxi nena, los hombres te miran, te quieren tomar”. Quizá venga de ahí, no lo sé, pero hay mucho de eso. Como que en algún punto estás diciendo cualquier cosa. Está desde el momento que hablamos, “ella usó mi cabeza como un revólver”, pero hay un montón de letras que no están hablando tan concretamente en relación al “ella”, pero en algún momento aparece. Pareciera que necesito colocarla como sujeto. Por eso muchas veces cuando se analiza alguna canción mía y se le pone el nombre de una mujer, de alguna de mis relaciones, en realidad no es así.

–¿Cómo es tu conexión con el mundo sensual: desde la fascinación, la observación..?

–Es fascinación, fascinación que no acaba nunca, y que evidentemente necesito que eso esté ahí, se muestre, aparezca. No sé, la otra vez pensaba en un tema como “Bomba de tiempo” del último disco, y muchas de las canciones mías tienen esa lectura, podrían ser cuestiones de relaciones entre ella y él, o algo así, o un triángulo, lo que sea, y la verdad es que a lo mejor estoy hablando de otras cosas, estoy hablando de la tierra, lo llevo así y de alguna manera llego a eso. He tenido relaciones así, realmente de niveles de psicopatía…todos hemos tenido algún momento así, a mí me han dado de comer esas situaciones. Pueden pasar los años y uno sigue imaginando a esa persona cada vez más loca, y los resabios que producen esas relaciones. Para mí son figuras que me sirven para decir lo que quiero expresar en esa canción, de alguna manera funcionan un poco comoartilugios, quizás en un momento puedo llegar a pecar de abuso de ellos, pero es una forma en la que me encuentro cómodo y quedisfruto escribiendo de esa manera, mostrando ese espejo. A veces hasta ella soy yo.

–¿Y ahora con tu hija, cerrás el círculo sobre la observación de ese mundo?

–Es increíble cómo se van armando, cómo se van generando. Qué poco puede hacer uno para torcer eso. Es la oportunidad que tenés de ver esa cosa que te resulta fascinante, que para mí es el mundo de la mujer, y que arrancará desde mi madre, vaya a saber de dónde viene todo eso. No tengo un Edipo muy desarrollado, la verdad, pero pienso que se deben ir encadenando desde ahí las cosas. Pero verlo desdeel comienzo es mucho más impresionante, cómo se va perfilando la personalidad femenina a través de mi hija.

Hubo un hecho musical inédito en este 2006: el encuentro sobre un escenario de dos de los guitarristas más importantes de la historia del rock local, Cerati y Mollo, contrapuestos en algún rincón del inconsciente colectivo del rockero local, compadres generacionalesy colegas en eso de colgarse la guitarra como un arma vital y ser frontman de tríos decisivos. “Ricardo es una persona muy importante y cercana en mi carrera. A comienzos de los 80, antes del segundo disco, con Soda sufrimos un robo tremendo, después de un show en Ramos Mejía, se llevaron el camión con todo: las empresas de sonido y luces quedaron al borde de la quiebra, no tenían nada y nosotros, ni instrumentos. Los Sumo nos bancaron y fue Ricardo el que me prestó guitarras y equipos para grabar y salir a tocar. Casi nadie sabe eso. Nos hemos visto varias veces y siempre hubo aprecio y valoración mutuos. El encuentro fue sencillo. Me llamó Zuker y me dijo que Mollo estaba encantado con el disco y que le gustaría tocar. Y yo, desde ya,encantado también. Fue emotivo para nosotros e importante para los que estaban ahí.”

En el aeropuerto, como un guardia pretoriano, un chico con acento azteca espera paciente el final de la charla para llevarse un doble trofeo: foto y autógrafo de su músico favorito. En la puerta del vegetariano neoyorquino alguien con acento de Centroamérica le pregunta a Cerati si, efectivamente, es Cerati. No tiene lápiz ni papel.Cincuenta metros más adelante vuelve a interceptarlo y también se queda con su trofeo. Ninguno de los dos latinos se imagina que en el país de Soda Stereo, la banda que prácticamente inventó todo y les abrió los oídos para escuchar rock en su idioma, Gustavo Cerati sigue rindiendo pruebas de permanencia, agilidad y sabiduría pop. Seríadifícil explicarles los focos de resistencia que aún genera su ídolo.

–Es raro el modo de ídolo que armaste: sin mito, sin misterios…

–Me parece que no he tenido, desde el punto de vista de mi trayectoria, altibajos tan potentes como han tenido otros músicos. Me da la impresión de que la sociedad, sobre todo en Argentina, necesita que sus artistas lleguen a estados como de tortura o de visible degradación. Hay muchos ejemplos, ni siquiera tengo ganas de darlos, peromuchísimos ejemplos en donde antes de su disco glorioso el pibe prácticamente era un paria en su propio lugar. Pareciera que a vecesel público argentino necesita eso. A mí quizá se me pide mucho porque no he pasado de modo visible por esa situación, no soy inmune a que me pase, pero no he pasado por esa situación. Yo necesito separar,que el escenario sea otra cosa. Por eso el glam. Me causa risa eso de “las bandas que salen de la gente”. ¿De dónde salen, si no? Mi filosofía, de algún modo, no ha sido traicionada, he sido fiel a mí. Otros sufren, padecen cuando abandonan su identidad o la traicionan al crecer. No hablo de los que tienen ideas políticas sino de los políticamentecorrectos que terminan haciendo jingles, que no superan la idea del estribillo. Ahora estoy trabajando sobre la profundidad del campo pop. Hacer música rock en 3-D, sin orquesta ni sampler. Con guitarras.

–Pero vos tuviste una ideología: “Yo sólo quiero ser del jet set”.

–[Se ríe] Es cierto. Era una ironía, pero lo queríamos y lo logramos. Una broma que se cumple. Pero, la verdad, nunca me gustó mucho el champán…

 

Gustavo Cerati – La excepción

 

 

Fecha: 01.10.2006
Duración: 4:00 min.

 

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ENTREVISTA AL GRUPO CLAVE DEL SKA BRITANICO

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 2, 2006

“Somos una banda de amigos”


Junto a The Specials, renovaron el ska en los 80. Influencia capital en los primeros Cadillacs, tocan el viernes 17.

ETERNOS. El disco debut es del 79. En su primer recital en la Argentina, dicen, no faltarán aquellos hits de los 80.

Antes de 1979, el año enciclopédico que indica el comienzo de Madness con su formación clásica, el pub Dublin Castle, en Camden Town (Londres), era un lugar central. Allí se mezclaban los futuros integrantes de la banda con algunos que quedaron en el camino, y finalmente allí se dieron cuenta de que funcionaban como banda. Ahora, en la vereda de enfrente, desde el Crown & Goose, Cathal Chas SmashSuggs Smyth (cantante, trompetista y MC) y Graham McPherson (cantante) atienden telefónicamente a Clarín. La idea original era entrevistar a Chas, pero en el medio hay un cambio de planes: “Estoy tomando cerveza Guinness. A los irlandeses nos gusta tomar. Te paso con Suggs”. Y luego Suggs tampoco tendrá inconvenientes en interrumpir: “Perdoname, le voy a firmar un autógrafo a una chica”. La banda, que aquí ha tenido hordas de seguidores, se presentará el 17 de noviembre en el Personal Fest. “No sabía de la influencia que tenemos en la Argentina —dice Suggs— Se lo oí decir a algunos en Venezuela y en Colombia. Estoy seguro de que este tipo de música va a ser bueno para el espíritu de Argentina porque nuestra música tiene que ver con bailar, con pasarla bien”.

Antes de la explosión del ska inglés (Madnes, Specials, The Selecter, etc.), la banda tuvo dos encarnaciones truncas. Primero, The Invaders; más tarde, Morris And The Minors. No funcionaron, pero conservaron algunos miembros. Con influencias de los grupos de la Motown, Ian Dury y los próceres del ska jamaiquino, la banda decidió homenajear sus gustos (una constante en ellos y en el ska en general), pero más precisamente a Prince Buster. Lee Thommo Thompson (saxo) escribió The Prince, la oda al creador del género (incluso su nombre se debe a un tema de Buster que ellos llegaron a versionar). Su primer single —editado por 2-Tone Records, el sello del desdentado tecladista de Specials, Jerry Dammers— fue un éxito más de crítica que de ventas. Ese tema no los impulsó. Apenas si tocaban esporádicamente durante el 79.

Pero una vez que One Step Beyond —su primer disco del mismo año— fue puesto en las disquerías, la cosa iría tomando otro color.

Lograron meter 20 hits en los charts desde entonces hasta 1986, cuando se separaron. Dos años despues, cuatro de ellos (Suggs, Chas, el guitarrista Chris Chrissy Boy Foreman y Thommo) formaron The Madness, un grupo engañoso que poco tenía que ver con el ska y mucho con maquinitas. Chas cuenta: “Era demasiado rígido. Hubo canciones buenas pero no era una buena idea. En aquella época estábamos confundidos. Todo el asunto era un error”. The Madness duró poco. En 1992 volvieron a quitar el “The” y regresaron a la formación original (la que tocará aquí), que completan Dan Woody Woodgate (batería) Mark Bedders Bedford (bajo). Aunque no grabaron hasta 1999 (Wonderful Madness). Y ese fue el último disco con material nuevo hasta el momento, puesto que The Dangermen Sessions

(2005) eran versiones de clásicos.¿Logran tocar canciones que no sean éxitos o la gente sólo pide hits?

Chas: A veces tocamos sólo los hits y a veces nos aburrimos de los hits y tocamos temas más oscuros. Depende de nuestro estado de ánimo. Somos bastante egoístas. Lo hacemos ante todo para divertirnos y esperamos que, al divertirnos nosotros, los demás también se diviertan.

El ska nació en Jamaica, la segunda ola tuvo lugar en Inglaterra y la tercera, en California. ¿Dónde está creciendo el ska en este momento?

Suggs: Eso no es tan importante porque veo algunas de las actitudes de lo que hacíamos cuando yo era joven en todo tipo de lugares en Inglaterra, las veo en la música moderna, en la música hip hop y veo muchas influencias en todas partes.

¿Por qué pasan tanto tiempo sin grabar ningún material nuevo?

Suggs: Porque Madness sigue siendo un grupo de amigos. Primero viene la amistad, después la música y por último el negocio. Mientras siga siendo amigo de esas personas, no me importa mucho si tenemos éxito o no. No es una carrera, es algo que tiene su propia magia. Lo hacemos porque nos caemos bien.

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Underworld: “Hay que volver a encontrar la magia”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 2, 2006

El dúo galés es una de las principales atracciones de la sexta edición de Creamfields, la masiva fiesta del dance global que se hará en Costanera Sur el sábado 11. Aquí hablan sobre la necesidad de profundizar la emoción del baile.

UN POCO DE AMOR INGLES. Rick Smith y Karl Hyde demuestran que tienen buen humor

Karl Hyde y Richard Smith se conocieron en los ’70 en un restaurante, en Cardiff, Gales. En ese entonces, armaron dos bandas de new wave: Screen Gemz (les duró un año) y Freur (con Alfie Thomas) que los llevó de gira con Eurythmics, pero apenas les alcanzó para pavimentar el camino de lo que vendría después: Underworld. Con ese nombre (y dedicados a hacer bandas de sonido para películas de TV y comerciales) grabaron Underneath the Radar (1988) y Change the Weather (1989) estuvieron por rendirse.

Sin embargo, no abdicaron y, en los ’90, se transformaron en uno de los shows electrónicos más populares a nivel mundial junto a Chemical Brothers y The Orb. En tiempos de DJs estáticos frente a las bandejas o una computadora, buscaron interpelar la mayor cantidad de sentidos posibles: en su música, dosis parejas de furibunda fiesta y emoción. El sábado 11, serán quienes coronen el escenario principal de la sexta edición de Creamfields, Buenos Aires.

Desde Essex su ciudad natal, la voz de Karl Hyde trasluce un genuino entusiasmo por esta fecha. “Hace años que queremos ir pero, entre las presentaciones, los álbumes y la familia… Han pasado demasiados años. Estoy muy contentos de poder ir esta vez”.

Supongo que habrán oído hablar del público argentino.

Sí, es legendario. Una de las razones por las que queríamos ir es que nos han dicho que el público es muy apasionado. Nos gusta.

Seguramente querrán los clásicos de Underworld. ¿Son reacios a tocarlos?

Siempre tocamos parte de los himnos. También colgamos nuestros nuevos downloads en underworldlive.com: eso nos permite mostrar material nuevo y ampliar nuestro show. Nos gustaría tocar durante tres horas, hacer un show que nos permita pasar por varios estados de ánimo, pero en estos festivales hay muchos artistas.

¿Qué características tiene el “en vivo”?

Nuestro show es totalmente improvisado. No hay una lista fija y no ensayamos Todas las imágenes, las luces y la música son improvisados. Eso lo aprendimos de dos fuentes: los músicos de jazz como Miles Davis y de los DJs. Los DJs fueron nuestra inspiración porque no usan lista fija de temas. Los que más nos gustaban eran los que podían llevar los discos a la bandeja, estudiar el estado de ánimo del público, captar la vibración, elegir el primer disco según la onda del público y seguir a partir de allí, respondiendo a la multitud. Queríamos ser una banda en vivo que captara esa energía.

Lo que no queda librado al azar es la estructura técnica del show. Más de tres meses les lleva a Hyde y Smith poner en línea toda su parafernalia: dos iMac G5, conectadas por wireless a una pila de teclados y efectos. Además, su costado visual (forman parte del estudio de diseño gráfico Tomato), presentará imágenes en pantallas tamaño mamut. Semejante despliegue, significa saltear la versión chilena del festival (un día antes en Santiago), para tener todo bajo control en Buenos Aires: “Siempre nos reservamos suficiente tiempo para llegar y asegurarnos de que todo está en orden. Hace años tuvimos una experiencia desagradable: los equipos tenían que volar de Los Angeles a Nueva York pero siempre se quedaban en tierra. Subimos al escenario sin equipos, mientras tocaba Carl Cox. Cuando faltaban 30 minutos para empezar, apareció un camión con los equipos. Fue un día terrible. Por eso, es una norma nunca estar tan presionados antes de un show”.

¿Cuál es tu relación con los festivales como Creamfields?

Tenemos una larga historia con la gente de Creamfields. Hay mucho respeto por lo que hacen, nos hemos hecho amigos y tocamos en muchos Creamfields, en todo el mundo. Siempre tratan de hacer un gran evento, no sólo llevando grandes nombres, también cuidando al público. Para nosotros, es muy importante: buenos sistemas de sonido, buenas instalaciones ¡hasta en los baños! Son muy importantes para que la gente pase una buena noche.

Este año, en Londres está surgiendo una nueva escena rave. ¿Es una repuesta a los grandes festivales?

Están pasando un par de cosas: hay bandas jóvenes de rock que han tomado la idea de las raves ilegales para hacer recitales de rock ilegales en galpones o en campos. Y también se está viendo el surgimiento de una nueva escena dance. Era importante que los grandes eventos se reinventaran. Había demasiados. Hay que repensar la forma de volver a encontrar la magia. Vemos el crecimiento de algo realmente interesante, emocionante, no tan grande como solía ser, pero eso lo hace genial. Probablemente, nuestra mayor energía proviene de la nueva música de artistas jóvenes. Es estimulante y alentador.

Underworld no sólo suena en las pistas de baile: también en las pantallas. “Rick y yo hemos hecho música de películas desde que nos conocimos. Nos llamamos Underworld porque en 1985 hicimos la música de una película titulada así. Hicimos temas para la TV a fines de los 80 y para comerciales. Siempre pensamos en términos de películas. Para nosotros, la música siempre fue imágenes”.

Trabajaron con Danny Boyle en la banda de sonido de “Transpotting”, y luego en “La Playa”. ¿Comparten un estilo?

Diría que sí… Actualmente estamos trabajando en una nueva película con Danny y acabamos de terminar la partitura de la nueva película de Anthony Minghella, Breaking and Entering (con Jude Law, Juliette Binoche, Robin Wright Penn). Trabajamos con orquesta e instrumentos acústicos tratados con electrónica. Cuando estábamos terminando, Danny nos pidió que hiciéramos la banda de sonido para Sunshine, su nueva película de ciencia-ficción. Ya hicimos seis películas con Danny. Es un viejo amigo. Pensamos de manera muy parecida. Vino y nos dijo: “Esta es la película, es de ciencia-ficción, hagan lo que quieran. Voy a estar muy contento si hacen algo, sea o que sea”. Le dedicamos mucho tiempo a componer la partitura. La hicimos de manera muy meticulosa.

Aunque en 1994 lanzaron Dubnobasswithmyheadman (un instantáneo clásico de la época con simples como Dark & Long y Cowgirl), fue un single para la película Trainspotting lo que disparó la fama de Underworld. ¿Se acuerdan de “Gol, gol, gol, en tu cabeza hay un gol”? ¡Esa!

¿Estás cansado de que te pregunten por “Born Slippy”?

No, para nada.

¿Sabías que en 1998, una cerveza argentina, versionó ese tema para una publicidad durante el Mundial de Fútbol? ¿Ese fue el uso más extraño que se hizo de la música de Underworld?

Debo decir que eso se hizo sin mi permiso: nunca autorizamos el uso de nuestra música para publicitar bebidas alcohólicas (N de R: Hyde tuvo una dura batalla contra el alcoholismo). Aun cuando no tuviéramos dinero. Me pone terriblemente triste que nuestra pasión se asocie con el alcohol. Pero me alegra mucho que se la asocie al fútbol. Eso es fantástico. Vengo de una familia futbolera. Con respecto a tu pregunta, ¿sabés qué es lo más extraño? Que Rick y yo todavía tengamos una carrera y que la gente aún quiera escuchar nuestra música. Eso es extraño: que la gente de un país tan lejano conozca nuestra música y le guste. Eso es extraño y maravilloso.

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“Hamaca paraguaya”, un milagro cinematográfico

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 2, 2006

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Se estrena hoy la primera película de nacionalidad paraguaya hecha en los últimos 30 años. Dirigida por Paz Encina y hablada en guaraní, apela a la sencillez para mostrar la tristeza de un matrimonio de ancianos que espera la llegada de su único hijo desde el frente de batalla.

La directora paraguaya Paz Encina es la autora de “Hamaca paraguaya”, un pequeño milagro cinematográfico que se convirtió en la primera película de esa nacionalidad hecha en los últimos 30 años y que, además de haber sido premiada en el Festival de Cannes, despliega una historia de un hondo contenido humano y una belleza pictórica inusual.

Hablada enteramente en guaraní y filmada en una localidad rural y selvática del interior paraguayo, la película apela a la sencillez y la austeridad para mostrar la profunda tristeza de un matrimonio de ancianos que esperan, durante la guerra que Paraguay mantuvo con Bolivia en 1935, la llegada de su único hijo desde el frente de batalla.

“Quería que fueran dos personas que vivieran lejos de todo, casi en el fin del mundo. Son seres que están despojados de todo, que ya lo perdiendo todo”, explicó Encina, quien se graduó como directora en la Universidad del Cine de Buenos Aires y luego volvió a su país para dedicarse a la docencia.

Protagonizada por Ramón del Río y Georgina Genes -los mismos actores que trabajaron en su cortometraje homónimo de 2000-, “Hamaca paraguaya” participó de la sección Una Cierta Mirada en Cannes, donde recibió numerosos elogios y obtuvo el premio que entrega la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica (Fipresci).

“A partir del premio en Cannes la repercusión de la película en Paraguay fue muy grande. Creo que cambió la mirada de Paraguay hacia afuera y también la mirada que los paraguayos tenemos de nuestro propio país”, comentó en diálogo con Télam la directora, quien el mes pasado estrenó su opera prima en Asunción y tres ciudades del interior paraguayo.

El atractivo del filme se funda en la problemática humana de sus personajes que al igual que en la obra “Esperando a Godot”, de Samuel Beckett, esperan absurdamente un imposible, y especialmente en una puesta en escena donde la naturaleza, el silencio y los tiempos laxos parecen materializar la conciencia desgarrada de los protagonistas.

“Me propuse retratar la tristeza de dos padres paraguayos esperando a un hijo que no llega. Son gente que está lejos de todo, que ya perdió todo e incluso sienten que no hay Dios”, dijo Encina, admiradora de Beckett y del escritor paraguayo exiliado en Francia, Rubén Bareiro Saguier, autor del libro “Ojo por diente”, una fuerte influencia en el tono pesimista del filme.

Esta película sobre la pérdida y la espera “representa el sentir paraguayo”, dijo la directora, y se explayó: “La guerra de la Triple Alianza fue algo devastador. Después vino la Guerra del Chaco, que también fue tremenda, pero al ganarla subió un poco la
autoestima del pueblo”.

“A partir de ahí los paraguayos creyeron que las cosas podían cambiar, pero vino la dictadura de Alfredo Stroessner. La gente está cada vez más desesperada porque piensa que no hay salida. Para los paraguayos parece que la felicidad estuviera por venir, pero nunca llega”, opinó.

“¿Quién no sintió alguna vez una tristeza tan grande?”, se preguntó la cineasta, para quien “Paraguay tiene una historia muy pesimista. Hay una frase de Augusto Roa Bastos que dice que ’el infortunio se enamoró de Paraguay’, y creo que eso lo explica todo”.

Una de las particularidades de esta película es que Encina decidió filmarla en sólo 15 planos, algunos de los cuales duran cerca de 15 minutos y muestran a los dos protagonistas a una distancia de 19 metros, con la idea de que sus caras no sean del todo visibles.

-¿Estuviste tentada de filmar la película en un solo plano?

-Sí. Me costó muchísimo agregar otros planos, porque sentía que había cierto clima que se iba a perder. Pero creo que valió la pena porque hay momentos en los que verdaderamente me acercó a los personajes.

-¿Y por qué elegiste filmarlos desde tan lejos?

-Lo que único que me interesa del cine es lo que le pasa a la gente. En este caso, quería respetar el dolor de los personajes. Quería dejarlos tranquilos con su tristeza y sólo me acerqué en los momentos en los que yo creí que ellos podían necesitar que estuviera un poco más cerca. Traté de mantener ese respeto durante toda la película.

-¿Qué valor tienen los diálogos en off que se escuchan?

-Los paraguayos somos personas muy silenciosas y los diálogos en off representan esa cosa tormentosa de adentro, eso que no se dice, porque el paraguayo es muy callado, pero dentro tiene un tormento muy fuerte.

-¿Por qué elegiste una estructura cíclica?

-La película es como una misa inútil. Tiene que ver con la historia paraguaya y ese dolor de volver siempre a lo mismo. Eso es algo que sólo acaba con la muerte.

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ENTREVISTA AL GUITARRISTA DE QUEEN

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 2, 2006


El universo según Brian May


Publicó un libro sobre el origen del mundo. Desde pequeño es un apasionado por la astronomía y recién ahora pudo dedicarse plenamente.

EN LA PRESENTACION DE SU LIBRO. “Bang! la historia completa del universo” la escribió junto con dos astrónomos.

Qué ha estado haciendo Brian May desde que tocó Dios salve a la Reina en el techo del Palacio de Buckingham? ¿Trabajando en un nuevo álbum? No: escribiendo una historia del universo.

Según Brian May, el mundo terminará más o menos dentro de 3 mil millones de años, cuando nuestra galaxia, la Vía Láctea, choque con su vecina, Andrómeda. Es Brian May del grupo de rock Queen, un hombre del que probablemente muchos guarden algunas imágenes indelebles: parado sobre las murallas del Palacio de Buckingham, compartiendo un escenario con Freddie Mercury y viviendo en rizado matrimonio con la actriz Anita Dobson. (A May lo irrita que su pelo y el de su mujer siga siendo tema de tanto interés).

Antes de ser ídolo del rock, May cursó un doctorado en astronomía en el Imperial College de Londres. Ahora, con más de 40 años, volvió al tema en un libro que escribió juntamente con Sir Patrick Moore, astrónomo, y Chris Lintott, que conduce, junto con Moore, Sky At Night en la BBC. Se llama Bang! the Complete History of the Universe (Bang! La historia completa del universo) y una foto en la página 11 reproduce apenas una parte de su extrañeza: los tres autores —May con aspecto asombrado, Moore malhumorado y Lintott, con su erudición de conductor— en un jardín preparándose, según dice el epígrafe, para observar “el tránsito de Venus.” Bueno, ¿por qué no?

May estuvo a punto de doctorarse. Su tesis trataba de algo llamado “luz zodiacal”, que, según me cuenta, es la luz del sol reflejada por las partículas de polvo interplanetarias, aunque cada vez que May lo menciona, no puedo dejar de pensar que se refiere al brillo de su camisa. Estamos en una sala de reunión con olor a moho en la Sociedad Astronómica Real de Londres, y May es lo más brillante que hay en ella; es grandote y afable y tiene un aire que, en otras circunstancias, podría interpretarse como demencia de rockero, pero aquí simplemente parece tocar la nota correcta de leve confusión erudita. Es muy modesto en cuanto a su participación en el libro y dice que cuando está con su héroe Moore, o con astrónomos de primer nivel, se siente “como un chico de 18 años: como que no sé nada y que lo único que hago es tocar la guitarra y éstos realmente van a despreciarme”.

Naturalmente, lo más probable es que ellos se sientan igualmente intimidados por él. Cuando May estuvo hace poco en las Islas Canarias, recorriendo el enorme observatorio, todavía sin concluir, que se está construyendo allí, un grupo de astrónomos internacionales se le acercó “y realmente me sorprendieron porque todos trajeron sus guitarras y querían que se las firmara”. Parece perplejo.

Lo del libro salió por la amistad de May con Moore, a quien conoció cuando este último dio una charla en el Imperial College. El carácter impenetrable de la Breve Historia del Tiempo de Stephen Hawking inspiró en parte a los tres a escribir “Bang!”; Moore lo escribió básicamente en una semana, luego de lo cual entre May y Lintott “metimos mano y lo destrozamos”. Su objetivo era armar una cronología fácil de leer sobre la formación del universo y el resultado es un libro agradable y bellamente ilustrado que llega a un público popular, con un montón de espacio dedicado a cosas como los agujeros de gusanos y los pozos de hielo marcianos.

“Pensé que si yo lo entendía, era muy probable que lo mismo le pasara a la gente en general, y que si yo no lo entendía, había que hacer algo”, dice May. «él entiende que los lectores legos necesitan analogías y entonces, por ejemplo, las galaxias espiral son comparadas con embotellamientos de tránsito en la autopista M25 y aparece el extraño toque rockero — “somos polvo de estrellas, somos dorados” dice el epílogo, una cita de Joni Mitchell, para recordarnos en manos de quién estamos.

Para empezar a escribir, May sacó sus apuntes del doctorado del desván. A lo largo de los años, había mantenido cierto contacto con el campo suscribiéndose a distintas revistas de astronomía, y había hecho construir un observatorio en el jardín de su casa en la zona oeste de Londres (“una bóveda decente son varios miles”).

Se da una interesante polaridad entre la vida de May en la música y su vida en la ciencia, entre el sentido vertiginoso de la insignificancia que uno siente mirando el espacio y la inflación de estar parado en un escenario frente a 60.000 personas. Pregunto cuál de las dos cosas es más emocionante: ¿mirar la luz zodiacal o tocar para una multitud en Wembley? “Hmmm”, dice May. “Es diferente, de verdad. Tocar para esos públicos es maravilloso; hay momentos de terror, a los que uno se acostumbra, y, en cierto modo, crece, supongo”.

Pero también hay similitudes.

“Creo que en las dos cosas hay algo de pureza. Porque uno puede sumergirse en pensamientos sobre el universo o en la música, y realmente se abstrae. Uno puede estar a un millón de kilómetros de todas las preocupaciones y los problemas personales y el polvo y el humo del lugar real. Es ese mundo en el que estás en tu cabeza pero conectado con algo maravilloso alrededor. Las dos son experiencias indescriptibles. Recuerdo haber pensado, cuando era muy joven, si la vida no es más que mantenernos vivos, ¿para qué molestarnos? La vida tiene que ir más allá del hecho de ser. Tiene que haber algo más elevado. Y para mí ésas son precisamente cosas más elevadas; la música y el arte, las imágenes bellas, y los pensamientos acerca de cómo funcionan las cosas. Me encanta todo eso. Los momentos de descubrimiento”.

Cuando Brian tenía siete años escribió a la BBC pidiendo información sobre el tema musical de The Sky at Night. Vivía en Middlesex cerca de Londres con sus padres y ese año, según recuerda, “pasó de todo: empecé con la guitarra, empecé con la astronomía, empecé con la fotografía. Y siguen siendo las tres pasiones de mi vida”.

Su padre, ingeniero electrónico, ayudó a May a hacer una guitarra y el doble interés del chico por la música y la astronomía se prolongó durante todos sus años de escuela y hasta la facultad. Para cuando se recibió, había formado un grupo con otros tres, Freddie Mercury, Roger Taylor y John Deacon. “Todos éramos extraños. Era un grupo extraño y todavía lo es. Ninguno se había licenciado en música; todos teníamos otros títulos. Freddie en diseño gráfico — era un apasionado de su arte, lo fue durante toda su vida. John se había recibido en electrónica y al principio se encargó del diseño de gran parte de nuestros equipos. Y Roger era biólogo”.

La tesis de doctorado de May estaba casi terminada; su supervisor se la había devuelto para hacer algunas revisiones y debía encuadernarla, nada más. Trabajaba durante el día como profesor de matemática en una escuela secundaria y de noche ensayaba con el grupo, que habían decidido llamar Queen. Su beca de estudiante se había acabado y se sentía tironeado en tantas direcciones que decidió que algo debía abandonar. Para horror de sus padres, tiró a la basura el doctorado. “Mi padre estaba absolutamente shockeado. Me dijo: nunca pensé que abandonarías tu formación. Nunca pensé que dejarías todo para ser una estrella pop.” Y durante más de un año apenas nos dirigimos la palabra, lo cual fue muy triste; me llevaba muy bien con mi padre y me había ayudado a armar la guitarra.”

Cuando Queen tocó America por primera vez, en el Madison Square Garden de Nueva York, May hizo viajar a sus padres para que lo vieran. Con la idea de relajar las tensiones, por así decirlo. “Quería que papá entendiera de qué iba todo. Salió del concierto, me miró fijo y me dijo: Está bien, lo entiendo. Fue un gran momento. Uno quiere la aprobación de los padres; tal vez crea que no, pero en el fondo es así.”

 

El dato

Brian May fue un músico clave en la historia de Queen. A pesar de que el carisma y el liderazgo eran monopolio del cantante Freddie Mercury, el sonido de la guitarra de May (hecha por él mismo) era una de las características del grupo británico. En vivo, uno de los momentos más emotivos de cada concierto eran los solos metálicos de su guitarra y la introducción instrumental con la acústica de “Love of my Life”.

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ENTREVISTA A MARCELO BERTALMIO

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en noviembre 1, 2006

“Mis películas son raras”


El realizador uruguayo estrena mañana “Ruido”, una comedia “sobre personas que no encajan”.

EXCENTRICA. Así define a “Ruido”. El filme trata sobre un hombre que no consigue suicidarse.

Cuando las ganas de hacer cine surgen de un profesional de la ingeniería eléctrica, es probable que el resultado sea una película como Ruido, una comedia rara por donde se la mire. “Esta es la historia de personas que no encajan. Es excéntrica y melancólica. Sobre gente a la que no dejan entrar a fiestas. Algo que también me pasó”, cuenta el uruguayo Marcelo Bertalmío, director de su primera producción “no amateur”.

El hombre nacido en Montevideo cuya infancia transcurrió en Barcelona tras el exilio de sus padres durante la dictadura, ostenta un título de ingeniero eléctrico y un trabajo como docente de esa disciplina en la universidad Pompeu Fabra. Aunque, evidentemente, su pasión pasa por otro lado. Para dar cuenta de eso, él mismo explica que casi diez años atrás se juntó con sus compañeros de estudio para rodar Los días con Ana, un largometraje casero que terminó por alzarse con todos tres premios en el Festival de Uruguay. Y hasta fue exhibida en el Festival de Cine de San Sebastián durante 2001.

Ruido es un filme que él mismo define como una mirada sobre la poca maña que muchos se dan para vivir. Su trama parece sencilla pero termina por ser rebuscada: un hombre verdaderamente infeliz se digna a suicidarse, pero se topa con tres extraños personajes que pululan por Montevideo. Y quien creía no tener razones para vivir, termina por trabajar en un disparatado departamento municipal de ruidos molestos, comprometido con singulares causas.

¿Cómo se conjugan dos pasiones tan diversas como el cine y la ingeniería?

Es cierto, son cosas diversas, pero el hecho de conocer de procedimientos técnicos me ayudó a hacer cine. Ya desde la universidad me juntaba con gente que tenía los mismos intereses y así salió Los días con Ana, de la que me siento orgulloso. A veces digo que hago psicoanálisis con mis películas. Ruido la filmé cuando pasaba por una crisis existencial.

¿O sea que tu cine es terapéutico?

Podría ser.

¿Cómo se podría catalogar tu forma de narrar?

No podría definirla. De lo que soy consciente es que las situaciones de mis películas son raras. Esta vez me interesaba mostrar qué era lo que hacía la gente cuando le decían que no iba a vivir mucho más. Además, siempre quise que el escenario fuera Montevideo, porque es mi ciudad y está poco vista en el cine.

¿Es cierto que tenés en mente una próxima película sobre la dictadura pero en tono de comedia?

Sí, se llama 1983 y tardé 5 años en escribirla. Trata sobre los servicios de inteligencia de Montevideo en una época en la que se adaptaron formatos clásicos del fascismo. Fue bizarro y patético.

¿Cómo vas a ingeniártelas para que un tema tan delicado no hiera sentimientos si es en tono de comedia?

Eso lo veía como una misión imposible. Pero a mí me salen las películas como comedias. No tengo otra forma de narrar.

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Jaime y Juan Cruz Torres: una pasión familiar

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en octubre 31, 2006

En nombre del charango

Los dos artistas hablan de sus proyectos musicales de raíz andina, que mostrarán hoy en el Encuentro Músicas de Provincia.

Un sonido de charango se cuela entre programaciones y secuencias electrónicas. “Es Jaime Torres chill out “, bromea su hijo Juan Cruz Torres. Antes de trenzarse en un duelo de charangos, se miran de reojo, se abrazan y se dan los buenos días. Jaime se levantó temprano, como es su costumbre. Su hijo todavía está restregándose los ojos. “Ahí está la polenta de la nueva generación”, espeta su padre. Como toda típica relación de padre e hijo a veces se llevan como perro y gato, pero hay un respeto mutuo parecido al de un maestro y un aprendiz. Los dos son lanzados musicalmente. Jaime Torres es un referente del charango y la música del Altiplano, pero compartió proyectos con gente diversa. Su charango dialogó con músicos de jazz como Luis Salinas y el francés Magic Malik, se trenzó con los scratches de DJ Zucker y Alejandro Seoane de Budha Sounds con el que está terminando un disco electrónico, y sedujo a rockeros como Ricardo Mollo, de Divididos; Gustavo Cordera, de la Bersuit Vergarabat, y Gustavo Santaolalla, que lo venera.

Su hijo Juan Cruz sigue ese camino instintivo con el charango y de cruces con otros géneros. Hace cinco años formó junto al músico Apu Condorí el Humahuaca Trío, que editó su primer disco el año pasado con el sello Pelo Music (el mismo que tiene en su catálogo a grupos como Miranda!), con sonidos andinos, el poderío de una banda de rock y letras que generaron polémica en la quebrada. “El tema «Qué te pasa culiau» provocó un debate en el Concejo Deliberante de Tilcara porque lo pasaban mucho por la radio del pueblo y un concejal lo quería prohibir porque decía que ofendía a la gente”, cuenta Juan Cruz.

A Jaime Torres el grupo de su hijo le despierta admiración. “Me parece buenísimo el mensaje que expresan y la libertad con que lo hacen. Puede haber cosas que me gusten más o menos desde lo musical. Pero es cierto que ellos están contando lo que pasa hoy en la Quebrada de Humahuaca. Están contando su realidad porque viven allí”. Además del ser el productor artístico del disco debut del Humahuaca Trío, el charanguista se transformó en una especie de padrino y consejero. “Jaime nos bautizó, porque antes nos llamábamos Trío de la Quebrada, pero no le gustaba. Para nosotros era un chiste porque la gente llegaba a Humahuaca y preguntaba: «¿Dónde está la quebrada?»”, cuenta Apu Condorí, cantante y letrista de este grupo formado, además, por Pablo Narezo en bajo, Guillermo Valeriano en vientos y Charly de la Vega en batería.

El Humahuaca Trío y el grupo de Jaime Torres compartirán escenario hoy, a las 20, en el Centro Cultural del Sur, dentro del Encuentro Músicas de Provincia. Habrá ritmos andinos, pero también fusión con el rock.

-¿En qué cosas se diferencian y en dónde se encuentran?

Jaime: -La música siempre es encuentro para nosotros.

Juan Cruz: -Más allá de la relación de padre-hijo, que es como la de cualquiera, en lo musical yo aprendí muchísimo de Jaime. Aprendí sobre todo la libertad para hacer una música sin rótulos.

“Eso siempre estuvo en mi música -acota Jaime-. Me parece que en el folklore se puede hacer de todo mientras uno no pierda el rumbo. Siempre va a haber retrógrados, pero eso sería un error porque nuestra música tiene que evolucionar. “Eso, sin perder la esencia”, apunta Juan Cruz.

-¿Quién es el más tradicionalista de los dos, entonces?

Jaime: -[Risas.] Ninguno.

Juan Cruz: -Yo, de Jaime, heredé el respeto por la raíz de nuestra música y el charango, y eso está presente en lo que hacemos con el Humahuaca Trío, pero con una concepción abierta. Uno tiene la posibilidad de fusionar o utilizar otros instrumentos. Siempre me gustó la libertad de los músicos brasileños, abiertos a todas las músicas, sin dejar de ser ellos. Eso creo que no se dio tanto en nuestro folklore, aunque ahora la gente de nuestra generación no piensa tanto en los rótulos.

Jaime posa las manos sobre su instrumento y lo hace sonar. Pone el ambiente andino; luego dice: “Yo no tengo complejos con que los pibes de ahora usen una guitarra eléctrica o una batería cuando en lo que se manifiesta está el sentir de la gente. Una de las cosas que me aproximaron al Humahuaca Trío fueron letras como «Humahuaca de pasada», que hablan de esa realidad del pueblo, de que son chicos que están rescatando su historia, su origen”.

“¡¡¡Síii!!!. Yo fui concebido en un carnaval en Humahuaca y ahora vivo allí. Fue todo un proceso largo y otra forma de sacar una expresión propia, lejos de la figura de Jaime, que es un referente fuerte”, apunta Juan Cruz, que, uno de los músicos que, como los otros integrantes del grupo, aquerenciaron en la región, terminaron mudándose, formaron sus familias, y desarrollan su proyecto en Humahuaca.

“Nunca entendí esta necesidad de centro de Buenos Aires. Me parece bárbaro que los chicos estén allá. A mí me tocó quedarme, pero ellos generaron toda una historia fuerte con la Casa del Tantanakuy. Todo lo que hicimos se está viendo sólo ahora. Incluso acá, en Buenos Aires, hay una llegada muy fuerte de los músicos jujeños en el último tiempo. Eso me pone muy feliz”, dice el charanguista.

“Acá hay que hacer historia y recordar que toda esta apertura viene de mucho antes, de tipos como Eduardo Falú, Jaime Dávalos o el propio Negro Lagos, que fue de avanzada total. Ni yo lo entendía. Después me di cuenta de que lo mejor para la música es la libertad.”

Festival de folklore

Hoy

  • A las 20, Humahuaca Trío y Jaime Torres. C. C. del Sur, Caseros 1750.
  • A las 20, Oscar Alem, Casa de Tucumán, Suipacha 160.

  • A las 21, homenaje a Eduardo Lagos con Manolo Juárez, el Negro Aguirre y Lilián Saba. Teatro Presidente Alvear, Corrientes 1659.

Mañana

  • A las 18.30, taller de arreglos vocales, con Juan Quintero y Luna Monti. Auditorio del C. C. del Sur, Caseros 1750.

  • A las 20, Juan Quintero-Luna Monti y Jorge Fandermole-Carlos Aguirre, C. C. del Sur.

    Las actividades son gratuitas.

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No he visto personas más valientes que los argentinos”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en octubre 31, 2006

Lo dijo Robert Goldman, ex integrante Comisión Interamericana de Derechos Humanos en exclusiva para Clarín.com. Aseguró que pese a las intimidaciones a testigos y a jueces tras la abolición de las “leyes del perdón”, la búsqueda de Justicia va a seguir. Y que la política antiterrorista impulsada por los EE.UU. afecta a los derechos humanos.

Figura clave en la Comisión Interamericana de Derechos Humanos (CIDH) entre 1996 y 2004, y Presidente de ese órgano en 1999, el profesor Robert Goldman visitó ayer nuestro país. Convertido en una figura paradigmática de la promoción y protección de los derechos humanosOrden del Libertador San Martín en el Grado de Comendador por su trayectoria. en el continente, ofreció una charla en el auditorio del Instituto del Servicio Exterior de la Nación (ISEN) y fue condecorado por el canciller Jorge Taiana  con la Orden del Libertador San Martín en el Grado de Comendador por su trayectoria.

“Es un grato honor para el Gobierno argentino, Goldman es protagonista de los desarrollos en materia de derechos humanos en el continente” dijo Taiana al iniciar la ceremonia.

Y agregó: “La Argentina tuvo la suerte de que Goldman fuera el Relator para nuestro país durante esos ocho años”. Más tarde, en una charla denominada “Impacto del Sistema Interamericano de Derechos Humanos en el orden interno”,

Goldman repasó la historia y el funcionamiento de este sistema, su relación con la Argentina y el impacto que tuvieron las medidas adoptadas en el país luego de la restauración de la democracia, en 1983 .

En ese sentido, destacó el Informe que preparó en 1992 la CIDH, referido a las leyes de Punto final y Obediencia Debida (1987), a partir del cual ese órgano declaró que las medidas impugnadas en el país (y las análogas en Uruguay) eran incompatibles con los derechos a la protección judicial y a un proceso justo.

“Desde la restauración de la democracia se dieron pasos simbólicos muy importantes para romper con el pasado dictatorial“, dijo Goldman.

Y remarcó que hoy, ” después de trece años, la Argentina vuelve al punto de partida y reinicia la tarea de responsabilizar penalmente a quienes perpetraron violaciones de derechos humanos”.

Goldman se refirió también a la aceptación de responsabilidad del Gobierno argentino en el caso AMIA, tras una petición planteada ante la CIDH en 1999.

Además, se disertó sobre los efectos de la lucha contra el terrorismo desatada tras los atentados del 11 de septiembre de 2001 en los Estados Unidos, que no debe “resquebrajar los importantes avances logrados por la humanidad en la protección de los derechos humanos”.

Como integrante Panel de Juristas Eminentes sobre Terrorismo, Lucha Antiterrorista y Derechos Humanos, Goldman examina la compatibilidad de leyes, políticas y prácticas antiterroristas con el derecho Internacional Humanitario

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ENTREVISTA A AMPARO SANCHEZ

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en octubre 31, 2006

Por las buenas causas

La andaluza, líder de la banda Amparanoia y mujer de Manu Chao, se presenta hoy en Niceto. Y habla de su rebeldía.

LA VIDA TE DA. Amparo Sánchez en Buenos Aires. Participará del BU

La semana pasada Amparo Sánchez, líder de la banda española Amparanoia, estuvo cantando en la Puerta del Sol, en una manifestación por la vivienda digna. Los zapatistas de Chiapas, la violencia doméstica, los inmigrantes africanos, son algunas de las numerosas causas que reciben su apoyo. Esto y su condición de esponja musical (son habituales sus discos crisol de razas) la convierten en cultora de un nuevo género inaugurado por su pareja Manu Chao: “el de músico aventurero tercermundista con sensibilidad social”.

Andaluza, nacida en 1969, Amparo está en Buenos Aires para presentar —hoy en Niceto Club— su último disco La vida te da: un trabajo que integra con credibilidad ritmos tan variados como rumba, bolero, reggae, ska. También participará de una fecha del Festival Bue.

En el país aún los que no sabían de su existencia seguramente oyeron su música: La vida te da (tema que nombra al disco) es la cortina del programa Mujeres asesinas. Otra canción del mismo álbum que tiene relación con el país es Permites madrecita, dedicada a las Madres de Plaza de Mayo, a quienes conoció en una visita anterior.

“Desde el primer disco de Amparanoia —cuenta Amparo— empezaron a acercarse asociaciones con distintas causas, y siempre que he podido he estado ahí. Me enorgullece que esas canciones que hago en soledad sirvan a la rebeldía y la lucha de la gente”.

¿Y no te molesta la demanda?

No, porque la gente que se me acerca y me cuenta su proyecto suele ser gente muy interesante. Siempre digo que tengo la suerte de tener un público que o son voluntarios en un barrio, o trabajan con inmigrantes…

¿Son muchos los que se involucran?

Siendo realista la mayoría lucha por su individualidad, su belleza, su puesto de trabajo, su hipoteca enorme para dejar a sus nietos, porque la hipoteca ya la están dejando de herencia.

¿Y por qué creés que hay tanta violencia doméstica en España?

Creo que es por este mundo caótico en el que vivimos, en el que las relaciones se hacen muy difíciles. Hay que mirar todos los factores, la educación, la cultura la precariedad. Creo que lo que se puede hacer es trabajar en tu entorno, las relaciones con tu familia, tu pareja, con tus compañeros de trabajo.

Es como una ausencia de amor…

Sí, porque el amor que nos han vendido es muy falso. No es sólo el amor de pareja hacia una persona que tiene que llenar todos tus huecos. Hay muchos tipos de amores y el amor hay que darlo así —gesto de abundancia—, cada día. Son muchos factores los que hacen que un individuo se sienta contento. Hay que animar a la gente a que esté contenta en su trabajo, a que tome decisiones y sea libre. Y esa información no se da.

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ENTREVISTA A LA CINEASTA PAZ ENCINA

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en octubre 31, 2006

“Quería narrar la tristeza”

El jueves se estrena “Hamaca paraguaya”, su película premiada en Cannes y centrada en la Guerra del Chaco.

TREINTA AÑOS. “Hamaca…” es la primera película paraguaya desde la dictadura de Stroessner.

Paz Encina habla suave, piensa antes de contestar y cuando algo le gusta dice que es “muy hermoso”. Se toma tiempo. Está hecha de silencios. Lleva una remera negra, con el dibujo minimalista de su película ídem.

Hamaca paraguaya tiene algunas rarezas, si se tiene en cuenta el menú de estrenos de los cines locales: proviene de un país con poca tradición cinematográfica —la última película fue estrenada en los ’70 y era un panfleto de la dictadura de Alfredo Stroessner—, está hablada en guaraní y fue la primera película paraguaya presentada en Cannes.

Allí ganó el Premio Fipresci de la crítica internacional a la mejor película de la sección Un certain Regard, en la que compitió con varios directores consagrados co mo el norteamericano Richard Linklater (con A Scanner Darkly) y el italiano Marco Bellocchio (con Il regista di Matrimoni), entre otros. Además, la directora —nacida en Asunción y formada en la Argentina en la Universida del Cine— obtuvo el Premio Goteborg (Suecia) y el Príncipe Claus (Holanda), entre muchos otros.

De cerca, la historia de la película (realizada en coproducción con la argentina Lita Stantic, entre otros) parece simple, pero resume la historia de un país. En 1935, una pareja de campesinos espera al hijo que está en el frente de batalla de la guerra del Chaco. Esperan también la lluvia, esperan que pase el calor, esperan que calle la perra que atormenta con el ladrido. Esperan.

Entre tus cortos hay uno que también se llama “Hamaca paraguaya”. ¿Por qué decidiste retomar esa historia?

Cuando terminé la carrera de cine en la Argentina, volví a Paraguay, donde comencé a enseñar. En una visita al país, mi profesor Jorge La Ferla me alentó a hacer un proyecto propio. Volví a ver mis trabajos y me di cuenta de que con Hamaca… había encontrado una forma de ver.

¿Cómo es esa forma de ver?

Todos los trabajos tienen una cámara fija y en algunos hay una diferencia de sincronismo entre la imagen y el sonido. También tienen un ritmo propio.

Un ritmo que en la película te sirve para contar la tristeza de estos personajes…

Sí, en un principio quería narrar la tristeza de dos personas que esperan a otra; hablar de la esperanza y la desesperanza y ver cuál ganaba. Pero la historia está contextualizada en la Paraguay de la guerra del Chaco y es evidente que gana la desesperanza. Reescribí el guión muchas veces; la última versión fue entregada a las productoras pocas semanas antes del inicio del rodaje, que se hizo en las ciudades de Villarica y Caacupé. Busqué las locaciones durante mucho tiempo y fui asesorada por el director de arte.

¿Escribiste el guión en guaraní?

Yo hablo y escribo guaraní, pero no lo hago perfectamente como para escribir un guión. Lo hice en español y una persona me ayudó con la traducción.

¿Qué sensación te provoca haber hecho la primer película paraguaya en años?

En principio, sentí un compromiso muy grande. Me preguntaba: ¿Y si le va mal a la película? Pero con el tiempo y los premios, sentí que cumplí con mis colegas, con mi país y conmigo misma. Eso es muy hermoso. De algunas forma, la película logró que muchos realizadores piensen que nosotros también podemos hacer cine.

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ENTREVISTA A GABY SABATINI , RECIBIÓ UN PREMIO Y CONTÓ SUS SUEÑOS

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en octubre 31, 2006

ME GUSTARIA TENER UNA FAMILIA”,

A 10 años del retiro fue distinguida por la Legislatura porteña. Gabriela Sabatini, una de las máximas figuras del deporte argentino de toda su historia.

 Locuaz, sonriente, tranquila, Gabriela Sabatini le dice  que me gustaría formar una familia”. Lo apunta con ilusión pero sin apuros. La eterna Gaby, la misma que está ubicada en el podio de los grandes deportistas argentinos como Diego Maradona, Juan Manuel Fangio, Carlos Monzón o Emanuel Ginóbili, por dar sólo algunos nombres, habla de lo que siempre cuidó y que, para muchos, es un misterio: su vida privada.

Lo dijo en un día de halagos. Porque cuando Gabriela ingresó al Salón Dorado de la Legislatura porteña le dio más luz a una jornada que no sería una más. Es que a diez años del retiro oficial de las canchas —el 24 de octubre de 2006— recibía un nuevo premio: el diploma a la Personalidad destacada del Deporte de la Ciudad de Buenos Aires. Luego, la charla a solas.

—¿Extrañás?

—Para nada. En ningún momento dije me gustaría estar en esa cancha o algo parecido. Me encanta el tenis, estará siempre presente en mi vida, pero la verdad que no extraño.

—Después del retiro tuviste la vida que soñaste?

—Si, si. Vengo disfrutando de todo lo que estoy viviendo. La idea era estar abierta a nuevas cosas, no es que dejé de jugar por algo en particular. Dejé de jugar porque tenía la necesidad de tener una vida más normal, más tranquila y con un perfil más bajo para disfrutar de mi gente. De viajar y conocer lugares desde otra manera. Una va viendo y buscando sus rumbos. No es que hoy tenga una actividad precisa, hoy voy encontrando cosas que me van gustando.

—¿Cómo cuáles?

—Seguir ayudando al Programa de la Asociación y tengo otros objetivos con este tema. También me gusta el tema inmobiliario.

—¿Qué te queda pendiente?

—Tal vez no usaría esa palabra. Pendiente no me queda nada y estoy abierta a las cosas que vengan. Me gustaría algún día sí, tener una familia. Pero eso es algo que llega solo. Por ahora estoy contenta y sigo creciendo. Creo que eso es algo importante.

—El tenis femenino en nuestro país está en terapia intensiva ¿Cuál es la solución?

—Es difícil saber bien cuál es el motivo. No es algo nuevo, inclusive cuando yo jugaba había otras chicas pero siempre fue más fuerte el tenis masculino. A veces pienso que una de las razones es que, para la mujer, es más difícil viajar sola, dedicarse a una actividad que requiere dejar muchas cosas de lado. A la mujer le cuesta un poquito más salir de casa. Hay que generar cosas. Este año se hicieron más torneos de la mano de Inés Gorrochategui y Mecha Paz. Y esto es muy bueno, y además incentiva a las chicas a jugar. Hay que crear cosas para atraerlas.

—¿No creés que a las chicas les gustaría verte en la cancha como ahora lo están haciendo Vilas y Clerc?

—Puede ser. Muchas de esa chicas no me conocen porque han pasado unos cuantos años. Puede ser que genere cosas. Hoy estoy más grande y a lo mejor podría ayudar de otra manera, porque no juego nunca al tenis y cuando tengo que hacerlo, me cuesta un poco. Pero no lo descarto, tengo ofertas de hacer muchas exhibiciones, pero no es una decisión tan fácil.

—¿Por qué pensás que en el tenis femenino el marketing supera al juego?

—Pienso que hoy se le dedica bastante espacio a la ropa de las chicas. Incluso algunas de ellas diseñan sus modelos. Y eso está bueno porque le da otro atractivo al tenis femenino. Obviamente el público masculino las quiere ir a ver. Y muchas veces se ha catalogado al tenis como algo masculino, y no es así. Por hacer un deporte no significa que una tenga que ser masculina. Puede ser muy femenina y estas chicas lo están demostrando.

—Imaginemos que te ofrecieran jugar un partido oficial ante una de las chicas de ahora ¿Con quién jugarías?

—Con Justine Henin o con una de las hermanas Williams para ver la potencia que tienen (larga una carcajada).

—¿Cómo ves la final de la Copa Davis?

—Tengo un buen pálpito. Eso sí, nadie niega que va a ser una se rie dura. La superficie estará a favor de ellos, pero no lo veo imposible para los chicos que, desde ya, tienen que estar al cien por ciento. Hay que ver como está Safin y nunca se sabe, si no tiene un buen día podemos estar ahí. El dobles nuestro tiene posibilidades y Argentina tiene jugadores en un excelente nivel y muy prendidos. Los veo para ganar.

—¿Cómo te gustaría que le gente te recordase dentro de diez años?

—Me gustaría que me recuerden como una buena persona y honesta.

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Ana Mariani :“Los derechos de la mujer son derechos humanos”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en octubre 30, 2006

La intelectual estadounidense llegó a Córdoba para participar en las Octavas Jornadas Nacionales de Historia de las Mujeres y el Tercer Congreso Iberoamericano de Estudios de Género que finalizaron ayer en Villa Giardino. Dictará un seminario y la Universidad Nacional de Córdoba la distinguirá con el Doctor Honoris Causa.

Ana Mariani Una de las características de las investigaciones de Nancy Fraser es la variedad de temas que viene trabajando desde hace mucho tiempo y una de sus preocupaciones fundamentales es el proyecto de una teoría feminista-socialista.

Considera que “si bien durante muchos años las feministas tuvieron en los Estados Unidos el referente más avanzado de la teoría y la práctica, en la actualidad, el feminismo estadounidense se encuentra en un impasse, bloqueado por el clima político hostil, posterior al 11-S”. Y agrega: “Ante la duda de cómo plantear la justicia de género en las condiciones actuales, les estamos devolviendo el favor al buscar inspiración y guía en las feministas de otras partes. Hoy, en consecuencia, la punta de lanza de las luchas de género se ha trasladado desde Estados Unidos a espacios transnacionales, como Europa, donde las posibilidades de operatividad son mayores. El resultado es un gran desplazamiento en la geografía de las acciones feministas”.

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Derechos humanos y opinión pública. En una tranquila posada de La Cumbre, en las sierras de Córdoba, la catedrática nos esperaba para la entrevista. No habla castellano, pero contamos con la colaboración de Natalia Martínez, una conocedora de la teoría de Fraser.

Ante la primera pregunta sobre los derechos humanos a nivel internacional y el papel de la opinión pública, la filósofa piensa un momento y responde:

–En algunas instancias, se puede llegar a realizar la defensa de los derechos humanos a nivel internacional. En realidad, hoy la sociedad no tiene instituciones fuertes, con garra, que puedan tener peso en esa defensa, entonces se depende de la opinión pública. Y ésta puede llegar a ser muy fuerte. Cuando se logra y se obtiene visibilidad se gana un espacio muy importante para la defensa de los derechos humanos.

–¿Podría darnos un ejemplo?

–Podemos tomar el caso de Augusto Pinochet en Londres. Esto sucedió porque había víctimas españolas. La defensa de estas personas españolas influenció, incluso, en la opinión pública británica, que apoyó mucho esta causa. Hay que pensar que este fue un tema que en su momento fracturó a la sociedad chilena. Hubo insatisfacción. De hecho, la importancia de la opinión pública británica terminó produciendo un cambio en la opinión pública chilena y les brindó respaldo a todas las organizaciones que estaban a favor del procesamiento de Pinochet. Es un caso paradigmático, muy rico para ver cómo funciona la opinión pública, que tendría que ser transnacional, globalizada, pero siempre tiene un punto de apoyo en lo local. En este caso, tuvo que haber víctimas españolas para que el hecho sucediera.

–¿Los derechos reproductivos de la mujer son derechos humanos?

–En realidad, yo considero que los derechos de la mujer son derechos humanos. A nivel global, hubo una campaña muy importante y justamente con el lema: “Los derechos sexuales son derechos humanos”. Esta campaña posibilitó realizar un debate de las mujeres respecto de los derechos humanos, algo que parecía estar prohibido hasta hace poco tiempo. Sucede que las violaciones a estos derechos han estado concebidas como violaciones del Estado y no como violaciones a los derechos humanos de las personas, individuales, en los espacios privados. Se supone que la lógica de los derechos humanos debería ser global, pero sin embargo quienes han venido interpretando los derechos humanos han sido gente poderosa que ha tenido la capacidad de definirlos e interpretarlos de una manera restrictiva.

–En su teoría, las demandas de reconocimiento y de redistribución ocupan un lugar central. ¿Podría explicar en qué consisten?

–Hace más o menos 10 años, me preocupaba que los tópicos sobre la igualdad y la democracia se fueran debilitando, y, en cambio, tomaban fuerza las demandas de reconocimiento, que venían de la mano de las feministas, pero en detrimento de las demandas de distribución. Siempre pensé que todas estas demandas en busca del reconocimiento serían mucho más sólidas si se acompañaban de una lucha por la redistribución. Si las demandas de reconocimiento reemplazan a las demandas de redistribución equitativa o igualitaria sería una gran pérdida. No puede haber una concepción de justicia que no tenga en cuenta la redistribución tanto como el reconocimiento. Yo he tratado de argumentar, por un lado, con el sector marxista socialista, que tiene una demanda fuerte de redistribución, que el reconocimiento es importante, es necesario incluirlo. Pero, por otro lado, en aquel vasto sector que ha dado este giro cultural he intentado hacerle notar la importancia que tiene la redistribución económica.

–¿Cómo se resuelve la falta de reconocimiento que se plantea con la discriminación?

–Lo que suele entenderse por discriminación es la exclusión del otro. Por caso, sostener: “las personas de color no pueden hacer esto” o “las mujeres no pueden hacer aquello”. Pero se quedan en un concepto restrictivo relacionado con lo legal. El reconocimiento tiene que ir mucho más allá de eso y está más relacionado con una participación plena de la ciudadanía de los derechos estatales, de la integración a la sociedad. Y para esta plena participación hace falta mucho más que reformas legales, hace falta modificar y transformar las normas informales de discriminación, que subyacen a lo legal. Yo defiendo una forma particular del reconocimiento que no es la misma que la de muchos otros sectores, que lo entienden de otra manera. Estos sectores suelen entender el reconocimiento desde una política de la identidad que tiene que ver con la valorización de una identidad concreta.

No hay una sola forma de ser mujer
–¿Cuál es su crítica a la postura de una identidad concreta?

–No me gusta esta forma de entender la identidad porque, de alguna manera, viene a reforzar los estereotipos de ser mujer. Yo no entiendo que tenga que haber una sola manera de ser mujer o una identidad definida. Aunque esto se ha convertido en lo políticamente correcto pero termina desvirtuando las diferentes maneras de ser mujer. Muchos sectores conservadores, pero también algunos sectores marxistas, han dicho “nos olvidemos de hacer esto junto” (el reconocimiento y la redistribución). Yo considero que deben ir juntos, la justicia debe tomar los dos conceptos y al reconocimiento de otra manera, no reforzando identidades, sino desde otro lugar. Que no se remita exclusivamente a las identidades. Por lo que debemos luchar es por el reconocimiento por el lado del estatus y no tanto de la identidad, o sea, estatus equitativos. Si las mujeres luchamos por un reconocimiento implica que estamos defendiendo un reconocimiento de nuestra identidad femenina. En cambio, una manera mejor de comprender la demanda del reconocimiento es relacionarla con una demanda por un estatus pleno, equiparable al de los varones, en una misma participación y estatus en los recursos del Estado. Encaminar el reconocimiento por el lado de la identidad no es el mejor camino de lograr ese estatus, esa equiparación.

–Pero hay un feminismo que encamina el reconocimiento por el lado de la identidad.

–Sí, pero yo no estoy de acuerdo con esta postura. Y tengo dos grandes aportes que hacer a la cuestión de las identidades. Mi primera crítica a esta corriente, que demanda el reconocimiento por el lado de la identidad, sería que la demanda por el reconocimiento está reemplazando a la demanda por la redistribución. El segundo problema es que se está dando demasiada importancia a la cuestión de las identidades y se está dejando atrás la cuestión del estatus. La lucha por la redistribución hace énfasis en la clase y la lucha por el reconocimiento hace énfasis en el estatus. Las mujeres sufren ambos tipos de injusticia: la de la redistribución, en el sentido del mercado laboral, en la distribución de los recursos económicos, y también la injusticia del reconocimiento por el lado del estatus. De aquí mi preocupación por desarrollar un marco teórico que integre a ambas, la del reconocimiento y la redistribución, ya que el feminismo requiere ambas demandas.

La representación
–¿Cuál es la nueva dimensión sobre la que ha trabajado en los últimos años?

–Además de estas dos dimensiones que expliqué, últimamente he trabajado sobre la representación. Y esto tiene que ver con las luchas de los derechos humanos a nivel global. Reconocimiento, redistribución y representación; o sea, lo social, lo económico y lo político. No se puede negar la necesidad de disfrutar de las tres dimensiones. Es decir, no puede estar obstruida la participación en la toma de decisiones. De alguna manera, esta nueva dimensión política, la representación, nos debería posibilitar comprender la cuestión de las fronteras. Porque muchas de las cuestiones relacionadas con las luchas por los derechos humanos hoy están globalizadas. Y creo que en el pasado ha habido una tendencia a no sobrepasar las fronteras nacionales. Cuando las luchas de la pobreza en Argentina se limitan al caso de este país, se está cometiendo una injusticia con respecto a otras personas, por ejemplo con los pobres de Sudán, que no tienen posibilidades de demandar a sus estados para cambiar su situación.

–Las grandes protestas que se realizan en las cumbres de los países más poderosos han intentado explicitar las demandas inmediatas.

–A partir de los importantes sucesos de Davos, de Seattle, de Génova, de los zapatistas, que han articulado sus demandas, trato de plantear la cuestión de los encuadres de las demandas. No podemos dejar de tener en cuenta la cuestión de los encuadres. Todo esto fue puesto debajo de la alfombra y tiene que salir a la luz. Esta es una característica del momento actual. Hay que salir del encuadre local, nacional. Lo que estoy trabajando ahora a través de la dimensión de la representación es tratar las cuestiones de los encuadramientos, pero siempre ligada a la redistribución y al reconocimiento. Sobre todo, una política de este tipo nos permitiría plantear y, con optimismo, responder el interrogante político clave de nuestra época: ¿cómo podemos integrar todo el abanico de injusticias de género en un mundo globalizante?

Está oscureciendo en La Cumbre, y después de los cafés compartidos, Fraser nos despide con la amabilidad que mantuvo durante toda la entrevista. Con su adiós, nos dice que se siente sorprendida de que la prensa de Córdoba se interese por estos temas, ya que en Estados Unidos a ella no le sucede lo mismo.

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CHINA ZORRILLA: Voy a ser la abuela de Facundo Arana”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en octubre 30, 2006

  • La actriz rodará en España un film que será protagonizado por el popular galán.
  • Estuvo en Córdoba durante el fin de semana, con “Camino a la Meca”.
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China Zorrilla regresó a Villa Carlos Paz con la obra que ya lleva cuatro años en cartel «Camino a la Meca» y que subió a escena en única función anoche en el Teatro del Lago.
La pieza escrita por el inglés Athol Fugard es interpretada por China Zorrilla, Carolina Papaleo y Tony Vilas. La obra está inspirada en la historia real de Helen Niemand, una mujer nacida en Sudáfrica, en medio de un cierto, de costumbres conservadoras y culto obligatorio de la fe protestante. Helen un día descubre que nunca amó al hombre con el que está casada, decide abandonar la iglesia y al quedar viuda encuentra en la escultura el camino hacia la libertad personal y a la creación.
Sobre la permanencia de la obra en cartel y los proyectos personales China Zorrilla fue entrevistada por este diario.
- ¿Cómo vive este éxito de Camino a la Meca?
- Entraremos en el quinto año en enero cuando volveremos a Buenos Aires, a la calle Corrientes. Es una sorpresa que nos da el teatro siempre, nunca sabés qué es lo que va a pasar, siempre es una gran incógnita cuando uno elige una obra.
- ¿La obra es una crítica a los dogmas; cómo trabaja este abordaje desde el personaje?
- Cuando la vi en Montevideo, yo conocía poco del autor que es africano y a mi me emocionó el hecho que la protagonista soñaba con ser escultora y en la vida real mi padre era escultor. Me pareció como un llamado, hacer un personaje que no es frecuente, una escultora. Empezamos, es una obra bien escrita que habla de la soledad y tiene como fondo el Apartheid de Sudáfrica, con la discriminación racial espantosa de esos momentos, los negros ignorados, esclavizados. La obra tiene esa combinación de cosas originales y nos dejó atónitos el fenomenal éxito.
- ¿Qué otras propuestas tiene?
- Interrumpo forzosamente en marzo la obra porque me voy a España otra vez, para trabajar en otra película de Carnevale, voy a hacer algo que sea una mujer envidiable por todas las chicas jóvenes de Argentina, porque voy a ser la abuela de Facundo Arana. Cuando Carnevale me llamó para hacer la película anterior, me tuvo que convencer porque yo no creía que se podía hacer creíble una historia de amor de dos octogenarios y cuando leí el libreto me di cuenta que era absolutamente creíble toda una aventura para mí.
- ¿Y ahora vuelve a Madrid con otra aventura?
- No sé cómo andaré de amores en esta película, pero por lo menos voy a ser la abuela de Facundo Arana, es un consuelo.
- Además, usted viene de trabajar en San Luis.
- Vengo de filmar en San Luis, una película con Sergio Renán, un lindo libro que se llama ‘Tres de Corazones’. Yo trabajé con Renán hace muchos años en ‘La Tregua’. Me acuerdo que yo no trabajaba en la película, pero Mario Benedetti me llamó y me dijo: ‘mirá China, es mi primer película en la Argentina te voy a escribir un pequeño papel para ti, para que tu nombre uruguayo esté en el reparto’. Soy amiga de Benedetti hace años. En aquella época tuve un accidente en auto y no pude doblar en la película, al final de la película aparecía yo, pero doblada por Edda Díaz, esa gran imitadora, nadie se dio cuenta, sólo mis hermanas. Así es que me encantó encontrarme con Renán de nuevo, filmando con Luque y Cabred. Así es que estoy dando vueltas y vueltas y ahora nos volvemos a Buenos Aires.
En la película de Renán tengo un papel chico, pero muy lindo y con Carnevale también tengo un personaje secundario, lo que pasa que lo de él fue tan asombroso. Que a los 83 años yo haya hecho un protagónico en una historia de amor. Y ahora seré una abuela de 83 años. Es estupendo en todo sentido.

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“Soy simplemente un compositor de canciones”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en octubre 30, 2006

Más allá de ser vástago del legendario Moris, hito del nacimiento del rock argentino, no cabe duda de que hace mucho tiempo que AntonioBirabent trascendió la figura de “hijo de” para formar un camino propio desde dos flancos profesionales; la música y la actuación en cine y televisión.

Aunque su figura se catapultara al público masivo desde su participación en el taquillero film “Tango feroz” de MarceloPiñeyro, su carrera musical creció en paralelo a su adolescencia, ya que desde 1989 formó parte de la banda de su padre cuando la familia se exilió a España.

La palabra “tiempo” lo viene persiguiendo. A punto de terminar las grabaciones de la teleserie de Canal 9 “El tiempo no para”, que finaliza en noviembre, la presentación de su Tiempo y Espacio lo ha mantenido bastante ocupado.

Esta placa que trae a Mendoza y que presentará hoy a las 21, en el teatro Independencia, es una continuación de un estilo personalísimo de composición que caracteriza su estilo a lo largo de sus nueve discos. Canciones llenas de momentos congelados, imágenes de ciudades que reflejan sentimientos y sensaciones, que en esta oportunidad incluyeron la participación del intoxicado Pity Álvarez, el ex-Cadillac Flavio Cianciarulo y su padre Moris, para insuflarle el perfil líricamente urbano que constantemente Birabent repite en su obra.

En esta entrevista, el creador de “A mí la lluvia” indaga sobre algunos elementos que orbitan alrededor de su mayor pasión, la música.

-¿Cómo viene el recital?

-Está todo listo y tengo ganas de tocar.El show va a incluir temas de siempre y de la placa nueva, Tiempo y espacio. Hemos tenido un año intenso de muchos recitales por diferentes lugares del país. Esto me produce un gran placer porque me pone en comunicación con lo más real que es subirse a un escenario.

- ¿Qué tiempo le dedicás a la música en porcentaje con la actuación?

- No es tan matemático. No lo podría dividir en un porcentaje. Hay una realidad; siempre estoy pensando en la música. Porque cuando no estoy dedicado puntualmente a tocar, estoy componiendo o estoy recordando una letra que escribí. Mi música es mi canal de expresión, mi lugar de creación. Cuando me siento a escribir música siempre lo hago en papel y lápiz.

-Lo contrario de las nuevas tecnologías, ¿te llevás bien con ellas?

-Me llevo mejor con lápiz y papel. Conozco la tecnología, la manejo y en muchos de mis discos eso inevitablemente está porque ahora es inherente a la música. Tal vez por eso mismo sigo compensando toda eso con lo más básico y primario que es un papel y un lápiz, y una guitarra.

-¿Cómo componés tus canciones?

-Lo hago desde un estímulo visual que puede ser la calle, una palabra, un libro, las cosas que no son comunes en mí que me llevan a escribir. Componer tiene que ver con estar despierto, con estar atento a lo que pasa.

-Tengo la sensación de que tus letras tienen que ver con el cine. ¿Vos pensás lo mismo?

-Es verdad. Creo que hay una compulsión visual en mí. Me gusta mucho mirar y retratar. En algunas canciones hay secuencias, retratos de personas que se mueven, pinturas de ciudades. En Tiempo y Espacio esto es más notorio pero está en casi todos demás discos. Hay un ejemplo claro en él que se llama “El Oeste cercano”. La canción habla de una avenida, algo muy común aunque esconda algo mágico. Pienso que la composición está ahí, en saber mirar algo desde otro lugar.

-¿Cómo llegaron Flavio Cianciarulo, Pity Álvarez y Moris al disco?

-El disco es muy urbano. Es un material que habla del hombre en la ciudad. Cada uno de los tres tienen esa condición de urbanos. Si tendría que definirme me considero un cantor urbano también. Con diferentes generaciones, diferentes motivaciones, cada uno aportó algo real y sincero a esa urbanidad.

-¿Tenés algún disco preferido?

- (Risas). Creo que cuando dicen que el último es el preferido es porque la discográfica presiona. No, no tengo un disco preferido, quizá también porque he sacado discos independientes y con muchas compañías distintas. Para serte sincero estoy muy orgulloso de ellos. Puedo decir por suerte que todo lo que he hecho lo quise hacer.

-¿Te gusta que ese orgullo se transmita en los recitales?

- Si. Los que vayan al teatro esta noche van a escuchar canciones muy lejanas en el tiempo.Creo que cuando miro a la distancia, las canciones que he ido haciendo desde el primero al último álbum pertenecen a un mundo común.

-Me parece que están todas conectadas…

-En gran medida sí. También es cierto que al ser un solista curioso he pasado por ámbitos muy distintos. He probado, he buscado otras cosas con una gran libertad. Sin embargo, eso no me ha corrido de lugar. Soy simplemente un compositor de canciones.

-¿Sos de volver nostalgiosamente sobre tu repertorio?

-No. Cuando llega la hora de tocar y armar la lista de canciones me junto con la banda y listo, aunque en un show sólo podés tocar 20, nunca 40 canciones. Estoy en desacuerdo con la música cuantificada. Un disco puede tener muchos temas pero cabría preguntarse si todos están buenos.

-¿Qué pensás del mercado discográfico?

-A veces tengo la sensaciónde que en los discos se pierden muchas canciones, más ahora cuando se han convertido en un objeto de lujo. Están carísimos y se venden cada vez menos. Las personas con la PC desmembran los discos como si fueran cirujanos plásticos. Pero pasan también otras cosas: el álbum Azar, muy independiente, pasó sin pena ni gloria a pesar de la crítica. Con el paso del tiempo había mucha gente que lo conocía y me habló maravillas de él. Desde allí empecé a acunar un pensamiento: ¡Qué bueno que hice los discos en lugar de quejarme! El rock se ha convertido en un grupo de quejones, estamos todo el día quejándonos esperando que alguien nos descubra. ¿Por qué no mejor componemos mejores canciones en lugar de hablar de que podemos o no tocar?

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“Un hombre tiene que oler bien”

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en octubre 30, 2006

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Leonor Benedetto no sólo habló de su experiencia detrás de las cámaras con su ópera prima “El buen destino”, sino que también abarcó otros temas como la política, el tiempo, la belleza y la seducción.

Mientras recuerda que en un momento de su vida se adhirió al marxismo y que se apartó de este “porque era cruento y violento”; y que en los 70 militó en la Juventud Peronista, hoy asegura que no cree que ninguna idea, “por más genial que sea” merezca la vida de un solo ser humano.
La actriz Leonor Benedetto mantuvo una larga conversación con este medio , pero de lo único que no quiso hablar fue de su mentado romance con el gobernador Alberto Rodríguez Sáa, cuando filmaba en San Luis su ópera prima “El buen destino”: “no hablo de eso”, reiteró en tres oportunidades, a pesar de que se le advirtió que se había publicado en numerosos diarios y revistas.
Además del cine y de su trayectoria como actriz, había otros temas que no podían estar ausentes en la entrevista, aunque salpicados ligeramente, como la política, el tiempo, la belleza y la seducción.
“No es cierto que el tiempo se lleva a maduración. Creo que hay viejos perfectamente imbéciles y jóvenes absolutamente maduros. En ese sentido, soy una defensora de la evolución personal; porque el tiempo por sí solo no nos convierte en nada, salvo en cáscaras vacías si no nos ocupamos; si la caída de la cola no está compensada con la elevación de la cabeza, vamos mal”, reflexiona en tono pausado y con esa voz inconfundible. Benedetto cumplirá mañana 65 años, y cuando hace acto de presencia todos giran la cabeza para mirarla.

- Siempre se relacionó tu imagen con la atracción que provocabas en los hombres. ¿Cómo te llevas ahora con el transcurso de los años?

- Sí, es verdad, pero sigo siendo sensual. Y no es cuestión de edad; también yo creía que con el tiempo iba a terminar esto y me iban a dejar tranquila cuando sea grande, pero no ocurrió, por lo menos hasta ahora. Sigo seduciendo, pero te aclaro que no es mi trabajo, algo pasa con eso….pero no me despierto todas las mañanas pensando en eso. Creo que tiene que ver con el goce profundo de la vida que es muy atractiva.

- A propósito, ¿por dónde pasa lo atractivo y la belleza?
- Lo atractivo no tiene que ver necesariamente con el físico; el físico ayuda, pero no es determinante. El ejemplo lo tenemos con las modelos, a nadie le atraen porque sean altas y delgadas. Opino que la belleza de ninguna manera está unida a las medidas de una mujer; la belleza es un concepto que tiene que ver con la armonía que existe en la naturaleza y en el arte.

- ¿Qué tiene que tener un hombre para que te atraiga?
- Tiene que oler bien… lo que no tiene que ver con que use perfume o algo así, eso es superfluo. No descarto el aspecto físico, pero no hay nada más sensorial que el olor. Es verdad que necesito sentir un atractivo físico con esa persona, pero no pasa por los parámetros o los cánones… sería muy difícil que me atrajera un modelo de pasarela, por ejemplo, con esos cuerpos tan marcados.

Arranca un ciclo de cortos

Hoy, a partir de las 21, en el local Dejavú (San Juan 1.110) comenzará el ciclo de cortometrajes “Cortala”, cuya dirección está a cargo de los realizadores Rodrigo Olmedo y Mirta Marín.
“Este ciclo surge por una necesidad que tenemos los realizadores de cortometrajes de poder exhibir nuestros trabajos”, señaló Marín, quien el viernes presentó en el marco del Festival de Cine, su ópera prima “Las que encantan”, protagonizada por Mimí Maura y la coplera Andrea Mamondes, de Amaicha del Valle. “Cortala” se extenderá hasta el martes. Durante los tres días del ciclo, participarán el productor y director Guillermo Rovira (de Córdoba), el editor y animador Emanuel Acosta (de Corrientes) y el realizador Matías Famulari (de Buenos Aires). La dirección artística del encuentro está a cargo de Ramiro Gómez Bustamente y Ariel Bellos.

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ENTREVSITA A LAURA FIDALGO+FOTOS

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en octubre 29, 2006

El baile del poder

Antes de poner la firma para concursar en Bailando por un sueño 3, Laura Fidalgo quiso establecer una cláusula que la protegiera de posibles agresiones del presidente del jurado, Gerardo Sofovich. Su pedido no llegó al contrato y se desató la guerra. La doctora Ana Rosenfeld confirmó desde Miami que continuará representándola en el juicio contra Flor de la V.

 

 Se pasa las manos por los ojos. “Es que estoy indispuesta…”, dice para excusar su sensibilidad. El miércoles por la tarde, después de entrenar, con un café con leche busca reanimar su palidez. Quiere mostrarse bien arriba y habla rápido para que las palabras les ganen a las imágenes de su memoria y a las lágrimas que empujan. Porque Laura Fidalgo tuvo una noche difícil en su presentación en Bailando por un sueño 3. Empezó con la alegría de la máxima calificación de 30 puntos al número de hip hop que brindó junto a su compañero, Gustavo Rojas. Pero terminó con el dedo señalador del jurado Gerardo Sofovich, quien luego de evaluar a la bailarina con un 10 inició una discusión que elevó el rating a un pico de 36 puntos.

 

INTIMIDAD. Fidalgo, en el teatro Metro, donde se presenta en

 

No quiere hablar del tema “Gerardo”: “Pasó lo que se vio. Pero estoy muy dolida porque estaba feliz por el puntaje, después de una mala semana con mi salud. Mientras festejábamos, pasó esto, buscado por la otra parte. Yo voy a bailar”. Fidalgo vuelve una y otra vez a su carrera pero la popularidad que le está dando la tevé le mostró su lado oscuro. “No estoy acostumbrada, no es mi palo. Me puse muy nerviosa, se me secaba la boca, fue horrible. Después, me bajó la presión… Me sentí agredida y maltratada. ¿No vas a ponerlo en el título, no? –dice con temor a los problemas–. Pero es la verdad.” Una verdad que temía mucho antes de que sucediera.

La Cláusula. Aquello que se vio el martes alrededor de las 23.30 por Canal 13, repetido ad infinitum por los medios, es que el productor volvió con la vieja cuestión de la negativa de Fidalgo a trabajar en la revista Más que diferente junto a Florencia De la V. Apeló a la “honestidad intelectual” de su interpelada para que reconociera que no se trató de diferencias artísticas sino de que ella no quería compartir el escenario con “un travesti”.

—¿Pensás que estaba armado lo que pasó?
—Lo que me sorprende es que las dos veces que tuve problemas (discusión con De la V cuando Fidalgo fue jurado y lo ya narrado con Sofovich) me los ocasionaron ellos. Siempre me agarran en frío, porque yo voy a hacer mi trabajo. Como jurado trabajé muy bien, las críticas eran para dejar un mensaje positivo, para que evolucionaran.

¿Como jurado, te marcan lo que decís?
—No, a mí nunca me dijeron nada. Si está armado, no sé. Por qué pasa esto, no sé. Llamá a Marcelo (Tinelli). Cuando me iba, esa noche, me lo crucé y me preguntó cómo me sentía. Le dije: “Y, rara. Me sorprendió todo esto, me shockeó”.

—¿Cuál fue la discusión artística con Sofovich por la que no aceptaste trabajar con él?
—No quiero hablar de eso. Ya está. Lo mío es bailar… Simplemente, le dije que no quería trabajar con él. ¡Por un “no”, tanto lío! A lo mejor no se banca que le diga que no. No hablamos de todo el espectáculo pero sí llegué a hablar de un número. Y no me interesó trabajar. Nada más.

EN EL PROGRAMA. Junto a un Tinelli que se asombra por la pelea, Fidalgo se defendió de la acusaciones de Sofovich.

 

—¿Ratificás lo dicho sobre las amenazas de Sofovich para que no trabajes más?
Ni sé lo que dije, estaba renerviosa. No, fue algo que dije por enfrentarlo, por evitar que me cerraran puertas… No temo represalias porque si hay talento… Pero lo encaré al aire, porque todos hablan pero nadie da la cara. No hay que tener miedo. El me agredió y yo contesté, y por ese episodio no quiero quedarme sin trabajo. Pero voy a seguir trabajando porque lo mío es noble y sano.

—¿Cómo sigue el juicio con Florencia de la V?
No puedo hablar, tengo un pacto de confidencialidad con Ana Rosenfeld, mi abogada. El juicio es porque me faltó el respeto en sus monólogos en el teatro.

—Laura, ¿en tu contrato incluiste una cláusula para que Sofovich no te agrediera?
—Yo dije que no tenía problema si él decía, como jurado, que no le gustaba cómo bailo porque a todo el mundo no le puedo gustar, pero que no me falte el respeto como persona. No la pusieron y terminó pasando lo que temía.

Desde Miami, Ana Rosenfeld confirmó que, a pesar de los rumores, es la abogada de Laura; que su representada inició juicio penal y civil contra De la V y, también, civil contra el empresario responsable Gerardo Sofovich; y que la cláusula contra posibles agresiones durante el programa no fue incluida en el contrato aunque sí pudo haber un acuerdo verbal.

POR UN SUEÑO. Con Gustavo Rojas, su compañero de baile y soñador.

Vedette o bailarina. Otra de las piedras lanzadas por Sofovich fue la de definir a Fidalgo como “muy buena bailarina” en contraste con el título inasible de “vedette”. Por su parte, ella prefiere llamarse “artista multifacética”. “Puedo bailar, actuar, cantar, puedo ser vedette, puedo hacer todo. Cuando audicioné en el Maipo –para la revista de Pinti– y quedé entre 500 chicas, Lino Patalano me elige como ‘la vedette’ de Pinti. Si me elige Patalano, que es uno o el mejor productor de la Argentina, ¡chapeau! Me dieron el lugar y me sindicaron como la sucesora de Nélida Lobato”, expone Fidalgo, que se presenta en el Metro en Un país de revista encabezada por Catherine Fulop y Julia Zenko (antes Nacha Guevara) y con producción de Jorge Guinzburg.

Sin embargo, la chica del barrio de Flores dice que la gente la apoya: “La popu, de donde soy yo, está conmigo porque soy una mina de barrio que busca cumplir sus sueños, igual que los que participan en el programa. Uno de mis sueños era construirles la casa a mis viejos. Mientras yo bajaba las escaleras del Maipo, en mi casa llovía adentro y poníamos los tachos. Y pude hacerlo y los ayudo aunque tenga mi departamento en Caballito”. Cuando habla de la familia y de sus esfuerzos, la emoción la alcanza. “De los genes de mis viejos me viene la fuerza. Salto cuando me hieren, porque soy tana y libriana con ascendente en Acuario, vuelo mucho y quiero siempre la justicia. Estos bajones me angustian pero también me potencian, son pruebas de la vida”, filosofa.

EN SU DEFENSA.

 

—En la discusión con Sofovich, remarcabas el tema del esfuerzo…
Sí, porque nunca tuve un padrino que me dijera qué tengo que hacer, todo lo hice por intuición, porque me presenté en castings y audiciones, siempre con la mochilita. Es mi carrera, es lo que amo. Y cuando me pasan estas cosas, hago un review rápido de toda mi vida, desde que empecé a trabajar, a los 16 años; me veo subiendo al colectivo, cambiándome en un subte, corriendo de un lado a otro, sin transar nunca con nadie.

 “Tengo ganas de salir a la cancha. Quiero ser Maradona”, apuesta fuerte Fidalgo, que sabe vibrar con el f eeling de los que triunfan desde abajo: “Me llevo muy bien con todos mis compañeros de Bailando… y soy muy compinche de la “Tigresa” Acuña. Porque ella va al ring y yo al escenario, pero en el fondo estamos peleando por lo mismo”.

Supongamos que después de un tiempo, Sofovich vuelve a convocarte. ¿Aceptarías?
—No soy de las que olvidan. Mirá, ahora estoy muy dolida… Me agrediste mal, me maltrataste, me faltaste el respeto… Si le dije “no” antes, imaginate ahora.

Lino Patalano sobre Fidalgo: “Es una gran artista porque el término vedette hoy se ha distorcionado mucho
A Laura la conocí cuando producía Pinti canta las cuarenta. Por ese entonces, buscábamos una nueva vedette, no las putarracas de turno ni las consagradas del momento. Me llamó la atención su talento, carisma y manera de bailar. Le vimos pasta. Es una gran artista porque el término vedette hoy se ha distorsionado mucho y se atribuye a todo aquel que se destaca en algo. Por ese mismo motivo, sor Teresa de Calcuta o Hitler pueden ser vedettes, cada uno en su propio estilo. De todas las participantes del programa de Tinelli, Fidalgo es la que mejor se mueve. Es muy seria, laburadora y no problemática. Pero el puterío de la televisión es muy difícil de manejar. En este mundo cruel, me parece que con este quilombo que tuvo con Sofovich, un prócer del teatro de revistas, va a conseguir beneficiarse después de todo. Va a trascender. Y eso es bárbaro.

Gerardo Sofovich sobre Fidalgo: “Es sólo una buena bailarina, aunque no pueda abrir las piernas 80º”
Nunca pude con mi genio. Después de lo dicho por Laura no podía callarme. Como no tengo Clarín para contestar, apelé a la pantalla para aclarar algunos puntos. Que ella rechazó mi oferta por no ser una propuesta artística es un falso mito. Yo fui el que no quiso trabajar con Fidalgo. Le ofrecí el trabajo para reflotarla por los años que no hacía teatro. Pero no tiene la honestidad intelectual para admitir que fue por Florencia de la V, que es una estrella, no un travesti. Protagonista de tres de mis obras, fue la mejor de Bailando por un sueño y el público lo ratificó. Para ser cara de una obra hay que tener carisma, que a Fidalgo le falta. Ella habla de amenazas y de protecciones en términos mafiosos. Ya hablé con su abogada, Ana Rosenfeld. No creo haberme excedido como jurado. Bailó muy bien. Dice que es vedette pero es sólo una buena bailarina, aunque no pueda abrir las piernas 
80º.

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Liborio Noval – fotógrafo de la revolución cubana (MIRA LAS FOTOGRAFÍAS)

Publicado por LA ARGENTINIDAD ...AL PALO en octubre 29, 2006

“No sabíamos que estábamos haciendo historia”

Retrató al Che Guevara y siguió a Fidel Castro por el mundo. Con el rosarino combinaba su tarea en el periódico con el trabajo voluntario. Y cuenta cómo aprendió a fotografiar al líder cubano en sus largas jornadas.

Liborio Noval enciende un tabaco en el exposición de fotos del Che en La Plata

Liborio Noval enciende un tabaco en el exposición de fotos del Che en La Plata Algunos escriben la historia y otros la fotografían. A Liborio Noval le tocó ocupar un lugar en el segundo grupo. Con su lente, fue uno de los hombres que llevó a la eternidad a Ernesto Guevara, cuya imagen rebelde recorre los mundos. Se trata de uno de los fotógrafos de la revolución cubana, título que se ha ganado por contar con su cámara la historia de la isla caribeña durante 44 años, convirtiéndose así en quien más ha retratado a Fidel Castro

Este cubano lleva sus 72 años bien puestos y piensa vivir cien más, como para demostrar que la longevidad cubana no es cosa de unos pocos. Jamás pensó antes de 1959 en convertirse en el fotógrafo que es hoy. A Liborio le gusta decir que todo ocurrió por inercia: trabajaba en una agencia de publicidad como investigador de mercado luego pasó al laboratorio fotográfico y una vez que los rebeldes comandados por Fidel Castro tomaron el poder en Cuba se sumó al diario Revolución. Allí se integró al grupo de Alberto DíazRaúl Corral (Corrales), Roberto y Osvaldo Salas, entre otros.

El sol cae en la primaveral tarde porteña. Liborio enciende uno de sus habanos. Está de paso por Buenos Aires para presentar el libro Che Guevara por los fotógrafos de la revolución cubana e inaugurar una muestra fotográfica que girará por Córdoba, Rosario y La Plata, donde se exponen imágenes de 11 reporteros gráficos, entre los que está Noval, Korda, José FigueroaPerfecto Romero, además del sueco René Burri y el francés Roger Pic. El curador de la exposición es Saúl Corrales, hijo de Corrales, otro de las grandes fotógrafos, fallecido en abril.

“Hecho polvo”, dice Liborio cuando se le pregunta cómo está. Pero a pesar del cansancio, saborea el tacaco, se entrega a la charla con perfil.com y cuenta: “Cuando empezamos a hacer fotografía, a partir del año 59 en la Revolución, para nosotros era un trabajo normal. No sabíamos que estábamos haciendo historia. Nos dimos cuenta porque nos lo dijeron mucho más tarde que estábamos haciendo la historia gráfica de la Revolución Cubana, pero por supuesto que teníamos las ideas y seguíamos la línea de la Revolución. Porque entendíamos la revolución y entendíamos por qué en Cuba y para qué en Cuba se había hecho una revolución”.
¿Y en qué momento toman conciencia que estaban haciendo la historia?
- En el caso mío, como en el caso de Roberto Salas, un día hablando con Celia Sánchez –secretaria de Fidel Castro- , enseñándole una foto del Che, en el año 60, nos dijo: “¿Ustedes no saben que están haciendo la historia gráfica de la Revolución Cubana?” Bueno, se lo dicen a un muchacho de 25 años… Le puedes prestar o no atención, pero en aquel momento le prestamos atención. Hoy sé que hicimos la historia gráfica de la revolución cubana y también sé que cuando se escriba la historia gráfica de la revolución cubana, hay que contar con un grupo de fotógrafos que la hicimos. No es que seamos los mejores ni que creamos que somos el ombligo del mundo en la fotografía cubana. No, nada de eso, hay un grupo grande de fotógrafos que hicimos la historia, y que aún se hace. La estamos haciendo. Esto es algo colectivo: ahí estuvo Korda, estuvo Corrales, estuvo Osvaldo Salas, está Roberto Salas, estuvo Ernesto Fernández, y un montón más. Además, hay un relevo ahí atrás, hay más fotógrafos.

- Pero imagino que se debe sentir orgulloso por ocupar ese lugar…
- Bueno, por supuesto que sí, de haber hecho algo por la revolución y de lo que voy a seguir haciendo. Porque cuando yo expongo una exposición personal, con fotos hechas por mí, donde están Fidel, el Che y lo que se hizo, eso es un trabajo para la Revolución también. Pero no lo hago por prestigio, ni por mí ni nada menos. Es más, a veces no me gustan las exposiciones personales, me gustan más las exposiciones colectivas, porque ahí se ve con una visión más amplia lo que ha hecho un grupo de fotógrafos. Es una obra completa. Como hicimos en agosto, que en la fototeca se hizo una exposición de 103 fotos para el 80 aniversario de Fidel, como de 15 fotógrafos. Están las fotos mías y las de los demás fotógrafos. Ahí están las fotos que ellos no hicieron, donde yo estaba, y están las que yo no hice, donde ellos estaban. Y eso es muy bonito, eso es muy lindo, porque tú no puedes estar en todos lados.

- ¿Se acuerda de la primera foto que le sacó al Che?
- Fue una vez que él estuvo en una conferencia en un estudio de televisión en 1960. Y poco tiempo después, en febrero, empezamos una especie de relación fotógrafo-dirigente. No una relación amistosa, aunque nos conocíamos, nos saludábamos, pero no había ningún tipo de amistad. Cuando al Che lo nombran ministro de Industria, en febrero de 1961, hace un trabajo voluntario en un reparto cerquita de La Habana, donde se estaban construyendo casas para personas que vivían en barrios insalubres. Yo llegué ahí, el Che llegó un ratico después, a las 6 de la mañana, y me preguntó qué hacía yo ahí. Le dije que iba a hacer un trabajo para el periódico Revolución, que me habían enviado a hacer un reportaje. “¿Tu viniste a trabajar?”, me preguntó. “Sí Comandante, yo vine a trabajar, a hacer un reportaje para el periódico”, contesté. “Yo no te pregunto eso, yo te pregunto que si tu estás dispuesto a hacer lo que venimos a hacer a aquí”. Le dije que sí. “Bueno, ponte la cámara ahí y ven conmigo”. Salió un reportaje en el periódico de una página, con fotos en primera plana. Y el periódico, un poco por inercia, me envió a hacer otras cosas con el argentino, como le decíamos entre nosotros. Un tiempito después me vio en otra actividad y me dijo: “Oye, el domingo nos vemos en tal lado”. Era otro trabajo voluntario. Un día yo iba en mi auto y me tocaron el claxon (la bocina) y cuando veo era el argentino manejando su carro solo. “¿Qué tal, como estás tu? El domingo nos vemos en tal lugar”. Ahí empezó una relación de trabajo. Y había que trabajar, había que cumplir la norma de esa fábrica, de ese lugar donde estábamos trabajando.

- ¿Y usted qué tenía que hacer además de sacar fotos?
- Llevar una carretilla con mezcla, estar en una fábrica donde se conformaban cartones para hacer cajas, o en un lugar donde se reciclaban botellas. Había que hacerlo y había que trabajar cuatro horas. Y de esas cuatro horas, yo me tomaba quince minutos para tirar fotos. Pero había que estar a las seis de la mañana cuando se empezaba a trabajar hasta que se acababa. Había que cumplir la norma de esa fábrica o de esos lugares. Pero no era obligatorio, era una cosa voluntaria, tú ibas con ganas a hacerlo. El Che me enseñó una forma de ser, una forma de actuar, una forma de pensar, una forma de plantear las cosas, con firmeza. Una ética. Una ética de la vida, una ética de la revolución

- ¿El Che le hacía algún comentario de sus fotos?
- No, a él le gustaba la fotografía, pero no le gustaba que lo retrataran. A veces te hablaba de qué cámara tú estabas usando o qué película estabas usando o qué revelador usaste, porque él sabía que teníamos pocas películas o pocos reveladores, pero no te decía si las fotos estaban buenas o estaban malas. Las fotos salían publicadas en el periódico, tal como salen ahora en las exposiciones, pero nunca me dijo si les gustaba esa foto o no. A veces te preguntaba cómo estabas, cuánto hijos tenías, da la casualidad que él tiene cuatro hijos y yo también. Más o menos los hijos nuestros y los de él están un poco parejos en edad.

Trayectoria. La fotografía épica de la Revolución Cubana, que se enmarca en la década del 60, tiene a Noval como a uno de sus máximos exponentes. Además de los muchos libros colectivos, Liborio publicó otros personales entre los que se destacan A pesar de… (con imágenes de su paso por la guerra de Vietnam) e Instantáneas (sobre Fidel), integrado por fotos publicadas tanto en Revolución como en Granma, periódico en el que trabajó desde 1965 hasta 2002, cuando se jubiló. Allí también incluyó imágenes que eran inéditas. Junto a ellos, acumula una larga lista de premios tanto en su país como en el exterior, además de haber fotografiado a personajes de la historia como Nelson Mandela y Omar Torrijos.

- Ha seguido a Fidel Castro en distintas giras, ¿cómo era la relación con él durante los viajes?
- Todas las noches a nosotros nos decían qué iba a ocurrir al día siguiente y Fidel también se reunía con nosotros. No todos los días, pero lo hacía, y al final daba una conferencia de prensa para los medios cubanos, de lo que había pasado y demás. La primera pregunta era de él y siempre consultaba acerca de si estábamos bien alojados, comiendo bien, si nos atendíamos bien. O sea, cómo nos sentíamos en el trabajo. Siempre ha sido así, lo mismo en el interior que en el exterior del país. También cuando tú llevas muchos años trabajando con él se crea una relación de fotógrafo a dirigente aunque no haya una relación de amistad. Él sabe quién tú eres, te puede preguntar cómo estás, si necesitas algo. Hay una relación, te saluda, conversa dos minutos contigo.

- ¿Con Fidel las mejores fotos las sacó en los 60?
- Estuve casi 44 años sacándole. Lo hizo al principio, en los 70 o en los 80. Siempre hay un aliciente con retratar a Fidel. Me acuerdo que las veces que salíamos al extranjero todos los fotógrafos estaban locos por retratarlo, algo que a mí en ese momento no me interesaba. Yo lo único que hacía era tirarle fotos al enorme grupo de fotógrafos que lo rodeaba mientras le hacían entrevistas. Todos querían tener un gesto del rostro de Fidel. Y en aquel momento, fuera de mi país, a mí no me preocupaba, yo lo tenía en Cuba. Entonces, era el grupo grande rodeándolo a Fidel, haciéndole fotos, haciéndole preguntas. Esas eran las fotos que yo mandaba al periódico: Fidel asediado por los periodistas. Porque era una noticia también

- ¿Se aprende a retratar a una persona después de tantos años?
- Yo por lo menos sí. A Fidel a través del lente lo conozco bastante bien. A través del lente de una cámara. Tú ves que él entra, que está cansado, te enteras que se acostó a las cinco de la mañana, que durmió tres horas, que estuvo trabajando y a las nueve está ahí, empezando. Y a medida que pasa el día, que tú estás trabajando, ves que Fidel va renaciendo como si fuera una lechuguita y cuando le cae el relente por la noche, revive. Y a las cinco de la tarde el que esta hecho leña, como decimos los cubanos, eres tú. Estás cansado, agotado, parado detrás de una cámara, tirando fotos, y entonces eso dura hasta las doce de la noche. Él empieza a hablar a las seis de la tarde, de pie detrás de un micrófono. Toma agua, conversa, educa, y tú te preguntas: “¿Cuándo termina todo esto?” Pero Fidel sigue hacia otro lugar a trabajar y tú te tienes que ir al periódico, te tienes que habituar a dormir tres horas tú también.

- ¿Cuál es su foto preferida?
- Son diferentes. La foto de la boina en el Cacahual, la de la tapa del libro, la foto votando donde nada más que se ven las botas, no se ve a Fidel. Hablando con personas, hablando con niños. Todas son diferentes. Tengo montones de caras de Fidel.

- ¿Y cuál es la preferida de él?
- Sé que del libro le gustaron todas las fotos porque me lo dijo. Sé que le gusta la de la boina, la de la portada del libro, que la tengo dedicada por él en mi casa. Una vez, en el 2000, estábamos Korda, Corrales, Roberto Salas y yo contando anécdotas junto a él. Y estuvimos una hora y medio charlando de fotografía solamente. Y Fidel dijo una cosa muy bonita en ese momento: que sin el trabajo nuestro, la revolución no existiría. Lo repitió dos veces. Como diciendo que sin las fotos nuestras, nadie hubiera sabido qué hizo la revolución. Le conté algunas anécdotas del libro. Incluso la anécdota de que la portada del libro es Fidel con un tabaco, hecha en el 77. Fidel dejó de fumar en el 78 o 79…

- Debe ser una de las últimas fotos de él fumando…
- Posiblemente. Y yo estaba preocupado porque él había hablado en Ginebra diciendo que le habían dado una medalla por haber dejado de fumar en el año 98, yo lo estaba oyendo, haciéndole fotos y hablando conmigo mismo, diciendo: “Se me jodió la portada del libro”. Porque el libro estaba en proceso en la editorial. Y llegué a La Habana y lo dije: que Fidel habló en contra de los que fuman, que deschavó la portada del libro. Pero me dijeron que no, que la portada del libro es esa. Y le hice el cuento a Fidel…

- ¿Y qué dijo?
- “¿Y qué? Si yo fumaba. Aparte, me gustan todas las fotos del libro”. Lo tengo grabado. Pero lo tengo en la mente. Porque esa es una medallita que te ponen en el corazón y yo tengo muchas medallitas en el corazón. O sea, yo puedo tener muchos reconocimientos en mi vida, tengo medallas, pero tú vas a mi casa y no vas a ver nada de eso porque lo tengo guardado.

Vuelve a prender su tabaco y repite que aún es joven, que se ríe cuando lee las noticias sobre Cuba en el exterior, y que ya no extraña al diario. “Me retiré porque quería hacer otras cosas”, cuenta y adelanta que sorprenderá con una exposición que presentará cuando cumpla 75 años. Con Fidel, es trabajo cumplido: “Si se me da la oportunidad, lo vuelvo a retratar pero creo que ya hice lo que tenía que hacer”.

Noval junto a Alberto Granado, amigo de la infancia de Guevara

De visita por Córdoba, estuvo en el museo del Che Guevara en Alta Gracia

Noval en La Plata, durante la inauguración de una muestra de fotos de Guevara, junto a dos amigos del Che, Alberto Granado y Carlos

El Che en una de las históricas fotos de Noval

Guevara en un momento de distensión durante el trabajo voluntario en Cuba

Noval fotografió al Che durante el trabajo voluntario, donde además de sacar fotos deba colaborar con las tareas del lugar

Fidel Castro durante un discurso en la Universidad de La Habana

Fidel Castro en una de las últimas fotos fumando. Es la portada del libro Instantáneas, de Noval

Fidel con boina, en el Cacahual. Para Noval, quizás la mejor foto que sacó del lder cubano.

Momento histórico. Juan Pablo II llega a Cuba y es recibido por Fidel Castro

Fidel Castro realiza uno de sus interminables discursos. Noval tituló esta foto como

 

Fidel Castro durante un viaje a Cartagena de Indias

Certifica.com

 

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